Sergei Vasilievich Rachmaninoff |

Sergei Rachmaninov

Dan saya memiliki tanah air; Dia luar biasa! A. Pleshcheev (dari G. Heine)

Rachmaninov dibuat dari baja dan emas; Baja di tangannya, emas di hatinya. I.Hoffman

"Saya seorang komposer Rusia, dan tanah air saya telah meninggalkan jejaknya pada karakter dan pandangan saya." Kata-kata ini milik S. Rachmaninov, komposer hebat, pianis dan konduktor brilian. Semua peristiwa terpenting dalam kehidupan sosial dan artistik Rusia tercermin dalam kehidupan kreatifnya, meninggalkan jejak yang tak terhapuskan. Pembentukan dan berkembangnya karya Rachmaninov jatuh pada tahun 1890-1900-an, saat proses paling kompleks terjadi dalam budaya Rusia, denyut nadi spiritual berdetak kencang dan gugup. Perasaan liris akut dari era yang melekat pada Rachmaninov selalu dikaitkan dengan citra Tanah Air tercinta, dengan bentangan luasnya yang tak terhingga, kekuatan dan kekuatan kekerasan dari kekuatan unsurnya, kerapuhan lembut dari alam musim semi yang mekar.

Bakat Rachmaninov terwujud sejak dini dan cemerlang, meskipun hingga usia dua belas tahun ia tidak menunjukkan semangat yang besar untuk pelajaran musik yang sistematis. Dia mulai belajar bermain piano pada usia 4 tahun, pada tahun 1882 dia diterima di Konservatorium St. Di sini Rachmaninoff belajar piano dengan N. Zverev, lalu A. Siloti; dalam mata pelajaran teoretis dan komposisi – dengan S. Taneyev dan A. Arensky. Tinggal di rumah kos bersama Zverev (1885-1885), dia menjalani sekolah disiplin kerja yang keras, tetapi sangat masuk akal, yang mengubahnya dari orang yang malas dan nakal menjadi orang yang sangat tenang dan berkemauan keras. “Yang terbaik yang ada dalam diri saya, saya berutang padanya,” – demikian Rachmaninov kemudian berkata tentang Zverev. Di konservatori, Rachmaninoff sangat dipengaruhi oleh kepribadian P. Tchaikovsky, yang, pada gilirannya, mengikuti perkembangan Seryozha favoritnya dan, setelah lulus dari konservatori, membantu mementaskan opera Aleko di Teater Bolshoi, mengetahui darinya pengalaman sedih Anda sendiri betapa sulitnya bagi seorang musisi pemula untuk mengatur jalan Anda sendiri.

Rachmaninov lulus dari Conservatory di bidang piano (1891) dan komposisi (1892) dengan Grand Gold Medal. Saat ini, dia sudah menjadi penulis beberapa komposisi, termasuk Prelude in C sharp minor yang terkenal, roman "In the Silence of the Secret Night", Konserto Piano Pertama, opera "Aleko", yang ditulis sebagai karya kelulusan hanya dalam 17 hari! Potongan Fantasi yang mengikuti, op. 3 (1892), Elegiac Trio “In Memory of a Great Artist” (1893), Suite untuk dua piano (1893), Moments of Music op. 16 (1896), roman, karya simfoni – “The Cliff” (1893), Capriccio on Gypsy Themes (1894) – menegaskan pendapat Rachmaninov sebagai bakat orisinal yang kuat, dalam. Gambaran dan suasana hati yang khas dari Rachmaninoff muncul dalam karya-karya ini dalam jangkauan yang luas - dari kesedihan tragis "Momen Musikal" di B minor hingga pendewaan himne dari romansa "Perairan Musim Semi", dari tekanan spontan-kemauan yang keras dari "Musical Moment" dalam E minor hingga cat air terbaik dari romansa "Island".

Hidup selama tahun-tahun ini sulit. Tegas dan kuat dalam kinerja dan kreativitas, Rachmaninoff pada dasarnya adalah orang yang rentan, sering mengalami keraguan diri. Mengganggu kesulitan materi, kekacauan duniawi, mengembara di sudut yang aneh. Dan meski didukung oleh orang-orang terdekatnya, terutama keluarga Satin, ia merasa kesepian. Kejutan kuat yang disebabkan oleh kegagalan Simfoni Pertama, yang dibawakan di St. Petersburg pada Maret 1897, menyebabkan krisis kreatif. Selama beberapa tahun Rachmaninoff tidak menulis apa pun, tetapi aktivitas pertunjukannya sebagai pianis semakin intensif, dan ia memulai debutnya sebagai konduktor di Moscow Private Opera (1897). Selama tahun-tahun ini, ia bertemu L. Tolstoy, A. Chekhov, seniman Teater Seni, memulai persahabatan dengan Fyodor Chaliapin, yang dianggap Rachmaninov sebagai salah satu "pengalaman artistik yang paling kuat, dalam, dan halus". Pada tahun 1899, Rachmaninoff pertama kali tampil di luar negeri (di London), dan pada tahun 1900 ia mengunjungi Italia, di mana sketsa opera Francesca da Rimini di masa depan muncul. Acara yang menggembirakan adalah pementasan opera Aleko di St. Petersburg dalam rangka peringatan 100 tahun A. Pushkin dengan Chaliapin sebagai Aleko. Dengan demikian, titik balik internal sedang dipersiapkan secara bertahap, dan pada awal 1900-an. ada kembali ke kreativitas. Abad baru dimulai dengan Second Piano Concerto, yang terdengar seperti alarm yang kuat. Orang-orang sezaman mendengar dalam dirinya suara Waktu dengan ketegangan, ledakan, dan perasaan akan perubahan yang akan datang. Sekarang genre konser menjadi yang terdepan, di dalamnya ide-ide utama diwujudkan dengan kelengkapan dan inklusivitas terbesar. Tahap baru dimulai dalam kehidupan Rachmaninov.

