Claude Debussy |

Claude Debussy

Saya mencoba menemukan realitas baru… orang bodoh menyebutnya impresionisme. C. Debussy

Komposer Prancis C. Debussy sering disebut sebagai bapak musik abad XNUMX. Dia menunjukkan bahwa setiap suara, akord, nada suara dapat didengar dengan cara baru, dapat menjalani kehidupan yang lebih bebas dan beraneka warna, seolah-olah menikmati suaranya sendiri, pembubarannya yang bertahap dan misterius dalam keheningan. Banyak yang benar-benar membuat Debussy terkait dengan impresionisme bergambar: kecemerlangan swadaya dari momen-momen bergerak yang sulit dipahami, cinta untuk lanskap, getaran ruang yang lapang. Bukan kebetulan bahwa Debussy dianggap sebagai perwakilan utama impresionisme dalam musik. Namun, dia lebih jauh dari seniman Impresionis, dia telah pergi dari bentuk tradisional, musiknya diarahkan ke abad kita jauh lebih dalam daripada lukisan C. Monet, O. Renoir atau C. Pissarro.

Debussy percaya bahwa musik itu seperti alam dalam kealamiannya, variabilitas tak berujung dan keragaman bentuk: “Musik adalah seni yang paling dekat dengan alam … Hanya musisi yang memiliki keuntungan menangkap semua puisi malam dan siang, bumi dan langit, menciptakan kembali atmosfer mereka dan secara berirama menyampaikan denyut besar mereka. Baik alam dan musik dirasakan oleh Debussy sebagai misteri, dan di atas segalanya, misteri kelahiran, desain unik yang tak terduga dari permainan kebetulan yang berubah-ubah. Oleh karena itu, sikap skeptis dan ironis komposer terhadap segala macam klise dan label teoretis dalam kaitannya dengan kreativitas artistik, yang tanpa sadar membuat skema realitas hidup seni, dapat dipahami.

Debussy mulai belajar musik pada usia 9 tahun dan sudah pada tahun 1872 ia memasuki departemen junior Konservatorium Paris. Sudah di tahun-tahun konservatori, pemikirannya yang tidak konvensional memanifestasikan dirinya, yang menyebabkan bentrokan dengan guru harmoni. Di sisi lain, musisi pemula menerima kepuasan sejati di kelas E. Guiraud (komposisi) dan A. Mapmontel (piano).

Pada tahun 1881, Debussy, sebagai pianis rumah, menemani dermawan Rusia N. von Meck (teman baik P. Tchaikovsky) dalam perjalanan ke Eropa, dan kemudian, atas undangannya, mengunjungi Rusia dua kali (1881, 1882). Maka dimulailah perkenalan Debussy dengan musik Rusia, yang sangat memengaruhi pembentukan gayanya sendiri. “Rusia akan memberi kita dorongan baru untuk membebaskan diri dari batasan yang absurd. Mereka … membuka jendela yang menghadap ke hamparan ladang. Debussy terpikat oleh kecemerlangan warna nada dan penggambaran yang halus, keindahan musik N. Rimsky-Korsakov, kesegaran harmoni A. Borodin. Dia menyebut M. Mussorgsky komposer favoritnya: “Tidak ada yang berbicara dengan yang terbaik yang kita miliki, dengan kelembutan yang lebih besar dan kedalaman yang lebih besar. Dia unik dan akan tetap unik berkat seninya tanpa teknik yang dibuat-buat, tanpa aturan yang melemahkan. Fleksibilitas intonasi vokal-ucapan inovator Rusia, kebebasan dari "administratif" yang telah ditetapkan sebelumnya, dalam kata-kata Debussy, bentuk-bentuk diimplementasikan dengan caranya sendiri oleh komposer Prancis, menjadi fitur integral dari musiknya. “Dengarkan Boris. Ia memiliki seluruh Pelleas,” Debussy pernah berkata tentang asal-usul bahasa musik operanya.

Setelah lulus dari konservatori pada tahun 1884, Debussy berpartisipasi dalam kompetisi untuk Hadiah Utama Roma, yang memberikan hak untuk peningkatan empat tahun di Roma, di Villa Medici. Selama tahun-tahun yang dihabiskan di Italia (1885-87), Debussy mempelajari musik paduan suara Renaisans (G. Palestrina, O. Lasso), dan masa lalu yang jauh (serta orisinalitas musik Rusia) membawa aliran baru, diperbarui pemikirannya yang harmonis. Karya-karya simfoni yang dikirim ke Paris untuk sebuah laporan ("Zuleima", "Spring") tidak menyenangkan "penguasa takdir musik" konservatif.

Kembali lebih cepat dari jadwal ke Paris, Debussy semakin dekat dengan lingkaran penyair simbolis yang dipimpin oleh S. Mallarme. Musikalitas puisi simbolis, pencarian hubungan misterius antara kehidupan jiwa dan alam, pembubaran bersama mereka - semua ini sangat menarik Debussy dan sebagian besar membentuk estetikanya. Bukan kebetulan bahwa karya awal komposer yang paling orisinal dan sempurna adalah roman dari kata-kata P. Verdun, P. Bourget, P. Louis, dan juga C. Baudelaire. Beberapa dari mereka ("Malam yang Indah", "Mandolin") ditulis selama tahun-tahun belajar di konservatori. Puisi simbolis mengilhami karya orkestra dewasa pertama – pendahuluan “Sore of a Faun” (1894). Dalam ilustrasi musik eclogue Mallarmé ini, gaya orkestra khas Debussy yang bernuansa halus dikembangkan.

Pengaruh simbolisme paling terasa dalam opera satu-satunya karya Debussy, Pelléas et Mélisande (1892-1902), yang ditulis dalam teks prosa drama M. Maeterlinck. Ini adalah kisah cinta, di mana, menurut komposer, karakter "tidak berdebat, tetapi menanggung hidup dan nasib mereka." Debussy di sini, seolah-olah, secara kreatif berdebat dengan R. Wagner, penulis Tristan dan Isolde, ia bahkan ingin menulis Tristannya sendiri, terlepas dari kenyataan bahwa di masa mudanya ia sangat menyukai opera Wagner dan hafal. Alih-alih gairah terbuka musik Wagnerian, inilah ekspresi permainan suara yang halus, penuh dengan kiasan dan simbol. “Musik ada untuk yang tak terekspresikan; Saya ingin dia keluar dari senja, seolah-olah, dan dalam beberapa saat kembali ke senja; agar dia selalu rendah hati,” tulis Debussy.

Mustahil membayangkan Debussy tanpa musik piano. Komposer itu sendiri adalah seorang pianis berbakat (juga sebagai konduktor); “Dia hampir selalu bermain dalam semitone, tanpa ketajaman apa pun, tetapi dengan kepenuhan dan kepadatan suara seperti yang dimainkan Chopin,” kenang pianis Prancis M. Long. Itu dari kesejukan Chopin, spasialitas suara kain piano yang ditolak Debussy dalam pencarian warnanya. Tapi ada sumber lain. Pengekangan, pemerataan nada emosional musik Debussy tiba-tiba membawanya lebih dekat ke musik pra-romantis kuno – terutama pemain harpsichord Prancis era Rococo (F. Couperin, JF Rameau). Genre kuno dari "Suite Bergamasco" dan Suite untuk Piano (Prelude, Minuet, Passpier, Sarabande, Toccata) mewakili versi neoklasikisme "impresionistis" yang aneh. Debussy tidak menggunakan stilisasi sama sekali, tetapi menciptakan citranya sendiri tentang musik awal, lebih merupakan kesan daripada "potret"-nya.

