Instrumentasi |

Presentasi musik untuk pertunjukan oleh bagian mana pun dari orkestra atau ansambel instrumental. Penyajian musik untuk orkestra sering juga disebut orkestrasi. Di masa lalu pl. penulis memberikan istilah "Aku." dan "orkestrasi" Desember. arti. Jadi, misalnya, F. Gewart mendefinisikan I. sebagai doktrin teknis. dan mengungkapkan. Instrumen peluang, dan orkestrasi – sebagai seni aplikasi bersama mereka, dan F. Busoni mengaitkan orkestrasi dengan orkestrasi untuk orkestra musik, yang sejak awal dianggap oleh penulis sebagai orkestra, dan hingga I. – presentasi untuk orkestra karya yang ditulis tanpa memperhitungkan k.- l. komposisi tertentu atau untuk komposisi lain. Seiring waktu, istilah-istilah ini menjadi hampir identik. Istilah "aku.", yang memiliki makna lebih universal, lebih banyak mengungkapkan esensi kreativitas. proses menggubah musik untuk banyak (beberapa) pemain. Oleh karena itu, semakin banyak digunakan di bidang musik paduan suara polifonik, terutama dalam berbagai aransemen.

I. bukanlah "pakaian" eksternal dari sebuah karya, tetapi salah satu sisi esensinya, karena tidak mungkin membayangkan jenis musik apa pun di luar suara konkretnya, yaitu di luar yang ditentukan. timbre dan kombinasinya. Proses I. menemukan ekspresi akhirnya dalam penulisan skor yang menyatukan bagian-bagian dari semua instrumen dan suara yang berpartisipasi dalam kinerja suatu karya. (Efek non-musik dan suara yang disediakan oleh penulis untuk komposisi ini juga direkam dalam skor.)

Ide awal tentang I. bisa saja muncul ketika perbedaan antara renungan pertama kali disadari. frase, dinyanyikan manusia. suara, dan olehnya, dimainkan di c.-l. alat. Namun, untuk waktu yang lama, termasuk masa kejayaan banyak gol. huruf kontrapuntal, warna nada, kontras dan dinamikanya. kemungkinan tidak bermain dalam musik dengan cara yang berarti. peran. Komposer membatasi diri pada perkiraan keseimbangan garis melodi, sedangkan pilihan instrumen sering tidak ditentukan dan bisa acak.

Proses perkembangan I. sebagai faktor formatif dapat dilacak, dimulai dengan disetujuinya gaya penulisan musik yang homofonik. Sarana khusus diperlukan untuk mengisolasi melodi utama dari lingkungan pengiring; penggunaannya menyebabkan ekspresi, ketegangan, dan kekhususan suara yang lebih besar.

Peran penting dalam pemahaman dramaturgi. peran instrumen orkestra dimainkan oleh gedung opera, yang berasal dari akhir abad ke-16 - awal abad ke-17. Abad ke-XNUMX Dalam opera-opera C. Monteverdi, untuk pertama kalinya, tremolo yang mengganggu dan pizzicato dari senar busur ditemukan. KV Gluck, dan kemudian WA Mozart, berhasil menggunakan trombon untuk menggambarkan situasi yang menakutkan dan menakutkan (“Orpheus and Eurydice”, “Don Juan”). Mozart berhasil menggunakan suara naif dari seruling kecil yang saat itu masih primitif untuk mengkarakterisasi Papageno (“The Magic Flute”). Dalam komposisi opera, komposer menggunakan sakramen. suara instrumen kuningan tertutup, dan juga menggunakan kemerduan instrumen perkusi yang datang ke Eropa. orkestra dari apa yang disebut. “musik janisari”. Namun, pencarian di bidang I. tetap di rata-rata. paling tidak kacau sampai (karena pemilihan dan perbaikan alat musik, serta di bawah pengaruh kebutuhan mendesak untuk propaganda cetak karya musik), proses menjadi simfoni selesai. orkestra yang terdiri dari empat, meskipun tidak sama, kelompok instrumen: string, kayu, kuningan dan perkusi. Tipifikasi komposisi orkestra disiapkan oleh seluruh perjalanan perkembangan muse sebelumnya. budaya.

Yang paling awal adalah pada abad ke-17. – grup dawai stabil, terdiri dari varietas instrumen dawai dari keluarga biola yang telah terbentuk tak lama sebelumnya: biola, viola, cello dan double bass menggandakannya, yang menggantikan viola – instrumen suara kamar dan kemampuan teknis terbatas.