Pengakuan umum di Rusia dan luar negeri menerima aktivitas pianistik dan konduktornya. 2 tahun (1904-06) Rachmaninov bekerja sebagai konduktor di Teater Bolshoi, meninggalkan kenangan akan produksi opera Rusia yang luar biasa dalam sejarahnya. Pada tahun 1907 ia ikut serta dalam Konser Sejarah Rusia yang diselenggarakan oleh S. Diaghilev di Paris, pada tahun 1909 ia tampil untuk pertama kalinya di Amerika, di mana ia memainkan Konserto Piano Ketiganya yang dipimpin oleh G. Mahler. Kegiatan konser yang intensif di kota-kota Rusia dan luar negeri dipadukan dengan kreativitas yang tidak kalah intens, dan dalam musik dekade ini (dalam kantata "Musim Semi" - 1902, dalam pendahuluan op. 23, di final Simfoni Kedua dan Konser Ketiga) ada banyak semangat dan antusiasme yang membara. Dan dalam komposisi seperti roman "Lilac", "Ini bagus di sini", di pendahuluan di D mayor dan G mayor, "musik kekuatan nyanyian alam" terdengar dengan penetrasi yang luar biasa.

Namun di tahun yang sama, mood lain juga terasa. Pikiran sedih tentang ibu pertiwi dan nasibnya di masa depan, refleksi filosofis tentang hidup dan mati memunculkan gambaran tragis Piano Sonata Pertama, yang terinspirasi oleh Faust Goethe, puisi simfoni "The Island of the Dead" berdasarkan lukisan karya seniman Swiss A. Böcklin (1909), banyak halaman dari Konserto Ketiga, roman op. 26. Perubahan internal menjadi sangat nyata setelah 1910. Jika dalam Konser Ketiga tragedi itu akhirnya dapat diatasi dan konser tersebut diakhiri dengan pendewaan yang menggembirakan, maka dalam karya-karya berikutnya hal itu terus diperdalam, menghidupkan citra agresif, bermusuhan, suram, suasana hati yang tertekan. Bahasa musik menjadi lebih kompleks, nafas melodi yang lebar jadi ciri khas Rachmaninov menghilang. Begitulah puisi simfoni vokal "The Bells" (di st. E. Poe, diterjemahkan oleh K. Balmont – 1913); roman op. 34 (1912) dan op. 38 (1916); Etudes-lukisan op. 39 (1917). Namun, pada saat inilah Rachmaninoff menciptakan karya-karya yang sarat makna etis tinggi, yang menjadi personifikasi keindahan spiritual yang abadi, puncak dari melodi Rachmaninov – “Vocalise” dan “All-Night Vigil” untuk choir a cappella (1915). “Sejak kecil, saya terpesona oleh melodi Oktoikh yang luar biasa. Saya selalu merasa bahwa gaya khusus dan khusus diperlukan untuk pemrosesan paduan suara mereka, dan, menurut saya, saya menemukannya di Vesper. Saya tidak bisa tidak mengaku. bahwa penampilan pertamanya oleh Paduan Suara Sinode Moskow memberi saya satu jam kesenangan yang paling membahagiakan,” kenang Rachmaninov.

Pada 24 Desember 1917, Rachmaninov dan keluarganya meninggalkan Rusia, ternyata, selamanya. Selama lebih dari seperempat abad dia tinggal di negeri asing, di AS, dan periode ini sebagian besar penuh dengan aktivitas konser yang melelahkan, tunduk pada hukum kejam bisnis musik. Rachmaninov menggunakan sebagian besar bayarannya untuk memberikan dukungan material kepada rekan senegaranya di luar negeri dan di Rusia. Jadi, seluruh koleksi pertunjukan pada bulan April 1922 dialihkan untuk kepentingan kelaparan di Rusia, dan pada musim gugur 1941 Rakhmaninov mengirimkan lebih dari empat ribu dolar ke dana bantuan Tentara Merah.

Di luar negeri, Rachmaninoff hidup dalam isolasi, membatasi lingkaran pertemanannya hanya pada imigran dari Rusia. Pengecualian dibuat hanya untuk keluarga F. Steinway, kepala firma piano, yang memiliki hubungan persahabatan dengan Rachmaninov.

Tahun-tahun pertama tinggal di luar negeri, Rachmaninov tidak meninggalkan pemikiran tentang hilangnya inspirasi kreatif. “Setelah meninggalkan Rusia, saya kehilangan keinginan untuk mengarang. Setelah kehilangan tanah air saya, saya kehilangan diri saya sendiri.” Hanya 8 tahun setelah pergi ke luar negeri, Rachmaninov kembali berkreasi, menciptakan Konserto Piano Keempat (1926), Tiga Lagu Rusia untuk Paduan Suara dan Orkestra (1926), Variasi Tema Corelli untuk piano (1931), Rhapsody dengan Tema Paganini (1934), Simfoni Ketiga (1936), “Tarian Simfoni” (1940). Karya-karya ini adalah kenaikan Rachmaninoff yang terakhir dan tertinggi. Perasaan sedih akan kehilangan yang tidak dapat diperbaiki, kerinduan yang membara akan Rusia memunculkan seni dengan kekuatan tragis yang luar biasa, mencapai klimaksnya dalam Tarian Simfoni. Dan dalam Simfoni Ketiga yang brilian, Rachmaninoff mewujudkan tema sentral karyanya untuk terakhir kalinya - citra Tanah Air. Pikiran intens yang sangat terkonsentrasi dari sang seniman membangkitkannya dari kedalaman berabad-abad, ia muncul sebagai kenangan yang tak terhingga. Dalam jalinan kompleks berbagai tema, episode, perspektif luas muncul, epik dramatis nasib Tanah Air diciptakan kembali, diakhiri dengan penegasan hidup yang menang. Jadi melalui semua karya Rachmaninoff ia membawa prinsip etika yang tidak dapat diganggu gugat, spiritualitas yang tinggi, kesetiaan, dan cinta yang tak terhindarkan untuk Tanah Air, yang personifikasinya adalah seninya.