Genre favorit komposer adalah rangkaian program (orkestra dan piano), seperti serangkaian lukisan yang beragam, di mana lanskap statis dipicu oleh ritme tarian yang bergerak cepat. Itulah suite untuk orkestra "Nocturnes" (1899), "The Sea" (1905) dan "Images" (1912). Untuk piano, "Cetakan", 2 buku catatan "Gambar", "Pojok Anak", yang didedikasikan Debussy untuk putrinya, dibuat. Dalam Cetakan, komposer untuk pertama kalinya mencoba membiasakan diri dengan dunia musik dari berbagai budaya dan masyarakat: citra suara dari Timur ("Pagoda"), Spanyol ("Sore di Grenada") dan lanskap yang penuh dengan gerakan, permainan cahaya dan bayangan dengan lagu rakyat Prancis (“Taman di tengah hujan”).

Dalam dua buku catatan pendahuluan (1910, 1913) seluruh dunia kiasan komposer terungkap. Nada cat air transparan dari The Girl with the Flaxen Hair dan The Heather dikontraskan dengan kekayaan palet suara di The Terrace Haunted by Moonlight, di pendahuluan Aromas and Sounds in the Evening Air. Legenda kuno menjadi hidup dalam suara epik Katedral Sunken (di sinilah pengaruh Mussorgsky dan Borodin secara khusus diucapkan!). Dan dalam "Penari Delphian" komposer menemukan kombinasi antik yang unik dari tingkat keparahan kuil dan ritus dengan sensualitas pagan. Dalam pemilihan model untuk inkarnasi musik, Debussy mencapai kebebasan yang sempurna. Dengan kehalusan yang sama, misalnya, ia menembus dunia musik Spanyol (The Alhambra Gate, The Interrupted Serenade) dan menciptakan kembali (menggunakan ritme kue berjalan) semangat teater penyanyi Amerika (Jenderal Lavin the Eccentric, The Minstrels ).

Dalam pendahuluan, Debussy menyajikan seluruh dunia musiknya dalam bentuk yang ringkas dan terkonsentrasi, menggeneralisasikannya dan mengucapkan selamat tinggal padanya dalam banyak hal – dengan sistem korespondensi visual-musik sebelumnya. Dan kemudian, dalam 5 tahun terakhir hidupnya, musiknya, menjadi lebih rumit, memperluas cakrawala genre, semacam ironi yang gugup dan berubah-ubah mulai terasa di dalamnya. Meningkatkan minat pada genre panggung. Ini adalah balet ("Kamma", "Games", dipentaskan oleh V. Nijinsky dan rombongan S. Diaghilev pada tahun 1912, dan balet boneka untuk anak-anak "Toy Box", 1913), musik untuk misteri futuris Italia G d'Annunzio "Kemartiran Santo Sebastianus" (1911). Balerina Ida Rubinshtein, koreografer M. Fokin, artis L. Bakst mengambil bagian dalam produksi misteri. Setelah pembuatan Pelléas, Debussy berulang kali mencoba memulai opera baru: ia tertarik dengan plot E. Poe (Iblis di Menara Lonceng, Kejatuhan Rumah Escher), tetapi rencana ini tidak terwujud. Komposer berencana untuk menulis 6 sonata untuk ansambel kamar, tetapi berhasil membuat 3: untuk cello dan piano (1915), untuk flute, viola dan harpa (1915) dan untuk biola dan piano (1917). Mengedit karya F. Chopin mendorong Debussy untuk menulis Twelve Etudes (1915), yang didedikasikan untuk mengenang komposer hebat. Debussy membuat karya terakhirnya ketika dia sudah sakit parah: pada tahun 1915 dia menjalani operasi, setelah itu dia hidup selama lebih dari dua tahun.

Dalam beberapa komposisi Debussy, peristiwa Perang Dunia Pertama tercermin: dalam "Heroic Lullaby", dalam lagu "The Nativity of Homeless Children", dalam "Ode to France" yang belum selesai. Hanya daftar judul yang menunjukkan bahwa dalam beberapa tahun terakhir telah terjadi peningkatan minat pada tema dan gambar dramatis. Di sisi lain, pandangan komposer tentang dunia menjadi lebih ironis. Humor dan ironi selalu muncul dan, seolah-olah, melengkapi kelembutan sifat Debussy, keterbukaannya terhadap kesan. Mereka memanifestasikan diri mereka tidak hanya dalam musik, tetapi juga dalam pernyataan yang bertujuan baik tentang komposer, dalam surat, dan dalam artikel kritis. Selama 14 tahun Debussy adalah seorang kritikus musik profesional; hasil karya ini adalah buku “Mr. Krosh – Antidilettante” (1914).

Pada tahun-tahun pascaperang, Debussy, bersama dengan perusak estetika romantis yang kurang ajar seperti I. Stravinsky, S. Prokofiev, P. Hindemith, dianggap oleh banyak orang sebagai perwakilan impresionis kemarin. Tetapi kemudian, dan terutama di zaman kita, signifikansi kolosal dari inovator Prancis mulai menjadi jelas, yang memiliki pengaruh langsung pada Stravinsky, B. Bartok, O. Messiaen, yang mengantisipasi teknik sonor dan, secara umum, pengertian baru. ruang dan waktu musik – dan dalam dimensi baru ini menegaskan kemanusiaan sebagai inti dari seni.

K.Zenkin

Jalan hidup dan kreatif

Masa kecil dan masa studi. Claude Achille Debussy lahir pada 22 Agustus 1862 di Saint-Germain, Paris. Orang tuanya – borjuis kecil – menyukai musik, tetapi jauh dari seni profesional sejati. Kesan musik acak dari masa kanak-kanak tidak banyak berkontribusi pada perkembangan artistik komposer masa depan. Yang paling mencolok dari ini adalah kunjungan langka ke opera. Baru pada usia sembilan tahun Debussy mulai belajar bermain piano. Atas desakan seorang pianis yang dekat dengan keluarga mereka, yang mengakui kemampuan luar biasa Claude, orang tuanya mengirimnya pada tahun 1873 ke Paris Conservatory. Pada tahun 70-an dan 80-an abad XNUMX, lembaga pendidikan ini adalah benteng dari metode pengajaran musisi muda yang paling konservatif dan rutin. Setelah Salvador Daniel, komisaris musik Komune Paris, yang tertembak pada hari-hari kekalahannya, direktur konservatori adalah komposer Ambroise Thomas, seorang pria yang sangat terbatas dalam hal pendidikan musik.

Di antara guru konservatori ada juga musisi yang luar biasa - S. Frank, L. Delibes, E. Giro. Dengan kemampuan terbaik mereka, mereka mendukung setiap fenomena baru dalam kehidupan musik Paris, setiap bakat pertunjukan dan komposisi orisinal.

Studi rajin dari tahun-tahun pertama membawa penghargaan solfeggio tahunan Debussy. Di kelas solfeggio dan iringan (latihan praktis untuk piano dalam harmoni), untuk pertama kalinya, minatnya pada putaran harmonik baru, ritme yang beragam dan kompleks memanifestasikan dirinya. Kemungkinan warna-warni dan warna-warni dari bahasa harmonik terbuka di hadapannya.