Seruling kuno, oboe, dan bassoon juga telah meningkat pesat saat ini sehingga, dalam hal penyetelan dan mobilitas, mereka mulai memenuhi persyaratan permainan ansambel dan segera dapat membentuk (meskipun jangkauan keseluruhan relatif terbatas) ke-2 kelompok dalam orkestra. Ketika di Ser. Pada abad ke-18, klarinet juga bergabung dengan mereka (desainnya diperbaiki sedikit lebih lambat daripada desain alat musik tiup kayu lainnya), kemudian kelompok ini menjadi hampir sama monolitiknya dengan senar, menghasilkan keseragaman, tetapi mengunggulinya dalam berbagai hal. dari timbre.

Butuh waktu lebih lama untuk membentuk orc yang setara. kelompok roh tembaga. peralatan. Pada masa JS Bach, orkestra tipe kamar kecil sering kali menyertakan terompet alami, yang digunakan oleh sebagian besar orang. di register atas, di mana skalanya diizinkan untuk mengekstrak diatonis. urutan kedua. Untuk menggantikan melodi ini penggunaan pipa (yang disebut gaya "Clarino") dari lantai 2. Abad ke-18 muncul interpretasi baru tentang tembaga. Komposer semakin mulai menggunakan pipa dan tanduk alami untuk harmonika. mengisi orc. kain, serta untuk meningkatkan aksen dan menekankan pembusukan. rumus ritme. Karena kesempatan yang terbatas, instrumen kuningan bertindak sebagai kelompok yang setara hanya dalam kasus-kasus ketika musik diciptakan untuk mereka, DOS. pada alam. sisik yang menjadi ciri keriuhan militer, tanduk berburu, tanduk pos, dan instrumen sinyal lainnya untuk tujuan khusus – pendiri grup musik orkestra.

Akhirnya, pukul. instrumen dalam orkestra abad ke-17 - ke-18. paling sering mereka diwakili oleh dua timpani yang disetel ke tonik dan dominan, yang biasanya digunakan dalam kombinasi dengan grup kuningan.

Pada akhir 18 – awal. Abad ke-19 membentuk "klasik." orkestra. Peran paling penting dalam menetapkan komposisinya adalah milik J. Haydn, namun, ia mengambil bentuk yang sepenuhnya lengkap di L. Beethoven (sehubungan dengan yang kadang-kadang disebut "Beethovenian"). Ini termasuk 8-10 biola pertama, 4-6 biola kedua, 2-4 biola, 3-4 cello dan 2-3 double bass (sebelum Beethoven mereka bermain dominan dalam satu oktaf dengan cello). Komposisi senar ini berhubungan dengan 1-2 seruling, 2 obo, 2 klarinet, 2 bassoon, 2 terompet (kadang-kadang 3 atau bahkan 4, ketika ada kebutuhan untuk klakson dengan laras yang berbeda), 2 terompet dan 2 timpani. Orkestra semacam itu memberikan kesempatan yang cukup untuk merealisasikan ide-ide para komposer yang telah mencapai keahlian luar biasa dalam penggunaan renungan. alat-alat terutama tembaga yang rancangannya masih sangat primitif. Oleh karena itu, dalam karya J. Haydn, WA Mozart, dan khususnya L. Beethoven, seringkali terdapat contoh-contoh kecerdikan mengatasi keterbatasan instrumentasi kontemporer mereka dan keinginan untuk memperluas dan meningkatkan orkestra simfoni pada waktu itu terus-menerus menebak.

Dalam simfoni ke-3, Beethoven menciptakan tema yang mewujudkan prinsip kepahlawanan dengan sangat lengkap dan pada saat yang sama idealnya sesuai dengan sifat alami tanduk:

Dalam gerakan lambat dari simfoni ke-5, terompet dan terompet dipercayakan dengan seruan kemenangan:

Tema akhir dari simfoni ini juga membutuhkan partisipasi dari trombon:

Ketika mengerjakan tema lagu terakhir dari simfoni ke-9, Beethoven tidak diragukan lagi berusaha untuk memastikan bahwa itu dapat dimainkan pada instrumen kuningan alami:

Penggunaan timpani dalam scherzo dari simfoni yang sama tidak diragukan lagi membuktikan niat untuk secara dramatis menentang irama. instrumen – timpani untuk orkestra lainnya:

Bahkan selama kehidupan Beethoven, ada revolusi nyata dalam desain arwah kuningan. alat yang terkait dengan penemuan mekanisme katup.