O.Averyanova

• Museum-estate Rachmaninov di Ivanovka →
• Karya piano oleh Rachmaninoff →
• Karya simfoni Rachmaninoff →
• Seni instrumen kamar Rachmaninov →
• Opera karya Rachmaninoff →
• Karya paduan suara oleh Rachmaninoff →
• Romances oleh Rachmaninoff →
• Rachmaninov-konduktor →

Ciri-ciri kreativitas

Sergei Vasilyevich Rachmaninoff, bersama dengan Scriabin, adalah salah satu tokoh sentral dalam musik Rusia tahun 1900-an. Karya kedua komposer ini menarik perhatian orang-orang sezaman, mereka berdebat dengan panas tentangnya, diskusi cetak yang tajam dimulai seputar karya masing-masing. Terlepas dari semua ketidaksamaan penampilan individu dan struktur figuratif musik Rachmaninov dan Scriabin, nama mereka sering muncul berdampingan dalam perselisihan ini dan dibandingkan satu sama lain. Ada alasan murni eksternal untuk perbandingan seperti itu: keduanya adalah murid dari Konservatorium Moskow, yang lulus darinya hampir bersamaan dan belajar dengan guru yang sama, keduanya langsung menonjol di antara rekan-rekan mereka dengan kekuatan dan kecemerlangan bakat mereka, tidak menerima pengakuan. hanya sebagai komposer yang sangat berbakat, tetapi juga sebagai pianis yang luar biasa.

Tapi ada juga banyak hal yang memisahkan mereka dan terkadang menempatkan mereka di sisi kehidupan musik yang berbeda. Inovator berani Scriabin, yang membuka dunia musik baru, ditentang oleh Rachmaninov sebagai seniman yang lebih berpikiran tradisional yang mendasarkan karyanya di atas fondasi kokoh warisan klasik nasional. "G. Rachmaninoff, tulis salah satu kritikus, adalah pilar di mana semua juara dari arah yang sebenarnya dikelompokkan, semua yang menghargai fondasi yang diletakkan oleh Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov dan Tchaikovsky.

Namun, untuk semua perbedaan posisi Rachmaninov dan Scriabin dalam realitas musik kontemporer mereka, mereka disatukan tidak hanya oleh kondisi umum untuk pengasuhan dan pertumbuhan kepribadian kreatif di masa muda mereka, tetapi juga oleh beberapa kesamaan yang lebih dalam. . "Bakat pemberontak yang gelisah" - begitulah Rachmaninov pernah dicirikan oleh pers. Impulsif yang gelisah, kegembiraan nada emosional, ciri khas karya kedua komposer, yang membuatnya sangat dekat dan dekat dengan kalangan luas masyarakat Rusia pada awal abad ke-XNUMX, dengan harapan, aspirasi, dan harapan cemas mereka. .

“Scriabin dan Rachmaninoff adalah dua 'penguasa pemikiran musik' dunia musik Rusia modern <...> Sekarang mereka berbagi hegemoni di antara mereka sendiri di dunia musik,” aku LL Sabaneev, salah satu pembela paling bersemangat untuk yang pertama dan lawan yang sama keras kepala dan pencela yang kedua. Kritikus lain, yang lebih moderat dalam penilaiannya, menulis dalam sebuah artikel yang ditujukan untuk deskripsi komparatif dari tiga perwakilan paling menonjol dari sekolah musik Moskow, Taneyev, Rachmaninov dan Scriabin: nada kehidupan modern yang sangat intens. Keduanya adalah harapan terbaik Rusia modern.”

Untuk waktu yang lama, pandangan Rachmaninoff sebagai salah satu ahli waris terdekat dan penerus Tchaikovsky mendominasi. Pengaruh pengarang The Queen of Spades tidak diragukan lagi memainkan peran penting dalam pembentukan dan pengembangan karyanya, yang wajar saja bagi lulusan Moscow Conservatory, mahasiswa AS Arensky dan SI Taneyev. Pada saat yang sama, ia juga merasakan beberapa fitur dari sekolah komposer "Petersburg": lirik bersemangat Tchaikovsky digabungkan dalam Rachmaninov dengan keagungan epik Borodin yang keras, penetrasi mendalam Mussorgsky ke dalam sistem pemikiran musik Rusia kuno dan persepsi puitis tentang sifat asli Rimsky-Korsakov. Namun, semua yang dipelajari dari guru dan pendahulu dipikirkan kembali secara mendalam oleh komposer, mematuhi keinginan kreatifnya yang kuat, dan memperoleh karakter individu baru yang sepenuhnya mandiri. Gaya Rachmaninov yang sangat orisinal memiliki integritas dan organikitas internal yang hebat.

Jika kita mencari persamaan dengannya dalam budaya artistik Rusia pada pergantian abad, maka ini, pertama-tama, garis Chekhov-Bunin dalam sastra, lanskap liris Levitan, Nesterov, Ostroukhov dalam lukisan. Kesejajaran ini telah berulang kali dicatat oleh berbagai penulis dan hampir menjadi stereotip. Diketahui dengan cinta dan rasa hormat yang kuat Rachmaninov memperlakukan pekerjaan dan kepribadian Chekhov. Sudah di tahun-tahun terakhir hidupnya, membaca surat-surat penulis, dia menyesal tidak bertemu dengannya lebih dekat pada masanya. Komposer dikaitkan dengan Bunin selama bertahun-tahun oleh simpati timbal balik dan pandangan artistik yang sama. Mereka dipersatukan dan dihubungkan oleh cinta yang penuh gairah untuk sifat asli Rusia mereka, untuk tanda-tanda kehidupan sederhana yang sudah meninggalkan lingkungan terdekat seseorang ke dunia di sekitarnya, sikap puitis dunia, diwarnai oleh kedalaman lirik yang tajam, kehausan akan pembebasan spiritual dan pembebasan dari belenggu yang membatasi kebebasan pribadi manusia.