Bakat pianistik Debussy berkembang sangat pesat. Sudah di tahun-tahun muridnya, permainannya dibedakan oleh isi batin, emosionalitas, kehalusan nuansa, variasi langka dan kekayaan palet suara. Tetapi orisinalitas gaya pertunjukannya, tanpa keahlian dan kecemerlangan eksternal yang modis, tidak mendapat pengakuan yang layak baik di antara para guru konservatori atau di antara rekan-rekan Debussy. Untuk pertama kalinya, bakat pianistiknya dianugerahi hadiah hanya pada tahun 1877 untuk penampilan sonata Schumann.

Bentrokan serius pertama dengan metode pengajaran konservatori yang ada terjadi dengan Debussy di kelas harmoni. Pemikiran harmonik independen Debussy tidak tahan dengan batasan tradisional yang memerintah dalam perjalanan harmoni. Hanya komposer E. Guiraud, yang dengannya Debussy belajar komposisi, benar-benar diilhami oleh aspirasi muridnya dan menemukan kebulatan dengannya dalam pandangan artistik dan estetika dan selera musik.

Sudah komposisi vokal pertama Debussy, yang berasal dari akhir 70-an dan awal 80-an ("Wonderful Evening" dengan kata-kata Paul Bourget dan terutama "Mandolin" dengan kata-kata Paul Verlaine), mengungkapkan orisinalitas bakatnya.

Bahkan sebelum lulus dari konservatori, Debussy melakukan perjalanan luar negeri pertamanya ke Eropa Barat atas undangan dermawan Rusia NF von Meck, yang selama bertahun-tahun menjadi bagian dari sejumlah teman dekat PI Tchaikovsky. Pada tahun 1881 Debussy datang ke Rusia sebagai pianis untuk mengambil bagian dalam konser rumah von Meck. Perjalanan pertama ke Rusia ini (kemudian dia pergi ke sana dua kali lagi - pada tahun 1882 dan 1913) membangkitkan minat besar sang komposer pada musik Rusia, yang tidak melemah sampai akhir hayatnya.

Sejak 1883, Debussy mulai berpartisipasi sebagai komposer dalam kompetisi untuk Grand Prize of Rome. Tahun berikutnya ia dianugerahi untuk kantata Anak yang Hilang. Karya ini, yang dalam banyak hal masih mengandung pengaruh opera lirik Prancis, menonjol dalam drama nyata dari adegan-adegan individual (misalnya, Leah's aria). Tinggalnya Debussy di Italia (1885-1887) ternyata bermanfaat baginya: ia berkenalan dengan musik paduan suara Italia kuno abad XNUMX (Palestrina) dan pada saat yang sama dengan karya Wagner (khususnya, dengan musik drama "Tristan dan Isolde").

Pada saat yang sama, masa tinggal Debussy di Italia ditandai dengan bentrokan tajam dengan kalangan artistik resmi Prancis. Laporan para pemenang sebelum akademi disajikan dalam bentuk karya yang dipertimbangkan di Paris oleh juri khusus. Ulasan karya-karya komposer – ode simfoni “Zuleima”, rangkaian simfoni “Spring” dan kantata “The Chosen One” (sudah ditulis pada saat kedatangan di Paris) – kali ini menemukan jurang pemisah yang tidak dapat diatasi antara aspirasi inovatif Debussy dan inersia yang memerintah di lembaga seni terbesar Prancis. Komposer dituduh memiliki keinginan yang disengaja untuk "melakukan sesuatu yang aneh, tidak dapat dipahami, tidak praktis", dari "rasa warna musik yang berlebihan", yang membuatnya lupa "pentingnya gambar dan bentuk yang akurat". Debussy dituduh menggunakan suara manusia "tertutup" dan kunci F-sharp mayor, yang diduga tidak dapat diterima dalam sebuah karya simfoni. Satu-satunya yang adil, mungkin, adalah komentar tentang tidak adanya "belokan datar dan banalitas" dalam karya-karyanya.

Semua gubahan yang dikirim oleh Debussy ke Paris masih jauh dari gaya komponis yang matang, namun sudah menunjukkan ciri-ciri inovatif, yang diwujudkan terutama dalam bahasa dan orkestrasi harmonik yang penuh warna. Debussy dengan jelas mengungkapkan keinginannya untuk berinovasi dalam sebuah surat kepada salah satu temannya di Paris: “Saya tidak dapat menutup musik saya dalam bingkai yang terlalu tepat … Saya ingin bekerja untuk menciptakan karya yang orisinal, dan tidak jatuh sepanjang waktu pada hal yang sama. jalan…”. Sekembalinya dari Italia ke Paris, Debussy akhirnya putus dengan akademi.

90-an. Bunga pertama dari kreativitas. Keinginan untuk mendekati tren baru dalam seni, keinginan untuk memperluas koneksi dan kenalan mereka di dunia seni membawa Debussy kembali di akhir 80-an ke salon penyair besar Prancis akhir abad ke-80 dan pemimpin ideologis Simbolis - Stefan Mallarme. Pada "Selasa" Mallarme mengumpulkan penulis, penyair, seniman terkemuka - perwakilan dari tren paling beragam dalam seni Prancis modern (penyair Paul Verlaine, Pierre Louis, Henri de Regnier, seniman James Whistler, dan lainnya). Di sini Debussy bertemu dengan penulis dan penyair, yang karya-karyanya menjadi dasar dari banyak komposisi vokalnya, yang dibuat pada tahun 90-50-an. Di antara mereka menonjol: "Mandolin", "Ariettes", "Lanskap Belgia", "Cat Air", "Cahaya Bulan" hingga kata-kata Paul Verlaine, "Lagu Bilitis" hingga kata-kata Pierre Louis, "Lima Puisi" hingga kata-kata penyair Prancis terbesar 60— XNUMX Charles Baudelaire (terutama "Balkon", "Harmoni Malam", "Di Air Mancur") dan lainnya.

Bahkan daftar sederhana dari judul-judul karya-karya ini memungkinkan untuk menilai kegemaran komposer untuk teks-teks sastra, yang terutama berisi motif lanskap atau lirik cinta. Lingkup gambar musik puitis ini menjadi favorit Debussy sepanjang karirnya.

Preferensi yang jelas diberikan pada musik vokal pada periode pertama karyanya dijelaskan sebagian besar oleh hasrat komposer untuk puisi Simbolis. Dalam syair-syair penyair simbolis, Debussy tertarik pada subjek yang dekat dengannya dan teknik artistik baru - kemampuan untuk berbicara dengan singkat, tidak adanya retorika dan kesedihan, banyaknya perbandingan figuratif yang penuh warna, sikap baru terhadap sajak, di mana musik kombinasi kata ditangkap. Sisi simbolisme seperti keinginan untuk menyampaikan keadaan firasat suram, ketakutan akan hal yang tidak diketahui, tidak pernah ditangkap Debussy.

