Dmitry Dmitrievich Shostakovich |

Dmitri Shostakovich

D. Shostakovich adalah musik klasik abad ke-XNUMX. Tak satu pun dari tuan besarnya yang begitu dekat hubungannya dengan nasib sulit negara asalnya, tidak dapat mengungkapkan kontradiksi yang menjerit pada masanya dengan kekuatan dan hasrat seperti itu, mengevaluasinya dengan penilaian moral yang keras. Dalam keterlibatan komposer dalam rasa sakit dan masalah rakyatnya inilah letak signifikansi utama dari kontribusinya pada sejarah musik di abad perang dunia dan pergolakan sosial yang megah, yang belum pernah diketahui umat manusia sebelumnya.

Shostakovich pada dasarnya adalah seniman dengan bakat universal. Tidak ada satu genre pun di mana dia tidak mengatakan kata-katanya yang berbobot. Dia sangat dekat dengan jenis musik yang terkadang diperlakukan dengan angkuh oleh musisi yang serius. Dia adalah penulis sejumlah lagu yang diambil oleh banyak orang, dan hingga hari ini adaptasinya yang brilian dari musik populer dan jazz, yang sangat dia sukai pada saat pembentukan gaya - di tahun 20-an. 30-an, senang. Tetapi bidang utama penerapan kekuatan kreatif baginya adalah simfoni. Bukan karena genre lain dari musik serius benar-benar asing baginya - dia diberkahi dengan bakat yang tak tertandingi sebagai komposer teater yang sesungguhnya, dan bekerja dalam sinematografi memberinya sarana penghidupan utama. Tetapi omelan kasar dan tidak adil yang dilakukan pada tahun 1936 dalam editorial surat kabar Pravda dengan judul "Muddle bukan musik" membuatnya enggan untuk terlibat dalam genre opera untuk waktu yang lama - upaya yang dilakukan (opera "Pemain" oleh N. Gogol) tetap belum selesai, dan rencananya belum masuk ke tahap implementasi.

Mungkin inilah tepatnya yang dipengaruhi oleh ciri-ciri kepribadian Shostakovich - secara alami dia tidak cenderung membuka bentuk-bentuk ekspresi protes, dia dengan mudah menyerah pada nonentitas yang keras kepala karena kecerdasan khusus, kehalusan dan ketidakberdayaannya melawan kesewenang-wenangan yang kasar. Tapi ini hanya dalam hidup - dalam seninya dia setia pada prinsip kreatifnya dan menegaskannya dalam genre di mana dia merasa benar-benar bebas. Oleh karena itu, simfoni konseptual menjadi pusat pencarian Shostakovich, di mana dia dapat secara terbuka mengatakan kebenaran tentang waktunya tanpa kompromi. Namun, ia tidak menolak untuk berpartisipasi dalam perusahaan artistik yang lahir di bawah tekanan persyaratan ketat untuk seni yang dipaksakan oleh sistem administrasi-komando, seperti film karya M. Chiaureli "The Fall of Berlin", di mana pujian kebesaran yang tak terkendali dan kebijaksanaan "bapak bangsa" mencapai batas ekstrim. Tetapi partisipasi dalam monumen film semacam ini, atau lainnya, kadang-kadang bahkan karya berbakat yang mendistorsi kebenaran sejarah dan menciptakan mitos yang menyenangkan kepemimpinan politik, tidak melindungi artis dari pembalasan brutal yang dilakukan pada tahun 1948. Ideolog terkemuka rezim Stalinis , A. Zhdanov, mengulangi serangan kasar yang terkandung dalam artikel lama di surat kabar Pravda dan menuduh komposer tersebut, bersama dengan master musik Soviet lainnya pada waktu itu, mengikuti formalisme anti-rakyat.

Selanjutnya, selama "pencairan" Khrushchev, tuduhan semacam itu dicabut dan karya-karya luar biasa sang komposer, yang pertunjukan publiknya dilarang, menemukan jalan mereka ke pendengar. Tetapi drama nasib pribadi sang komposer, yang selamat dari masa penganiayaan yang tidak benar, meninggalkan jejak yang tak terhapuskan pada kepribadiannya dan menentukan arah pencarian kreatifnya, yang ditujukan pada masalah moral keberadaan manusia di bumi. Ini adalah dan tetap menjadi hal utama yang membedakan Shostakovich di antara para pencipta musik di abad ke-XNUMX.