Sumber inspirasi Rachmaninov adalah berbagai dorongan yang terpancar dari kehidupan nyata, keindahan alam, gambaran sastra dan lukisan. “… Saya menemukan,” katanya, “bahwa ide musik lahir dalam diri saya dengan lebih mudah di bawah pengaruh kesan ekstra-musik tertentu.” Tetapi pada saat yang sama, Rachmaninov tidak terlalu berusaha untuk refleksi langsung dari fenomena realitas tertentu melalui musik, untuk "melukis dalam suara", tetapi untuk ekspresi reaksi emosionalnya, perasaan dan pengalaman yang muncul di bawah pengaruh berbagai kesan yang diterima secara eksternal. Dalam pengertian ini, kita dapat membicarakannya sebagai salah satu perwakilan realisme puitis tahun 900-an yang paling mencolok dan khas, tren utamanya berhasil dirumuskan oleh VG Korolenko: “Kami tidak hanya mencerminkan fenomena sebagaimana adanya dan melakukan tidak menciptakan ilusi dari dunia yang tidak ada. Kami menciptakan atau mewujudkan hubungan baru dari jiwa manusia dengan dunia sekitar yang lahir di dalam diri kami.

Salah satu ciri paling khas dari musik Rachmaninov, yang pertama-tama menarik perhatian saat mengenalnya, adalah melodi yang paling ekspresif. Di antara orang-orang sezamannya, ia menonjol karena kemampuannya untuk menciptakan melodi pernafasan yang luas dan panjang, memadukan keindahan dan plastisitas gambar dengan ekspresi yang cerah dan intens. Melodisme, merdu adalah kualitas utama gaya Rachmaninov, yang sangat menentukan sifat pemikiran harmonis sang komposer dan tekstur karyanya, jenuh, sebagai aturan, dengan suara-suara independen, entah bergerak ke depan, atau menghilang ke dalam padat padat kain suara.

Rachmaninoff menciptakan jenis melodinya sendiri yang sangat istimewa, berdasarkan kombinasi teknik khas Tchaikovsky - pengembangan melodi dinamis yang intensif dengan metode transformasi varian, dilakukan dengan lebih lancar dan tenang. Setelah lepas landas dengan cepat atau pendakian yang intens dan lama ke atas, melodi, seolah-olah, membeku pada tingkat yang dicapai, selalu kembali ke satu suara yang dinyanyikan lama, atau perlahan, dengan tepian yang membubung, kembali ke ketinggian aslinya. Hubungan terbalik juga dimungkinkan, ketika tinggal yang kurang lebih lama di satu zona ketinggian tinggi yang terbatas tiba-tiba dipatahkan oleh alur melodi untuk interval yang lebar, memperkenalkan bayangan ekspresi liris yang tajam.

Dalam interpenetrasi dinamika dan statika seperti itu, LA Mazel melihat salah satu ciri paling khas dari melodi Rachmaninov. Peneliti lain memberi arti yang lebih umum pada rasio prinsip-prinsip ini dalam karya Rachmaninov, menunjuk pada pergantian momen "pengereman" dan "terobosan" yang mendasari banyak karyanya. (VP Bobrovsky mengungkapkan gagasan serupa, mencatat bahwa "keajaiban individualitas Rachmaninoff terletak pada kesatuan organik yang unik dari dua kecenderungan yang berlawanan arah dan sintesis mereka hanya melekat pada dirinya" - sebuah aspirasi aktif dan kecenderungan untuk "bertahan lama pada apa yang telah terjadi tercapai.”). Kegemaran akan lirik kontemplatif, perendaman yang lama dalam satu keadaan pikiran, seolah-olah komposer ingin menghentikan waktu yang cepat berlalu, ia menggabungkan dengan energi luar yang besar dan deras, haus akan penegasan diri yang aktif. Karenanya kekuatan dan ketajaman kontras dalam musiknya. Dia berusaha untuk membawa setiap perasaan, setiap keadaan pikiran ke tingkat ekspresi yang ekstrim.

Dalam melodi liris Rachmaninov yang dibentangkan dengan bebas, dengan napasnya yang panjang dan tak terputus, orang sering mendengar sesuatu yang mirip dengan luasnya "tak terhindarkan" dari lagu rakyat Rusia yang tersisa. Namun, pada saat yang sama, hubungan antara kreativitas Rachmaninov dan penulisan lagu rakyat bersifat sangat tidak langsung. Hanya dalam kasus yang jarang dan terisolasi, komposer menggunakan lagu rakyat asli; dia tidak mengusahakan kesamaan langsung dari melodinya sendiri dengan melodi folk. “Dalam Rachmaninov,” penulis karya khusus tentang melodinya dengan tepat mencatat, “jarang ada hubungan langsung dengan genre kesenian rakyat tertentu. Secara khusus, genre tersebut sering kali tampak larut dalam "perasaan" rakyat secara umum dan tidak, seperti pendahulunya, memperkuat awal dari seluruh proses pembentukan dan menjadi citra musik. Berulang kali, perhatian tertuju pada ciri khas melodi Rachmaninov, yang membawanya lebih dekat ke lagu rakyat Rusia, seperti kehalusan gerakan dengan dominasi gerakan bertahap, diatonisisme, putaran Frigia yang melimpah, dll. oleh komposer, fitur-fitur ini menjadi properti yang tidak dapat dicabut dari gaya masing-masing penulisnya, memperoleh pewarnaan ekspresif khusus yang hanya dimiliki olehnya.