Dalam sebagian besar karya tahun-tahun ini, Debussy mencoba menghindari ketidakpastian simbolis dan pernyataan yang meremehkan dalam ekspresi pemikirannya. Alasan untuk ini adalah kesetiaan pada tradisi demokrasi musik Prancis nasional, sifat artistik yang utuh dan sehat dari komposer (bukan kebetulan bahwa ia paling sering merujuk pada puisi Verlaine, yang secara rumit menggabungkan tradisi puitis para master lama, dengan keinginan mereka untuk berpikir jernih dan kesederhanaan gaya, dengan kehalusan yang melekat pada seni salon aristokrat kontemporer). Dalam komposisi vokal awalnya, Debussy berusaha untuk mewujudkan citra musik yang mempertahankan hubungan dengan genre musik yang ada – lagu, tarian. Tetapi hubungan ini sering muncul, seperti di Verlaine, dalam pembiasan yang agak halus. Begitulah romantisme “Mandolin” hingga kata-kata Verlaine. Dalam melodi romansa, kita mendengar intonasi lagu-lagu urban Prancis dari repertoar "chansonnier", yang dibawakan tanpa aksen, seolah-olah "bernyanyi". Iringan piano menyampaikan karakteristik suara mandolin atau gitar yang tersentak-sentak dan dipetik. Kombinasi akor dari perlima "kosong" menyerupai suara senar terbuka dari instrumen ini:

Sudah dalam karya ini, Debussy menggunakan beberapa teknik warna khas gaya dewasanya dalam harmoni - "rangkaian" konsonan yang belum terselesaikan, perbandingan asli dari triad utama dan inversinya dalam kunci yang jauh,

Tahun 90-an adalah periode pertama perkembangan kreatif Debussy di bidang tidak hanya vokal, tetapi juga musik piano (“Suite Bergamas”, “Little Suite” untuk piano empat tangan), instrumen kamar (string quartet) dan terutama musik simfoni ( saat ini, dua karya simfoni yang paling signifikan diciptakan – pendahuluan “Sore of a Faun” dan “Nocturnes”).

Pembukaan “Sore of a Faun” ditulis berdasarkan puisi Stéphane Mallarmé pada tahun 1892. Karya Mallarme menarik komposer terutama oleh gambar yang cerah dari makhluk mitologis yang bermimpi pada hari yang panas tentang nimfa yang indah.

Dalam pendahuluan, seperti dalam puisi Mallarmé, tidak ada plot yang berkembang, tidak ada perkembangan aksi yang dinamis. Inti dari komposisi ini, pada dasarnya, terletak pada satu citra melodi dari "languor", yang dibangun di atas intonasi kromatik yang "merambat". Debussy menggunakan inkarnasi orkestranya hampir sepanjang waktu dengan timbre instrumental spesifik yang sama – seruling dengan nada rendah:

Seluruh perkembangan simfoni dari pendahuluan bermuara pada memvariasikan tekstur presentasi tema dan orkestrasinya. Perkembangan statis dibenarkan oleh sifat gambar itu sendiri.

Komposisi karya adalah tiga bagian. Hanya di bagian kecil bagian tengah pendahuluan, ketika tema diatonis baru dibawakan oleh kelompok gesek orkestra, karakter umum menjadi lebih intens, ekspresif (dinamika mencapai kemerduan maksimum di pendahuluan). ff, satu-satunya saat tutti dari seluruh orkestra digunakan). Reprise berakhir dengan menghilangnya secara bertahap, seolah-olah, tema "kelesuan".

Fitur gaya dewasa Debussy muncul dalam karya ini terutama dalam orkestrasi. Diferensiasi ekstrim kelompok orkestra dan bagian instrumen individu dalam kelompok memungkinkan untuk menggabungkan dan menggabungkan warna orkestra dalam berbagai cara dan memungkinkan Anda untuk mencapai nuansa terbaik. Banyak prestasi penulisan orkestra dalam karya ini yang kemudian menjadi ciri khas sebagian besar karya simfoni Debussy.

Hanya setelah penampilan "Faun" pada tahun 1894, Debussy sang komposer berbicara di kalangan musik Paris yang lebih luas. Tetapi isolasi dan batasan tertentu dari lingkungan artistik tempat Debussy berada, serta individualitas asli dari gaya komposisinya, mencegah musik komposer muncul di panggung konser.

Bahkan karya simfoni yang luar biasa oleh Debussy seperti siklus Nocturnes, yang dibuat pada tahun 1897-1899, menghadapi sikap yang terkendali. Dalam "Nocturnes" keinginan intens Debussy untuk gambar artistik hidup-nyata diwujudkan. Untuk pertama kalinya dalam karya simfoni Debussy, sebuah lukisan genre yang hidup (bagian kedua dari Nocturnes – “Festivities”) dan gambar alam yang kaya akan warna (bagian pertama – “Clouds”) menerima perwujudan musik yang hidup.

Selama tahun 90-an, Debussy mengerjakan satu-satunya operanya yang telah selesai, Pelléas et Mélisande. Komposer mencari plot yang dekat dengannya untuk waktu yang lama (Dia memulai dan meninggalkan pekerjaan di opera "Rodrigo dan Jimena" berdasarkan tragedi Corneille "Sid". Pekerjaan itu tetap belum selesai, karena Debussy membenci (dengan kata-katanya sendiri) "pemaksaan tindakan", perkembangannya yang dinamis, menekankan ekspresi perasaan afektif, dengan berani menguraikan gambar sastra pahlawan.) dan akhirnya menetap di drama penulis simbolis Belgia Maurice Maeterlinck "Pelleas et Mélisande". Ada sangat sedikit tindakan eksternal dalam pekerjaan ini, tempat dan waktunya hampir tidak berubah. Semua perhatian penulis terfokus pada transfer nuansa psikologis paling halus dalam pengalaman para karakter: Golo, istrinya Mélisande, saudara laki-laki Golo, Pelléas6. Plot karya ini menarik Debussy, dalam kata-katanya, oleh fakta bahwa di dalamnya "karakter tidak berdebat, tetapi menanggung hidup dan nasib." Kelimpahan subteks, pemikiran, seolah-olah, "untuk diri sendiri" memungkinkan komposer untuk mewujudkan motonya: "Musik dimulai di mana kata tidak berdaya."

Debussy dipertahankan dalam opera salah satu fitur utama dari banyak drama Maeterlinck - malapetaka fatal dari karakter sebelum kesudahan fatal yang tak terhindarkan, ketidakpercayaan seseorang pada kebahagiaannya sendiri. Dalam karya Maeterlinck ini, pandangan sosial dan estetika dari bagian penting dari kaum intelektual borjuis pada pergantian abad XNUMX dan XNUMX diwujudkan dengan jelas. Romain Rolland memberikan penilaian sejarah dan sosial yang sangat akurat dari drama dalam bukunya "Musisi Hari Kita": "Suasana di mana drama Maeterlinck berkembang adalah kerendahan hati lelah yang memberikan keinginan untuk hidup dalam kekuatan Rock. Tidak ada yang bisa mengubah urutan acara. […] Tidak ada yang bertanggung jawab atas apa yang dia inginkan, untuk apa yang dia cintai. […] Mereka hidup dan mati tanpa mengetahui alasannya. Fatalisme ini, yang mencerminkan kelelahan aristokrasi spiritual Eropa, secara ajaib disampaikan oleh musik Debussy, yang menambahkan puisi dan pesona sensualnya sendiri … “. Debussy, sampai batas tertentu, berhasil melunakkan nada pesimistis yang putus asa dari drama dengan lirik, ketulusan dan kebenaran yang halus dan terkendali dalam perwujudan musik dari tragedi cinta dan kecemburuan yang sebenarnya.