Jalan hidupnya tidak kaya akan peristiwa. Setelah lulus dari Konservatorium Leningrad dengan debut yang brilian - Simfoni Pertama yang luar biasa, ia memulai kehidupan seorang komposer profesional, pertama di kota di Neva, kemudian selama Perang Patriotik Hebat di Moskow. Aktivitasnya sebagai guru di konservatori relatif singkat - dia membiarkannya bertentangan dengan keinginannya. Namun hingga hari ini, murid-muridnya telah melestarikan ingatan akan guru agung, yang memainkan peran penting dalam pembentukan individualitas kreatif mereka. Sudah di First Symphony (1925), dua sifat musik Shostakovich terlihat jelas. Salah satunya tercermin dari terbentuknya gaya instrumental baru dengan kemudahan yang melekat, kemudahan persaingan alat musik konser. Yang lain memanifestasikan dirinya dalam keinginan yang gigih untuk memberikan musik kebermaknaan tertinggi, untuk mengungkapkan konsep mendalam tentang signifikansi filosofis melalui genre simfoni.

Banyak karya komposer yang mengikuti awal yang begitu cemerlang mencerminkan suasana gelisah saat itu, di mana gaya baru zaman itu ditempa dalam pergulatan sikap yang saling bertentangan. Jadi dalam Simfoni Kedua dan Ketiga ("Oktober" - 1927, "May Day" - 1929) Shostakovich memberikan penghormatan kepada poster musik, mereka dengan jelas menunjukkan pengaruh seni bela diri dan propaganda tahun 20-an. (Bukan kebetulan bahwa komposer memasukkan fragmen paduan suara ke puisi penyair muda A. Bezymensky dan S. Kirsanov di dalamnya). Di saat yang sama, mereka juga menunjukkan teatrikal yang hidup, yang begitu memikat dalam produksi E. Vakhtangov dan Vs. Meyerhold. Penampilan merekalah yang memengaruhi gaya opera pertama Shostakovich The Nose (1928), berdasarkan cerita terkenal Gogol. Dari sini muncul tidak hanya sindiran tajam, parodi, mencapai keanehan dalam penggambaran karakter individu dan orang yang mudah tertipu, dengan cepat panik dan cepat menghakimi orang banyak, tetapi juga intonasi pedih dari "tertawa melalui air mata", yang membantu kita mengenali seseorang. bahkan dalam ketiadaan yang vulgar dan disengaja, seperti Kovalev utama Gogol.

Gaya Shostakovich tidak hanya menyerap pengaruh yang berasal dari pengalaman budaya musik dunia (di sini yang terpenting bagi komposer adalah M. Mussorgsky, P. Tchaikovsky dan G. Mahler), tetapi juga menyerap suara-suara kehidupan musik saat itu – yang pada umumnya budaya yang dapat diakses dari genre "ringan" yang mendominasi pikiran massa. Sikap komposer terhadapnya ambivalen - dia terkadang membesar-besarkan, memparodikan pergantian karakteristik dari lagu dan tarian yang modis, tetapi pada saat yang sama memuliakan, mengangkatnya ke ketinggian seni nyata. Sikap ini secara khusus diucapkan di balet awal The Golden Age (1930) dan The Bolt (1931), di First Piano Concerto (1933), di mana terompet solo menjadi saingan yang layak untuk piano bersama dengan orkestra, dan kemudian di scherzo dan penutup Simfoni Keenam (1939). Keahlian yang cemerlang, eksentrik yang kurang ajar dipadukan dalam komposisi ini dengan lirik yang menyentuh hati, kealamian yang luar biasa dari penyebaran melodi "tak berujung" di bagian pertama simfoni.

Dan akhirnya, seseorang tidak bisa tidak menyebutkan sisi lain dari aktivitas kreatif komposer muda – dia bekerja keras dan keras di bioskop, pertama sebagai ilustrator untuk peragaan film bisu, kemudian sebagai salah satu pencipta film bersuara Soviet. Lagunya dari film "Oncoming" (1932) mendapatkan popularitas nasional. Pada saat yang sama, pengaruh "muse muda" juga memengaruhi gaya, bahasa, prinsip komposisi komposisi konserto-philharmonic miliknya.