Sisi lain dari gaya ini, yang sangat mengesankan seperti kekayaan melodi musik Rachmaninov, adalah ritme yang luar biasa energik, menaklukkan secara angkuh, dan pada saat yang sama fleksibel, terkadang aneh. Baik komposer sezaman maupun peneliti selanjutnya banyak menulis tentang ritme khusus Rachmaninoff ini, yang tanpa sadar menarik perhatian pendengar. Seringkali ritme yang menentukan nada utama musik. AV Ossovsky mencatat pada tahun 1904 mengenai gerakan terakhir Suite Kedua untuk Dua Piano bahwa Rachmaninov di dalamnya “tidak takut untuk memperdalam minat ritmis bentuk Tarantella ke jiwa yang gelisah dan gelap, tidak asing dengan serangan semacam demonisme di waktu."

Rhythm muncul di Rachmaninov sebagai pembawa prinsip kehendak yang efektif yang mendinamisasikan jalinan musik dan memperkenalkan "banjir perasaan" liris ke dalam arus utama keseluruhan yang harmonis secara arsitektural. BV Asafiev, membandingkan peran prinsip ritme dalam karya Rachmaninov dan Tchaikovsky, menulis: “Namun, pada yang terakhir, sifat dasar dari simfoni“ gelisah ”nya memanifestasikan dirinya dengan kekuatan khusus dalam benturan dramatis dari tema-tema itu sendiri. Dalam musik Rachmaninov, yang sangat bersemangat dalam integritas kreatifnya, penyatuan gudang perasaan kontemplatif lirik dengan gudang organisasi berkemauan keras dari "Aku" dari komposer-pemain ternyata adalah "bidang individu" dari kontemplasi pribadi, yang dikendalikan oleh ritme dalam arti faktor kehendak … “. Pola ritme dalam Rachmaninov selalu diuraikan dengan sangat jelas, terlepas dari apakah ritme itu sederhana, bahkan, seperti ketukan lonceng besar yang berat dan terukur, atau rumit, berbunga-bunga rumit. Favorit oleh komposer, terutama dalam karya tahun 1910-an, ostinato ritmis memberikan ritme tidak hanya formatif, tetapi dalam beberapa kasus juga makna tematik.

Di bidang harmoni, Rachmaninoff tidak melampaui sistem mayor-minor klasik dalam bentuk yang diperolehnya dalam karya komposer romantis Eropa, Tchaikovsky, dan perwakilan dari Mighty Handful. Musiknya selalu ditentukan secara nada dan stabil, tetapi dalam menggunakan alat harmoni nada klasik-romantis, ia dicirikan oleh beberapa ciri khas yang dengannya tidak sulit untuk menetapkan kepenulisan komposisi tertentu. Di antara ciri-ciri individu khusus dari bahasa harmonik Rachmaninov adalah, misalnya, kelambatan gerakan fungsional yang terkenal, kecenderungan untuk tetap berada di satu kunci untuk waktu yang lama, dan terkadang melemahnya gravitasi. Perhatian tertuju pada banyaknya formasi multi-tert yang kompleks, deretan akord non-dan undecimal, seringkali memiliki makna fonik yang lebih berwarna daripada fungsional. Sambungan harmoni kompleks semacam ini sebagian besar dilakukan dengan bantuan sambungan melodi. Dominasi elemen lagu-melodi dalam musik Rachmaninov menentukan tingginya tingkat kejenuhan polifonik dari jalinan suaranya: kompleks harmonik individu terus-menerus muncul sebagai akibat dari gerakan bebas dari suara-suara “bernyanyi” yang kurang lebih independen.

Ada satu giliran harmonik favorit oleh Rachmaninov, yang begitu sering ia gunakan, terutama pada komposisi periode awal, bahkan ia mendapat nama "harmoni Rachmaninov". Omset ini didasarkan pada akord ketujuh pengantar yang diperkecil dari minor harmonik, biasanya digunakan dalam bentuk terzkvartakkord dengan penggantian derajat II III dan resolusi menjadi triad tonik di posisi ketiga melodi.

Perpindahan ke quart yang diperkecil yang muncul dalam hal ini dalam suara melodi membangkitkan perasaan sedih yang pedih.

Sebagai salah satu ciri luar biasa dari musik Rachmaninov, sejumlah peneliti dan pengamat mencatat pewarnaan minor yang dominan. Keempat konserto pianonya, tiga simfoni, keduanya sonata piano, sebagian besar gambar etudes dan banyak komposisi lainnya ditulis dalam minor. Bahkan mayor sering memperoleh pewarnaan minor karena penurunan perubahan, penyimpangan tonal, dan meluasnya penggunaan pijakan samping minor. Tetapi hanya sedikit komposer yang mencapai keragaman nuansa dan tingkat konsentrasi ekspresif dalam penggunaan kunci minor. Pernyataan LE Gakkel bahwa dalam etudes-paintings op. 39 "mengingat rentang terluas dari warna minor, nuansa minor dari perasaan hidup" dapat diperluas ke bagian penting dari semua karya Rachmaninoff. Kritikus seperti Sabaneev, yang memendam permusuhan berprasangka terhadap Rachmaninov, menyebutnya "seorang pengeluh yang cerdas", yang musiknya mencerminkan "ketidakberdayaan tragis seorang pria tanpa kemauan keras". Sementara itu, minor "gelap" Rachmaninov yang padat seringkali terdengar berani, memprotes, dan penuh dengan ketegangan kemauan yang luar biasa. Dan jika nada-nada sedih tertangkap oleh telinga, maka inilah “kesedihan yang mulia” dari seniman patriot, “rintihan teredam tentang tanah airnya”, yang didengar oleh M. Gorky dalam beberapa karya Bunin. Seperti penulis yang dekat dengannya dalam semangat ini, Rachmaninov, dalam kata-kata Gorky, "memikirkan Rusia secara keseluruhan", menyesali kehilangannya dan mengalami kecemasan akan nasib masa depan.