Kebaruan gaya opera sebagian besar disebabkan oleh fakta bahwa itu ditulis dalam bentuk prosa. Bagian vokal opera Debussy mengandung nuansa halus dan nuansa pidato bahasa Prancis sehari-hari. Perkembangan melodi opera adalah bertahap (tanpa lompatan dalam interval panjang), tetapi garis deklamasi-merdu yang ekspresif. Kelimpahan caesura, ritme yang sangat fleksibel, dan perubahan yang sering terjadi dalam intonasi pertunjukan memungkinkan komposer untuk secara akurat dan tepat menyampaikan arti dari hampir setiap frasa prosa dengan musik. Setiap peningkatan emosional yang signifikan dalam garis melodi tidak ada bahkan dalam episode klimaks opera yang dramatis. Pada saat ketegangan tindakan tertinggi, Debussy tetap setia pada prinsipnya – pengendalian maksimum dan tidak adanya manifestasi eksternal dari perasaan. Jadi, adegan Pelléas menyatakan cintanya kepada Melisande, bertentangan dengan semua tradisi opera, dilakukan tanpa kepura-puraan, seolah-olah dalam "setengah berbisik". Adegan kematian Mélisande diselesaikan dengan cara yang sama. Ada sejumlah adegan dalam opera di mana Debussy berhasil menyampaikan dengan cara yang sangat halus, kompleks dan kaya berbagai nuansa pengalaman manusia: adegan dengan cincin di tepi air mancur di babak kedua, adegan dengan rambut Mélisande di bagian bawah. ketiga, adegan di air mancur di babak keempat dan adegan kematian Mélisande di babak kelima.

Opera ini dipentaskan pada tanggal 30 April 1902 di Comic Opera. Terlepas dari pertunjukan yang luar biasa, opera tidak memiliki kesuksesan nyata dengan khalayak luas. Kritik umumnya tidak ramah dan membiarkan dirinya menyerang dengan tajam dan kasar setelah pertunjukan pertama. Hanya beberapa musisi besar yang menghargai manfaat dari karya ini.

Setelah pementasan Pelléas, Debussy melakukan beberapa upaya untuk membuat opera yang berbeda dalam genre dan gaya dari yang pertama. Libretto ditulis untuk dua opera berdasarkan dongeng berdasarkan Edgar Allan Poe – Kematian Rumah Escher dan Iblis di Menara Lonceng – sketsa dibuat, yang dihancurkan sendiri oleh komposer sesaat sebelum kematiannya. Juga, niat Debussy untuk membuat opera berdasarkan plot tragedi Shakespeare King Lear tidak terwujud. Setelah meninggalkan prinsip-prinsip artistik Pelléas et Mélisande, Debussy tidak pernah dapat menemukan dirinya dalam genre opera lain yang lebih dekat dengan tradisi opera klasik Prancis dan dramaturgi teater.

1900-1918 – puncak pembungaan kreatif Debussy. Kegiatan musik-kritis. Sesaat sebelum produksi Pelleas, sebuah peristiwa penting terjadi dalam kehidupan Debussy – dari tahun 1901 ia menjadi kritikus musik profesional. Kegiatan baru ini baginya berlangsung sebentar-sebentar pada tahun 1901, 1903 dan 1912-1914. Artikel dan pernyataan Debussy yang paling signifikan dikumpulkan olehnya pada tahun 1914 dalam buku “Mr. Krosh adalah seorang anti-amatir”. Aktivitas kritis berkontribusi pada pembentukan pandangan estetika Debussy, kriteria artistiknya. Ini memungkinkan kita untuk menilai pandangan komposer yang sangat progresif tentang tugas-tugas seni dalam pembentukan artistik orang, pada sikapnya terhadap seni klasik dan modern. Pada saat yang sama, itu bukan tanpa keberpihakan dan inkonsistensi dalam penilaian berbagai fenomena dan penilaian estetika.

Debussy sangat menentang prasangka, ketidaktahuan, dan dilettantisme yang mendominasi kritik kontemporer. Tapi Debussy juga keberatan dengan analisis teknis formal yang eksklusif ketika mengevaluasi sebuah karya musik. Dia membela sebagai kualitas utama dan martabat kritik – transmisi “kesan yang tulus, jujur, dan sepenuh hati.” Tugas utama kritik Debussy adalah melawan “akademisi” lembaga resmi Prancis saat itu. Dia menempatkan komentar tajam dan pedas, sebagian besar adil tentang Grand Opera, di mana "harapan terbaik dihancurkan oleh dinding formalisme keras kepala yang kuat dan tidak dapat dihancurkan yang tidak memungkinkan segala jenis sinar terang untuk menembus."

Prinsip dan pandangan estetikanya sangat jelas diungkapkan dalam artikel dan buku Debussy. Salah satu yang paling penting adalah sikap objektif komposer terhadap dunia di sekitarnya. Dia melihat sumber musik di alam: "Musik paling dekat dengan alam ...". “Hanya musisi yang memiliki hak istimewa untuk merangkul puisi malam dan siang, bumi dan langit – menciptakan kembali atmosfer dan ritme getaran alam yang agung.” Kata-kata ini tidak diragukan lagi mengungkapkan keberpihakan tertentu dari pandangan estetika komposer tentang peran eksklusif musik di antara bentuk-bentuk seni lainnya.

Pada saat yang sama, Debussy berpendapat bahwa seni tidak boleh terbatas pada lingkaran sempit ide yang dapat diakses oleh sejumlah pendengar terbatas: "Tugas komposer bukanlah untuk menghibur segelintir pecinta atau spesialis musik yang "tercerahkan". Yang mengejutkan, tepat pada waktunya adalah pernyataan Debussy tentang degradasi tradisi nasional dalam seni Prancis pada awal abad ke-XNUMX: “Orang hanya dapat menyesali bahwa musik Prancis telah mengikuti jalan yang secara berbahaya menjauhkannya dari kualitas khas karakter Prancis seperti kejelasan ekspresi. , presisi dan ketenangan bentuk.” Pada saat yang sama, Debussy menentang batasan nasional dalam seni: "Saya sangat mengenal teori pertukaran bebas dalam seni dan saya tahu apa hasil berharga yang dihasilkannya." Propagandanya yang bersemangat tentang seni musik Rusia di Prancis adalah bukti terbaik dari teori ini.

Karya komposer besar Rusia – Borodin, Balakirev, dan terutama Mussorgsky dan Rimsky-Korsakov – dipelajari secara mendalam oleh Debussy pada tahun 90-an dan memiliki pengaruh tertentu pada beberapa aspek gayanya. Debussy paling terkesan dengan kecemerlangan dan keindahan warna-warni dari tulisan orkestra Rimsky-Korsakov. “Tidak ada yang bisa menyampaikan pesona tema dan pesona orkestra,” tulis Debussy tentang simfoni Antar Rimsky-Korsakov. Dalam karya simfoni Debussy, ada teknik orkestrasi yang dekat dengan Rimsky-Korsakov, khususnya, kecenderungan untuk timbre "murni", penggunaan karakteristik khusus dari instrumen individu, dll.