Keinginan untuk mewujudkan konflik paling akut di dunia modern dengan pergolakan yang megah dan bentrokan sengit dari kekuatan lawan terutama tercermin dalam karya ibu kota periode 30-an. Langkah penting di jalur ini adalah opera Katerina Izmailova (1932), berdasarkan plot cerita N. Leskov, Lady Macbeth dari Distrik Mtsensk. Dalam citra karakter utama, perjuangan internal yang kompleks terungkap dalam jiwa alam yang utuh dan kaya dengan caranya sendiri - di bawah kuk "kekejian hidup", di bawah kekuatan buta, tidak masuk akal nafsu, dia melakukan kejahatan serius, diikuti dengan pembalasan yang kejam.

Namun, sang komposer mencapai kesuksesan terbesar dalam Simfoni Kelima (1937), pencapaian paling signifikan dan mendasar dalam perkembangan simfoni Soviet di tahun 30-an. (beralih ke kualitas gaya baru diuraikan dalam Simfoni Keempat yang ditulis sebelumnya, tetapi kemudian tidak dibunyikan - 1936). Kekuatan Simfoni Kelima terletak pada kenyataan bahwa pengalaman pahlawan lirisnya terungkap dalam hubungan yang paling dekat dengan kehidupan manusia dan, lebih luas lagi, seluruh umat manusia menjelang kejutan terbesar yang pernah dialami oleh orang-orang di dunia – Perang Dunia Kedua. Ini menentukan drama musik yang ditekankan, ekspresinya yang tinggi - pahlawan liris tidak menjadi kontemplator pasif dalam simfoni ini, dia menilai apa yang terjadi dan apa yang akan datang dengan pengadilan moral tertinggi. Dalam ketidakpedulian terhadap nasib dunia, posisi sipil artis, orientasi humanistik musiknya, juga terpengaruh. Hal itu terlihat pada sejumlah karya lain yang tergolong dalam genre kreativitas instrumental kamar, di antaranya adalah Piano Quintet (1940).

Selama Perang Patriotik Hebat, Shostakovich menjadi salah satu seniman garis depan - pejuang melawan fasisme. Simfoni Ketujuh ("Leningrad") miliknya (1941) dianggap di seluruh dunia sebagai suara hidup dari orang-orang yang berperang, yang memasuki perjuangan hidup dan mati atas nama hak untuk hidup, untuk membela manusia tertinggi. nilai-nilai. Dalam karya ini, seperti dalam Eighth Symphony (1943), antagonisme dari dua kubu yang berlawanan menemukan ekspresi langsung dan segera. Belum pernah sebelumnya dalam seni musik kekuatan kejahatan digambarkan dengan begitu jelas, belum pernah sebelumnya mekanika tumpul dari "mesin penghancur" fasis yang sibuk diekspos dengan amarah dan hasrat yang begitu besar. Tetapi simfoni "militer" sang komposer (serta dalam sejumlah karyanya yang lain, misalnya, dalam Piano Trio untuk mengenang I. Sollertinsky – 1944) sama jelasnya terwakili dalam simfoni "perang" sang komposer, simfoni spiritual keindahan dan kekayaan dunia batin seseorang yang menderita masalah pada masanya.

Pada tahun-tahun pascaperang, aktivitas kreatif Shostakovich terungkap dengan semangat baru. Seperti sebelumnya, garis depan pencarian artistiknya disajikan dalam kanvas simfoni yang monumental. Setelah Kesembilan yang agak meringankan (1945), semacam intermezzo, yang, bagaimanapun, bukan tanpa gema yang jelas dari perang yang baru saja berakhir, komposer menciptakan Simfoni Kesepuluh yang diilhami (1953), yang mengangkat tema nasib tragis dari artis, tanggung jawabnya yang tinggi di dunia modern. Namun, yang baru sebagian besar merupakan buah dari upaya generasi sebelumnya - itulah sebabnya sang komposer begitu tertarik dengan peristiwa titik balik dalam sejarah Rusia. Revolusi tahun 1905, yang ditandai dengan Minggu Berdarah pada tanggal 9 Januari, menjadi hidup dalam Program Simfoni Kesebelas yang monumental (1957), dan pencapaian tahun 1917 yang menang menginspirasi Shostakovich untuk menciptakan Simfoni Kedua Belas (1961).