Citra kreatif Rachmaninov dalam ciri-ciri utamanya tetap utuh dan stabil sepanjang perjalanan setengah abad sang komposer, tanpa mengalami patah tulang dan perubahan yang tajam. Prinsip estetika dan gaya, dipelajari di masa mudanya, dia setia sampai tahun-tahun terakhir hidupnya. Namun demikian, kita dapat mengamati evolusi tertentu dalam karyanya, yang memanifestasikan dirinya tidak hanya dalam pertumbuhan keterampilan, pengayaan palet suara, tetapi juga sebagian memengaruhi struktur kiasan dan ekspresif musik. Di jalur ini, tiga periode besar, meskipun tidak sama dalam durasi dan tingkat produktivitasnya, diuraikan dengan jelas. Mereka dipisahkan satu sama lain oleh caesura sementara yang kurang lebih panjang, pita keraguan, refleksi dan keraguan, ketika tidak ada satu pun karya lengkap yang keluar dari pena komposer. Periode pertama, yang jatuh pada tahun 90-an abad ke-XNUMX, dapat disebut sebagai masa perkembangan kreatif dan pematangan bakat, yang menegaskan jalannya dengan mengatasi pengaruh alam pada usia dini. Karya-karya periode ini seringkali belum cukup mandiri, bentuk dan teksturnya belum sempurna. (Beberapa di antaranya (Konserto Piano Pertama, Elegiac Trio, karya piano: Melody, Serenade, Humoresque) kemudian direvisi oleh komposer dan teksturnya diperkaya dan dikembangkan.), meskipun di beberapa halaman mereka (momen terbaik dari opera muda "Aleko", Elegiac Trio untuk mengenang PI Tchaikovsky, pendahuluan terkenal di C-sharp minor, beberapa momen musik dan roman), individualitas komposer telah terungkap dengan kepastian yang cukup.

Jeda tak terduga terjadi pada tahun 1897, setelah penampilan Simfoni Pertama Rachmaninov yang gagal, sebuah karya di mana komposer menginvestasikan banyak tenaga dan energi spiritual, yang disalahpahami oleh sebagian besar musisi dan hampir dengan suara bulat dikutuk di halaman pers, bahkan diejek. oleh beberapa kritikus. Kegagalan simfoni menyebabkan trauma mental yang mendalam pada Rachmaninoff; menurut pengakuannya sendiri di kemudian hari, dia "seperti orang yang terkena stroke dan kehilangan kepala dan tangannya untuk waktu yang lama." Tiga tahun berikutnya adalah tahun-tahun keheningan kreatif yang hampir lengkap, tetapi pada saat yang sama refleksi terkonsentrasi, penilaian ulang kritis atas semua yang telah dilakukan sebelumnya. Hasil dari karya internal yang intens dari sang komposer pada dirinya sendiri adalah kebangkitan kreatif yang luar biasa intens dan cerah di awal abad baru.

Selama tiga atau empat tahun pertama abad ke-23, Rakhmaninov menciptakan sejumlah karya dari berbagai genre, luar biasa karena puisinya yang dalam, kesegaran dan kesegeraan inspirasi, di mana kekayaan imajinasi kreatif dan orisinalitas "tulisan tangan" pengarangnya dikombinasikan dengan pengerjaan akhir yang tinggi. Diantaranya adalah Second Piano Concerto, Second Suite untuk dua piano, sonata untuk cello dan piano, kantata “Spring”, Ten Preludes op. XNUMX, opera “Francesca da Rimini”, beberapa contoh terbaik dari lirik vokal Rachmaninov (“Lilac”, “Kutipan dari A. Musset”), Rangkaian karya ini memantapkan posisi Rachmaninoff sebagai salah satu komposer Rusia terbesar dan paling menarik waktu kita, memberinya pengakuan luas di kalangan inteligensia artistik dan di antara massa pendengar.

Periode waktu yang relatif singkat dari tahun 1901 hingga 1917 adalah yang paling berhasil dalam karyanya: selama satu setengah dekade ini, sebagian besar karya Rachmaninov yang matang dan mandiri ditulis, yang menjadi bagian integral dari musik klasik nasional. Hampir setiap tahun menghadirkan karya-karya baru, yang kemunculannya menjadi peristiwa penting dalam kehidupan musik. Dengan gencarnya aktivitas kreatif Rachmaninoff, karyanya tidak berubah selama periode ini: pada pergantian dua dekade pertama, gejala pergeseran pembuatan bir terlihat di dalamnya. Tanpa kehilangan kualitas "generik" umumnya, nadanya menjadi lebih parah, suasana hati yang mengganggu meningkat, sementara curahan langsung dari perasaan liris tampaknya melambat, warna transparan terang lebih jarang muncul pada palet suara komposer, warna keseluruhan musik menjadi gelap dan menebal. Perubahan ini terlihat di seri kedua pendahuluan piano, op. 32, dua siklus etudes-lukisan, dan terutama komposisi besar yang monumental seperti "The Bells" dan "All-Night Vigil", yang mengedepankan pertanyaan mendasar dan mendasar tentang keberadaan manusia dan tujuan hidup seseorang.

Evolusi yang dialami Rachmaninov tak luput dari perhatian orang-orang sezamannya. Salah satu kritikus menulis tentang The Bells: “Rakhmaninov tampaknya mulai mencari suasana hati baru, cara baru dalam mengekspresikan pikirannya … Di sini Anda merasakan gaya baru Rachmaninov yang terlahir kembali, yang tidak ada hubungannya dengan gaya Tchaikovsky. ”

Setelah 1917, terobosan baru dalam karya Rachmaninov dimulai, kali ini lebih lama dari yang sebelumnya. Hanya setelah satu dekade penuh komposer kembali menulis musik, setelah mengaransemen tiga lagu rakyat Rusia untuk paduan suara dan orkestra dan menyelesaikan Konserto Piano Keempat, yang dimulai pada malam Perang Dunia Pertama. Selama tahun 30-an dia menulis (kecuali untuk beberapa transkripsi konser untuk piano) hanya empat, namun, signifikan dalam hal gagasan karya-karya besar.