Dalam lagu-lagu Mussorgsky dan opera Boris Godunov, Debussy menghargai sifat psikologis musik yang dalam, kemampuannya untuk menyampaikan semua kekayaan dunia spiritual seseorang. "Belum ada yang berubah menjadi yang terbaik dalam diri kita, ke perasaan yang lebih lembut dan mendalam," kami temukan dalam pernyataan komposer. Selanjutnya, dalam sejumlah komposisi vokal Debussy dan dalam opera Pelléas et Mélisande, seseorang dapat merasakan pengaruh bahasa melodik Mussorgsky yang sangat ekspresif dan fleksibel, yang menyampaikan nuansa paling halus dari ucapan manusia yang hidup dengan bantuan resitatif melodi.

Tetapi Debussy hanya merasakan aspek-aspek tertentu dari gaya dan metode seniman Rusia terbesar. Dia asing dengan kecenderungan demokratis dan menuduh sosial dalam karya Mussorgsky. Debussy jauh dari plot opera Rimsky-Korsakov yang sangat manusiawi dan signifikan secara filosofis, dari hubungan yang konstan dan tak terpisahkan antara karya komposer ini dan asal-usul rakyat.

Fitur inkonsistensi internal dan beberapa keberpihakan dalam aktivitas kritis Debussy dimanifestasikan dalam meremehkan peran historis dan signifikansi artistik dari karya komposer seperti Handel, Gluck, Schubert, Schumann.

Dalam komentar kritisnya, Debussy terkadang mengambil posisi idealis, dengan alasan bahwa "musik adalah matematika misterius, yang elemen-elemennya terlibat dalam ketidakterbatasan."

Berbicara dalam sejumlah artikel yang mendukung gagasan untuk membuat teater rakyat, Debussy hampir secara bersamaan mengungkapkan gagasan paradoks bahwa "seni tinggi adalah nasib hanya aristokrasi spiritual." Kombinasi pandangan demokratis dan aristokrasi yang terkenal ini sangat khas dari intelektual artistik Prancis pada pergantian abad XNUMX dan XNUMX.

Tahun 1900-an adalah tahap tertinggi dalam aktivitas kreatif komposer. Karya-karya Debussy selama periode ini berbicara tentang tren baru dalam kreativitas dan, pertama-tama, keberangkatan Debussy dari estetika simbolisme. Semakin banyak komposer tertarik dengan adegan bergenre, potret musik dan gambar alam. Seiring dengan tema dan plot baru, fitur gaya baru muncul dalam karyanya. Buktinya adalah karya piano seperti "An Evening in Grenada" (1902), "Gardens in the Rain" (1902), "Island of Joy" (1904). Dalam komposisi-komposisi ini, Debussy menemukan hubungan yang kuat dengan asal-usul musik nasional (dalam “An Evening in Grenada” – dengan cerita rakyat Spanyol), mempertahankan basis genre musik dalam semacam refraksi tarian. Di dalamnya, komposer semakin memperluas cakupan warna timbre dan kemampuan teknis piano. Dia menggunakan gradasi warna dinamis terbaik dalam satu lapisan suara atau menyandingkan kontras dinamis yang tajam. Irama dalam komposisi ini mulai memainkan peran yang semakin ekspresif dalam menciptakan citra artistik. Kadang-kadang menjadi fleksibel, bebas, hampir improvisasi. Pada saat yang sama, dalam karya-karya tahun ini, Debussy mengungkapkan keinginan baru untuk organisasi ritmis yang jelas dan ketat dari keseluruhan komposisi dengan berulang kali mengulangi satu "inti" berirama di seluruh karya atau bagian besarnya (prelude in A minor, "Taman di Hujan", "Malam di Grenada", di mana ritme habanera adalah "inti" dari seluruh komposisi).

Karya-karya periode ini dibedakan oleh persepsi hidup yang sangat berdarah, yang digariskan dengan berani, hampir secara visual dirasakan, gambar-gambar yang terlampir dalam bentuk yang harmonis. "Impresionisme" dari karya-karya ini hanya dalam arti warna yang lebih tinggi, dalam penggunaan "silau dan bintik" harmonik yang berwarna-warni, dalam permainan warna nada yang halus. Tetapi teknik ini tidak melanggar integritas persepsi musikal dari gambar. Itu hanya memberi lebih banyak tonjolan.

Di antara karya simfoni yang dibuat oleh Debussy pada tahun 900-an, "Laut" (1903-1905) dan "Gambar" (1909) menonjol, termasuk "Iberia" yang terkenal.

Suite "Laut" terdiri dari tiga bagian: "Di laut dari fajar hingga siang", "Permainan ombak" dan "Percakapan angin dengan laut". Gambar laut selalu menarik perhatian komposer dari berbagai tren dan sekolah nasional. Banyak contoh karya simfoni terprogram pada tema "laut" oleh komposer Eropa Barat dapat dikutip (pembukaan "Gua Fingal" oleh Mendelssohn, episode simfoni dari "The Flying Dutchman" oleh Wagner, dll.). Tetapi gambar laut paling jelas dan sepenuhnya diwujudkan dalam musik Rusia, terutama di Rimsky-Korsakov (gambar simfoni Sadko, opera dengan nama yang sama, suite Scheherazade, jeda babak kedua opera The Tale of Tsar Saltan),

Tidak seperti karya orkestra Rimsky-Korsakov, Debussy tidak mengatur plot, tetapi hanya tugas bergambar dan mewarnai. Dia berusaha untuk menyampaikan melalui musik perubahan efek cahaya dan warna di laut pada waktu yang berbeda dalam sehari, keadaan laut yang berbeda – tenang, gelisah dan badai. Dalam persepsi komposer tentang lukisan-lukisan laut, sama sekali tidak ada motif seperti itu yang dapat memberikan misteri senja pada pewarnaannya. Debussy didominasi oleh sinar matahari yang cerah, warna totok. Komposer dengan berani menggunakan ritme tarian dan gambar epik yang luas untuk menyampaikan gambar musik yang melegakan.

Pada bagian pertama, gambar kebangkitan laut yang perlahan-lahan tenang saat fajar, ombak yang bergulung-gulung dengan malas, sorotan sinar matahari pertama di atasnya terungkap. Awal orkestra dari gerakan ini sangat berwarna-warni, di mana, dengan latar belakang "gemerisik" timpani, oktaf "tetes" dari dua harpa dan biola tremolo "beku" dalam nada tinggi, frasa melodi pendek dari oboe tampak seperti silau matahari di atas ombak. Munculnya ritme tarian tidak mematahkan pesona kedamaian dan perenungan penuh mimpi.

Bagian paling dinamis dari karya ini adalah yang ketiga – “Percakapan Angin dengan Laut”. Dari gambar laut yang tenang dan tidak bergerak di awal bagian, mengingatkan pada yang pertama, gambar badai terbentang. Debussy menggunakan semua sarana musik untuk pengembangan yang dinamis dan intens – melodik-ritmik, dinamis dan terutama orkestra.

Pada awal gerakan, terdengar motif singkat yang terjadi dalam bentuk dialog antara cello dengan double bass dan dua obo dengan latar belakang merdunya merdu bass drum, timpani, dan tom-tom. Selain koneksi bertahap dari kelompok orkestra baru dan peningkatan seragam dalam kemerduan, Debussy menggunakan prinsip pengembangan ritmik di sini: memperkenalkan lebih banyak ritme tarian baru, ia memenuhi jalinan karya dengan kombinasi fleksibel dari beberapa ritme. pola.