Refleksi tentang makna sejarah, tentang pentingnya perbuatan para pahlawannya, juga tercermin dalam puisi vokal-simfonik satu bagian “The Execution of Stepan Razin” (1964), yang didasarkan pada penggalan dari karya E. Yevtushenko. puisi "Pembangkit Listrik Tenaga Air Bratsk". Tetapi peristiwa-peristiwa di zaman kita, yang disebabkan oleh perubahan drastis dalam kehidupan orang-orang dan pandangan dunia mereka, yang diumumkan oleh Kongres XX CPSU, tidak membuat master besar musik Soviet acuh tak acuh - nafas hidup mereka terlihat jelas di Ketigabelas Symphony (1962), juga ditulis dengan kata-kata E. Yevtushenko. Dalam Simfoni Keempat Belas, komposer beralih ke puisi penyair dari berbagai zaman dan bangsa (FG Lorca, G. Apollinaire, W. Kuchelbecker, RM Rilke) – dia tertarik dengan tema kefanaan hidup manusia dan keabadian kreasi seni sejati, yang sebelumnya bahkan kematian yang berdaulat. Tema yang sama menjadi dasar gagasan siklus vokal-simfoni berdasarkan puisi karya seniman besar Italia Michelangelo Buonarroti (1974). Dan akhirnya, di Fifteenth Symphony (1971) terakhir, gambaran masa kanak-kanak hidup kembali, diciptakan kembali di hadapan pandangan seorang pencipta yang bijak dalam hidup, yang telah mengetahui ukuran penderitaan manusia yang benar-benar tak terukur.

Untuk semua signifikansi simfoni dalam karya pasca-perang Shostakovich, itu jauh dari menghabiskan semua hal terpenting yang diciptakan oleh komposer dalam tiga puluh tahun terakhir kehidupan dan jalur kreatifnya. Dia memberikan perhatian khusus pada genre konser dan instrumen kamar. Dia menciptakan 2 konserto biola (1948 dan 1967), dua konserto cello (1959 dan 1966), dan Konserto Piano Kedua (1957). Karya terbaik dari genre ini mewujudkan konsep makna filosofis yang dalam, sebanding dengan yang diekspresikan dengan kekuatan yang begitu mengesankan dalam simfoninya. Ketajaman benturan antara yang spiritual dan yang tidak spiritual, dorongan tertinggi dari kejeniusan manusia dan serangan vulgar yang agresif, keprimitifan yang disengaja dapat diraba dalam Second Cello Concerto, di mana motif "jalanan" yang sederhana diubah tanpa bisa dikenali, memperlihatkan motifnya. esensi yang tidak manusiawi.

Namun, baik dalam konser maupun musik kamar, keahlian Shostakovich terungkap dalam menciptakan komposisi yang membuka ruang persaingan bebas antar musisi. Di sini genre utama yang menarik perhatian master adalah kuartet gesek tradisional (ditulis oleh komposer sebanyak simfoni - 15). Kuartet Shostakovich memukau dengan berbagai solusi dari siklus multi-bagian (Kesebelas – 1966) hingga komposisi gerakan tunggal (Tiga Belas – 1970). Dalam sejumlah karya kamarnya (dalam Kuartet Kedelapan - 1960, dalam Sonata untuk Viola dan Piano - 1975), komposer kembali ke musik dari komposisi sebelumnya, memberinya suara baru.

Di antara karya-karya genre lain, siklus monumental Preludes dan Fugues untuk piano (1951), terinspirasi oleh perayaan Bach di Leipzig, oratorio Song of the Forests (1949), di mana untuk pertama kalinya dalam musik Soviet Tema tanggung jawab manusia untuk pelestarian alam di sekitarnya diangkat. Anda juga dapat menamai Sepuluh Puisi untuk paduan suara a cappella (1951), siklus vokal “Dari Puisi Rakyat Yahudi” (1948), siklus puisi oleh penyair Sasha Cherny (“Satir” – 1960), Marina Tsvetaeva (1973).

Pekerjaan di bioskop berlanjut pada tahun-tahun pascaperang - musik Shostakovich untuk film "The Gadfly" (berdasarkan novel karya E. Voynich - 1955), serta untuk adaptasi tragedi Shakespeare "Hamlet" (1964) dan “King Lear” (1971) menjadi dikenal luas. ).

Shostakovich memiliki pengaruh yang signifikan terhadap perkembangan musik Soviet. Itu diekspresikan tidak begitu banyak dalam pengaruh langsung dari gaya sang master dan sarana artistik yang menjadi ciri khasnya, tetapi dalam keinginan akan konten musik yang tinggi, hubungannya dengan masalah mendasar kehidupan manusia di bumi. Humanistik pada intinya, benar-benar artistik dalam bentuknya, karya Shostakovich memenangkan pengakuan dunia, menjadi ekspresi yang jelas dari hal baru yang diberikan musik Tanah Soviet kepada dunia.

M.Tarakanov