* * *

Dalam lingkungan pencarian yang kompleks, seringkali kontradiktif, pergulatan arah yang tajam dan intens, gangguan bentuk-bentuk kesadaran artistik yang biasa yang menjadi ciri perkembangan seni musik pada paruh pertama abad ke-XNUMX, Rachmaninoff tetap setia pada musik klasik yang hebat. tradisi musik Rusia dari Glinka hingga Borodin, Mussorgsky, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov dan murid langsung terdekat serta pengikut Taneyev, Glazunov. Tetapi dia tidak membatasi dirinya pada peran penjaga tradisi-tradisi ini, tetapi secara aktif, secara kreatif melihatnya, menegaskan kekuatannya yang hidup dan tak habis-habisnya, kemampuan untuk pengembangan dan pengayaan lebih lanjut. Seorang seniman yang sensitif dan mudah dipengaruhi, Rachmaninov, meskipun menganut ajaran klasik, tidak tetap tuli terhadap panggilan modernitas. Dalam sikapnya terhadap tren gaya baru abad ke-XNUMX, tidak hanya ada momen konfrontasi, tetapi juga interaksi tertentu.

Selama setengah abad, karya Rachmaninov telah mengalami evolusi yang signifikan, dan karya-karya tidak hanya tahun 1930-an, tetapi juga tahun 1910-an berbeda secara signifikan baik dalam struktur kiasan maupun dalam bahasa, sarana ekspresi musik dari awal, belum. karya yang sepenuhnya independen dari akhir yang sebelumnya. abad. Di beberapa di antaranya, komposer bersentuhan dengan impresionisme, simbolisme, neoklasikisme, meskipun dengan cara yang sangat aneh, ia secara individual memahami unsur-unsur tren ini. Dengan semua perubahan dan belokan, citra kreatif Rachmaninov tetap sangat integral secara internal, mempertahankan fitur-fitur dasar dan menentukan bahwa musiknya berutang popularitasnya kepada pendengar terluas: lirik yang penuh gairah, menawan, kejujuran dan ketulusan ekspresi, visi puitis dunia .

Yu. Ayo

Konduktor Rachmaninov

Rachmaninov turun dalam sejarah tidak hanya sebagai komposer dan pianis, tetapi juga sebagai konduktor yang luar biasa di zaman kita, meskipun sisi aktivitasnya tidak begitu lama dan intens.

Rachmaninov memulai debutnya sebagai konduktor pada musim gugur tahun 1897 di Mamontov Private Opera di Moskow. Sebelumnya, dia tidak harus memimpin orkestra dan memimpin studi, tetapi bakat musisi yang cemerlang membantu Rachmaninoff dengan cepat mempelajari rahasia penguasaan. Cukuplah untuk mengingat bahwa dia hampir tidak berhasil menyelesaikan latihan pertama: dia tidak tahu bahwa para penyanyi perlu menunjukkan perkenalan; dan beberapa hari kemudian, Rachmaninov telah melakukan pekerjaannya dengan sempurna, membawakan opera Saint-Saens Samson dan Delilah.

“Tahun saya tinggal di opera Mamontov sangat penting bagi saya,” tulisnya. “Di sana saya memperoleh teknik konduktor asli, yang kemudian sangat membantu saya.” Selama musim bekerja sebagai konduktor kedua teater, Rachmaninov membawakan dua puluh lima pertunjukan dari sembilan opera: "Samson and Delilah", "Mermaid", "Carmen", "Orpheus" oleh Gluck, "Rogneda" oleh Serov, " Mignon” oleh Tom, “Kuburan Askold”, “Kekuatan Musuh”, “Malam Mei”. Pers segera mencatat kejelasan gaya konduktornya, kealamian, kurangnya postur tubuh, ritme besi yang ditransmisikan ke para pemain, rasa halus dan rasa warna orkestra yang indah. Dengan perolehan pengalaman, ciri-ciri Rachmaninoff sebagai musisi ini mulai terwujud secara maksimal, dilengkapi dengan kepercayaan diri dan otoritas dalam bekerja dengan solois, paduan suara, dan orkestra.

Dalam beberapa tahun berikutnya, Rachmaninoff, yang sibuk dengan komposisi dan aktivitas pianistik, hanya sesekali memimpin. Masa kejayaan bakat konduktornya jatuh pada periode 1904-1915. Selama dua musim dia telah bekerja di Teater Bolshoi, di mana interpretasinya tentang opera Rusia sangat sukses. Peristiwa bersejarah dalam kehidupan teater disebut oleh para kritikus sebagai pertunjukan ulang tahun Ivan Susanin, yang ia bawakan untuk menghormati peringatan seratus tahun kelahiran Glinka, dan Minggu Tchaikovsky, di mana Rachmaninov membawakan The Queen of Spades, Eugene Onegin, Oprichnik dan balet.

Belakangan, Rachmaninov mengarahkan pertunjukan The Queen of Spades di St. Petersburg; pengulas setuju bahwa dialah yang pertama kali memahami dan menyampaikan kepada penonton seluruh makna tragis dari opera tersebut. Di antara kesuksesan kreatif Rachmaninov di Teater Bolshoi juga produksi Pan Voevoda karya Rimsky-Korsakov dan operanya sendiri The Miserly Knight dan Francesca da Rimini.