Akhir dari keseluruhan komposisi dianggap tidak hanya sebagai pesta pora elemen laut, tetapi sebagai himne antusias untuk laut, matahari.

Banyak dalam struktur figuratif "Laut", prinsip-prinsip orkestrasi, mempersiapkan penampilan karya simfoni "Iberia" - salah satu karya Debussy yang paling signifikan dan orisinal. Ini menyerang dengan hubungan terdekatnya dengan kehidupan orang-orang Spanyol, lagu dan budaya tarian mereka. Pada tahun 900-an, Debussy beberapa kali beralih ke topik yang berkaitan dengan Spanyol: "Suatu Malam di Grenada", pendahuluan "Gerbang Alhambra" dan "The Interrupted Serenade". Tetapi "Iberia" adalah salah satu karya komposer terbaik yang mengambil dari musim semi yang tak habis-habisnya musik rakyat Spanyol (Glinka di "Aragonese Jota" dan "Malam di Madrid", Rimsky-Korsakov di "Spanyol Capriccio", Bizet di "Carmen", Ravel di " Bolero" dan trio, belum lagi komposer Spanyol de Falla dan Albeniz).

"Iberia" terdiri dari tiga bagian: "Di jalan-jalan dan jalan-jalan Spanyol", "Aroma malam" dan "Pagi liburan". Bagian kedua mengungkapkan lukisan alam bergambar favorit Debussy, yang diilhami dengan aroma pedas khas malam Spanyol, "ditulis" dengan piktorialisme halus komposer, perubahan cepat gambar yang berkedip-kedip dan menghilang. Bagian pertama dan ketiga melukiskan gambaran kehidupan masyarakat di Spanyol. Yang sangat berwarna-warni adalah bagian ketiga, yang berisi sejumlah besar berbagai melodi lagu dan tarian Spanyol, yang menciptakan gambaran yang hidup dari hari libur rakyat yang penuh warna dengan cepat mengubah satu sama lain. Komposer Spanyol terbesar de Falla mengatakan ini tentang Iberia: "Gema desa dalam bentuk motif utama seluruh pekerjaan ("Sevillana") tampaknya berkibar di udara yang jernih atau dalam cahaya yang bergetar. Keajaiban malam-malam Andalusia yang memabukkan, keriuhan kerumunan yang meriah, yang menari mengikuti suara akord dari "geng" gitaris dan banduris ... – semua ini dalam angin puyuh di udara, sekarang mendekat, lalu surut , dan imajinasi kita yang terus terjaga dibutakan oleh keutamaan luar biasa dari musik yang sangat ekspresif dengan nuansanya yang kaya.”

Dekade terakhir dalam kehidupan Debussy ditandai dengan gencarnya aktivitas kreatif dan performans hingga pecahnya Perang Dunia Pertama. Perjalanan konser sebagai konduktor ke Austria-Hongaria membawa ketenaran komposer di luar negeri. Dia diterima dengan hangat di Rusia pada tahun 1913. Konser di St. Petersburg dan Moskow sukses besar. Kontak pribadi Debussy dengan banyak musisi Rusia semakin memperkuat keterikatannya pada budaya musik Rusia.

Awal perang menyebabkan Debussy bangkit dalam perasaan patriotik. Dalam pernyataan tercetak, ia dengan tegas menyebut dirinya sendiri: "Claude Debussy adalah seorang musisi Prancis." Sejumlah karya tahun ini terinspirasi dari tema patriotik: “Heroic Lullaby”, lagu “Christmas of Homeless Children”; di suite untuk dua piano "Putih dan Hitam" Debussy ingin menyampaikan kesannya tentang kengerian perang imperialis. Ode ke Prancis dan kantata Joan of Arc tetap tidak terealisasi.

Dalam karya Debussy dalam beberapa tahun terakhir, orang dapat menemukan berbagai genre yang belum pernah ia temui sebelumnya. Dalam musik vokal kamar, Debussy menemukan ketertarikan pada puisi Prancis kuno Francois Villon, Charles of Orleans, dan lainnya. Dengan penyair-penyair ini, dia ingin menemukan sumber pembaruan subjek dan pada saat yang sama memberi penghormatan kepada seni Prancis kuno yang selalu dia cintai. Di bidang musik instrumental kamar, Debussy menyusun siklus enam sonata untuk berbagai instrumen. Sayangnya, ia hanya berhasil menulis tiga – sonata untuk cello dan piano (1915), sonata untuk flute, harpa dan viola (1915) dan sonata untuk biola dan piano (1916-1917). Dalam komposisi ini, Debussy menganut prinsip komposisi suite daripada komposisi sonata, sehingga menghidupkan kembali tradisi komposer Prancis abad XNUMX. Pada saat yang sama, komposisi ini membuktikan pencarian gencar untuk teknik artistik baru, kombinasi warna instrumen yang berwarna-warni (dalam sonata untuk seruling, harpa dan biola).

Yang sangat luar biasa adalah pencapaian artistik Debussy dalam dekade terakhir hidupnya dalam pekerjaan piano: "Children's Corner" (1906-1908), "Toy Box" (1910), dua puluh empat pendahuluan (1910 dan 1913), "Six Antique Epigraf" di empat tangan (1914), dua belas studi (1915).

Suite piano "Children's Corner" didedikasikan untuk putri Debussy. Keinginan untuk mengungkapkan dunia dalam musik melalui mata seorang anak dalam gambar yang biasa – guru yang ketat, boneka, gembala kecil, gajah mainan – membuat Debussy banyak menggunakan genre tarian dan lagu sehari-hari, dan genre musik profesional. dalam bentuk karikatur yang aneh – lagu pengantar tidur di “The Elephant's Lullaby ”, lagu seorang gembala dalam “The Little Shepherd”, sebuah tarian kue-walk yang modis pada waktu itu, dalam permainan dengan nama yang sama. Di sebelah mereka, sebuah studi khas di "Dokter Gradus ad Parnassum" memungkinkan Debussy untuk membuat gambar seorang guru pedant dan siswa yang bosan melalui karikatur lembut.

Dua belas etude Debussy terhubung dengan eksperimen jangka panjangnya di bidang gaya piano, pencarian jenis teknik piano baru dan sarana ekspresi. Tetapi bahkan dalam karya-karya ini, ia berusaha untuk memecahkan tidak hanya virtuoso murni, tetapi juga masalah suara (etude kesepuluh disebut: "Untuk kontras sonoritas"). Sayangnya, tidak semua sketsa Debussy mampu mewujudkan konsep artistik. Beberapa di antaranya didominasi oleh prinsip konstruktif.

Dua buku catatan pendahuluannya untuk piano harus dianggap sebagai kesimpulan yang layak untuk seluruh jalur kreatif Debussy. Di sini, seolah-olah, aspek paling khas dan khas dari pandangan dunia artistik, metode kreatif, dan gaya komposer terkonsentrasi. Siklus ini berisi cakupan penuh dari lingkup kiasan dan puitis dari karya Debussy.