Di panggung simfoni, Rachmaninov sejak konser pertama membuktikan dirinya sebagai master lengkap dalam skala besar. Julukan “brilian” tentu mengiringi review penampilannya sebagai konduktor. Paling sering, Rachmaninoff muncul di stand konduktor di konser Moscow Philharmonic Society, serta dengan orkestra Siloti dan Koussevitzky. Pada 1907-1913, ia melakukan banyak hal di luar negeri - di kota-kota Prancis, Belanda, AS, Inggris, Jerman.

Repertoar Rachmaninov sebagai konduktor sangat beragam pada tahun-tahun itu. Ia mampu menembus ke dalam gaya dan karakter karya yang paling beragam. Secara alami, musik Rusia paling dekat dengannya. Dia menghidupkan kembali di atas panggung Bogatyr Symphony Borodin, yang hampir dilupakan pada saat itu, berkontribusi pada popularitas miniatur Lyadov, yang dia lakukan dengan kecemerlangan yang luar biasa. Interpretasinya terhadap musik Tchaikovsky (terutama simfoni ke-4 dan ke-5) ditandai dengan makna dan kedalaman yang luar biasa; dalam karya Rimsky-Korsakov, dia mampu mengungkap gamut warna paling cerah untuk penonton, dan dalam simfoni Borodin dan Glazunov, dia memikat penonton dengan keluasan epik dan integritas interpretasi yang dramatis.

Salah satu puncak seni konduktor Rachmaninov adalah interpretasi simfoni G-minor Mozart. Kritikus Wolfing menulis: “Apa arti dari banyak simfoni tertulis dan cetak sebelum penampilan Rachmaninov dari simfoni g-moll Mozart! … Jenius artistik Rusia untuk kedua kalinya mengubah dan menampilkan sifat artistik dari penulis simfoni ini. Kita tidak hanya dapat berbicara tentang Mozart karya Pushkin, tetapi juga tentang Mozart karya Rachmaninov…”

Bersamaan dengan ini, kami menemukan banyak musik romantis dalam program Rachmaninov - misalnya, Fantastic Symphony Berlioz, simfoni Mendelssohn dan Franck, pembukaan Oberon Weber dan fragmen dari opera Wagner, puisi Liszt dan Lyric Suite Grieg… Dan di sebelahnya – pertunjukan luar biasa penulis modern – puisi simfoni oleh R. Strauss, karya Impresionis: Debussy, Ravel, Roger-Ducasse … Dan tentu saja, Rachmaninov adalah penafsir yang tak tertandingi dari komposisi simfoni miliknya sendiri. Ahli musik terkenal Soviet V. Yakovlev, yang mendengar Rachmaninov lebih dari sekali, mengenang: “Tidak hanya publik dan kritikus, anggota orkestra berpengalaman, profesor, seniman mengakui kepemimpinannya sebagai titik tertinggi dalam seni ini … Metode kerjanya adalah direduksi tidak begitu banyak menjadi sebuah pertunjukan, tetapi menjadi komentar terpisah, penjelasan yang berarti, sering dia bernyanyi atau dalam satu atau lain bentuk menjelaskan apa yang dia pertimbangkan sebelumnya. Setiap orang yang hadir di konsernya mengingat gerak tubuh yang luas dan khas dari seluruh tangan, tidak hanya berasal dari kuas; terkadang gerakannya ini dianggap berlebihan oleh anggota orkestra, tetapi gerakan itu akrab baginya dan dipahami oleh mereka. Tidak ada kepalsuan dalam gerakan, pose, tidak ada efek, tidak ada gambar tangan. Ada hasrat yang tak terbatas, didahului oleh pemikiran, analisis, pemahaman, dan wawasan tentang gaya pemainnya.

Mari kita tambahkan bahwa Rachmaninoff sang konduktor juga merupakan pemain ansambel yang tak tertandingi; solois dalam konsernya adalah artis seperti Taneyev, Scriabin, Siloti, Hoffmann, Casals, dan dalam pertunjukan opera Chaliapin, Nezhdanova, Sobinov …

Setelah 1913, Rachmaninoff menolak menampilkan karya penulis lain dan hanya membawakan gubahannya sendiri. Baru pada tahun 1915 dia menyimpang dari aturan ini dengan mengadakan konser untuk mengenang Scriabin. Namun, belakangan reputasinya sebagai konduktor sangat tinggi di seluruh dunia. Cukuplah untuk mengatakan bahwa segera setelah tiba di Amerika Serikat pada tahun 1918, dia ditawari kepemimpinan orkestra terbesar di negara itu - di Boston dan Cincinnati. Namun saat itu ia tidak bisa lagi mencurahkan waktunya untuk memimpin, terpaksa melakukan aktivitas konser yang intens sebagai pianis.

Baru pada musim gugur 1939, ketika serangkaian konser dari karya Rachmaninov diatur di New York, komposer setuju untuk memimpin salah satunya. Orkestra Philadelphia kemudian membawakan Simfoni Ketiga dan Lonceng. Dia mengulangi program yang sama pada tahun 1941 di Chicago, dan setahun kemudian mengarahkan penampilan "Isle of the Dead" dan "Symphonic Dances" di Egan Arbor. Kritikus O. Daune menulis: “Rakhmaninov membuktikan bahwa dia memiliki keterampilan dan kendali yang sama atas penampilan, musikalitas dan kekuatan kreatif, memimpin orkestra, yang dia tunjukkan saat bermain piano. Karakter dan gaya permainannya, serta perilakunya, menyerang dengan tenang dan percaya diri. Itu adalah ketiadaan kesombongan yang sama, rasa martabat yang sama dan pengekangan yang jelas, kekuatan angkuh yang mengagumkan yang sama. Rekaman The Island of the Dead, Vocalise, dan Third Symphony yang dibuat pada saat itu telah memberikan bukti bagi kami tentang seni konduktor dari musisi Rusia yang brilian.

L. Grigoriev, J. Platek