Hingga hari-hari terakhir hidupnya (ia meninggal pada 26 Maret 1918 saat pengeboman Paris oleh Jerman), meskipun sakit parah, Debussy tidak menghentikan pencarian kreatifnya. Dia menemukan tema dan plot baru, beralih ke genre tradisional, dan membiaskannya dengan cara yang aneh. Semua pencarian ini tidak pernah berkembang di Debussy menjadi tujuan itu sendiri – “yang baru demi yang baru.” Dalam karya dan pernyataan kritis beberapa tahun terakhir tentang karya komposer kontemporer lainnya, ia tanpa lelah menentang kurangnya konten, seluk-beluk bentuk, kompleksitas bahasa musik yang disengaja, karakteristik banyak perwakilan seni modernis Eropa Barat pada akhir XNUMX. dan awal abad XNUMX. Dia dengan tepat berkomentar: "Sebagai aturan umum, niat apa pun untuk memperumit bentuk dan perasaan menunjukkan bahwa penulis tidak memiliki apa-apa untuk dikatakan." “Musik menjadi sulit setiap kali tidak ada.” Pikiran komposer yang hidup dan kreatif tanpa lelah mencari hubungan dengan kehidupan melalui genre musik yang tidak tertahan oleh akademis yang kering dan kecanggihan yang dekaden. Aspirasi ini tidak mendapat kelanjutan nyata dari Debussy karena keterbatasan ideologis tertentu dari lingkungan borjuis di era krisis ini, karena sempitnya minat kreatif, karakteristik bahkan seniman besar seperti dirinya sendiri.

B.Ionin

• Karya piano Debussy →
• Karya simfoni Debussy →
• impresionisme musik Prancis →

Komposisi:

opera – Rodrigue and Jimena (1891-92, tidak berakhir), Pelléas and Mélisande (drama liris setelah M. Maeterlinck, 1893-1902, dipentaskan tahun 1902, Opera Comic, Paris); balet – Games (Jeux, lib. V. Nijinsky, 1912, post. 1913, tr Champs Elysees, Paris), Kamma (Khamma, 1912, skor piano; diatur oleh Ch. Kouklen, pertunjukan akhir 1924, Paris), Toy Box (La boîte joujoux, balet anak-anak, 1913, diaransemen untuk 2 fp., diatur oleh A. Caplet, c.1923); untuk solois, paduan suara dan orkestra – Daniel (cantata, 1880-84), Spring (Printemps, 1882), Call (Doa, 1883; piano dan bagian vokal yang diawetkan), Anak Hilang (L'enfant prodigue, adegan liris, 1884), Diana di hutan (cantata , berdasarkan komedi heroik oleh T. de Banville, 1884-1886, belum selesai), Yang Terpilih (La damoiselle élue, puisi lirik, berdasarkan plot puisi oleh penyair Inggris DG Rossetti, terjemahan Prancis oleh G. Sarrazin, 1887-88), Ode to France (Ode la France, cantata, 1916-17, tidak selesai, setelah kematian Debussy sketsa-sketsa itu diselesaikan dan dicetak oleh MF Gaillard); untuk orkestra – The Triumph of Bacchus (divertimento, 1882), Intermezzo (1882), Spring (Printemps, symphonic suite at 2 o'clock, 1887; ditata ulang sesuai dengan instruksi Debussy, komposer dan konduktor Prancis A. Busset, 1907) , Prelude to the Afternoon of a Faun (Prélude l'après-midi d'un faune, berdasarkan eclogue dengan nama yang sama oleh S. Mallarme, 1892-94), Nocturnes: Clouds, Festivities, Sirens (Nocturnes: Nuages , Fêtes; Sirènes, dengan paduan suara wanita; 1897-99 ), Laut (La mer, 3 sketsa simfoni, 1903-05), Gambar: Gigues (orkestrasi diselesaikan oleh Caplet), Iberia, Tarian Musim Semi (Gambar: Gigues, Ibéria, Rondes de printemps, 1906-12); untuk instrumen dan orkestra — Suite untuk cello (Intermezzo, c. 1880-84), Fantasia untuk piano (1889-90), Rhapsody untuk saxophone (1903-05, belum selesai, diselesaikan oleh JJ Roger-Ducas, publ. 1919), Dances (untuk harpa dengan orkestra gesek, 1904), Rhapsody Pertama untuk klarinet (1909-10, awalnya untuk klarinet dan piano); ansambel instrumen kamar – piano trio (G-dur, 1880), kuartet string (g-moll, op. 10, 1893), sonata untuk flute, viola dan harpa (1915), sonata untuk cello dan piano (d-moll, 1915), sonata untuk biola dan piano (g-moll, 1916); untuk piano 2 tangan – Tarian Gipsi (Danse bohémienne, 1880), Two arabesques (1888), Bergamas suite (1890-1905), Dreams (Rêverie), Ballad (budak Ballade), Dance (Styrian tarantella), Romantic waltz, Nocturne, Mazurka (semua 6 drama – 1890), Suite (1901), Prints (1903), Island of Joy (L'isle joyeuse, 1904), Masks (Masques, 1904), Images (Images, 1st series, 1905; 2nd series, 1907), Children's Pojok (Pojok anak-anak, suite piano, 1906-08), Dua Puluh Empat Pendahuluan (buku catatan pertama, 1; buku catatan kedua, 1910-2), lagu pengantar tidur heroik (Berceuse héroïque, 1910; edisi orkestra, 13 ), Dua Belas Studi (1914) dan lain-lain; untuk piano 4 tangan – Divertimento dan Andante cantabile (c. 1880), simfoni (h-moll, 1 jam, 1880, ditemukan dan diterbitkan di Moskow, 1933), Little Suite (1889), Scottish March on a Folk Theme (Marche écossaise sur un thème populaire , 1891, juga ditranskripsikan untuk orkestra simfoni oleh Debussy), Six Antique Epigraphs (Six épigraphes antiques, 1914), dll.; untuk 2 piano 4 tangan – Lindaraja (Lindaraja, 1901), Di atas putih dan hitam (En blanc et noir, suite 3 buah, 1915); untuk seruling – seruling Pan (Syrinx, 1912); untuk paduan suara acapella – Tiga lagu Charles d'Orleans (1898-1908); untuk suara dan piano – Lagu dan roman (lirik oleh T. de Banville, P. Bourget, A. Musset, M. Bouchor, c. 1876), Tiga roman (lirik oleh L. de Lisle, 1880-84), Lima puisi oleh Baudelaire (1887 - 89), Forgotten ariettes (Ariettes oubliées, lirik oleh P. Verlaine, 1886-88), Two romances (words oleh Bourget, 1891), Three melodies (words oleh Verlaine, 1891), Lyric prosa (Lirik prosa, lirik oleh D . , 1892-93), Songs of Bilitis (Chansons de Bilitis, lirik oleh P. Louis, 1897), Three Songs of France (Trois chansons de France, lirik oleh C. Orleans dan T. Hermite, 1904), Three ballad on Lirik. F. Villon (1910), Tiga puisi karya S. Mallarmé (1913), Natal anak-anak yang tidak lagi bernaung (Noël des enfants qui n'ont plus de maison, lirik oleh Debussy, 1915), dll.; musik untuk pertunjukan teater drama – King Lear (sketsa dan sketsa, 1897-99), The Martyrdom of St. Sebastian (musik untuk oratorio-misteri dengan nama yang sama oleh G. D'Annunzio, 1911); transkripsi – karya KV Gluck, R. Schumann, C. Saint-Saens, R. Wagner, E. Satie, PI Tchaikovsky (3 tarian dari balet "Swan Lake"), dll.