Komposer tidak lagi dibatasi oleh kemungkinan alam yang terbatas. instrumen kuningan dan, di samping itu, mendapat kesempatan untuk membuang nada suara yang lebih luas dengan aman. Namun, pipa dan tanduk "berwarna" yang baru tidak segera mendapatkan pengakuan universal - pada awalnya mereka terdengar lebih buruk daripada yang alami dan seringkali tidak memberikan kemurnian sistem yang diperlukan. Dan di kemudian hari, beberapa komposer (R. Wagner, I. Brahms, NA Rimsky-Korsakov) kadang-kadang kembali ke interpretasi terompet dan terompet sebagai kodrat. instrumen, resep mereka untuk bermain tanpa menggunakan katup. Secara umum, munculnya instrumen katup membuka prospek yang luas untuk pengembangan lebih lanjut dari renungan. kreativitas, karena dalam waktu sesingkat mungkin kelompok tembaga benar-benar mengejar string dan kayu, setelah menerima kesempatan untuk secara mandiri menyajikan salah satu musik paling kompleks.

Peristiwa penting adalah penemuan bass tuba, yang menjadi fondasi yang dapat diandalkan tidak hanya untuk grup tiup, tetapi untuk seluruh orkestra secara keseluruhan.

Perolehan kemerdekaan oleh kelompok tembaga akhirnya menentukan tempat tanduk, yang sebelumnya disatukan (tergantung keadaan) baik tembaga atau kayu. Sebagai alat musik tiup, terompet biasanya dimainkan bersama-sama dengan terompet (kadang-kadang ditopang oleh timpani), tepatnya secara berkelompok.

Dalam kasus lain, mereka sempurna bergabung dengan instrumen kayu, terutama bassoon, membentuk pedal harmonika (bukan kebetulan bahwa dalam skor kuno, dan kemudian dengan R. Wagner, G. Spontini, kadang-kadang dengan G. Berlioz, garis tanduk itu ditempatkan di atas bassoon, yaitu di antara kayu). Jejak dualitas ini terlihat bahkan sampai hari ini, karena tanduk adalah satu-satunya instrumen yang menempati tempat dalam skor bukan dalam urutan tessitura, tetapi, seolah-olah, sebagai "penghubung" antara instrumen kayu dan kuningan.

Beberapa komposer modern (misalnya, SS Prokofiev, DD Shostakovich) di banyak lainnya. skor mencatat bagian tanduk antara terompet dan trombon. Namun, metode merekam klakson menurut tessitura mereka tidak tersebar luas karena kelayakan menempatkan trombon dan pipa di samping satu sama lain dalam skor, sering bertindak bersama sebagai perwakilan dari tembaga "berat" ("keras").

Kelompok roh kayu. instrumen yang desainnya terus disempurnakan, mulai diperkaya secara intensif karena varietas: seruling kecil dan alto, eng. klakson, klarinet kecil dan bass, kontrabassoon. Di lantai 2. Abad ke-19 Lambat laun, sekelompok kayu berwarna-warni terbentuk, dalam hal volumenya tidak hanya tidak kalah dengan senar, tetapi bahkan melebihinya.

Jumlah instrumen perkusi juga meningkat. 3-4 timpani bergabung dengan drum kecil dan besar, simbal, segitiga, rebana. Semakin lama, lonceng, gambang, fp., kemudian celesta muncul di orkestra. Warna baru diperkenalkan oleh harpa tujuh pedal, ditemukan pada awal abad ke-19 dan kemudian diperbaiki oleh S. Erar, dengan mekanisme penyetelan ganda.

String, pada gilirannya, tidak tetap acuh tak acuh terhadap pertumbuhan kelompok tetangga. Untuk mempertahankan proporsi akustik yang benar, perlu untuk meningkatkan jumlah pemain pada instrumen ini menjadi 14-16 biola pertama, 12-14 detik, 10-12 biola, 8-12 cello, 6-8 double bass, yang menciptakan kemungkinan penggunaan dekompresi secara luas. divisi.

Berdasarkan orkestra klasik abad ke-19 secara bertahap berkembang yang dihasilkan oleh ide-ide renungan. romantisme (dan karenanya mencari warna baru dan kontras cerah, properti, musik simfoni program dan teater) orkestra G. Berlioz dan R. Wagner, KM Weber dan G. Verdi, PI Tchaikovsky dan NA Rimsky-Korsakov.

Sepenuhnya terbentuk di lantai 2. Abad ke-19, yang ada tanpa perubahan selama hampir seratus tahun, itu (dengan variasi kecil) masih memenuhi seni. kebutuhan komposer dari berbagai arah dan individualitas sebagai condong ke arah keindahan, warna-warni, renungan. menulis suara, dan mereka yang berjuang untuk kedalaman psikologis gambar musik.

Sejalan dengan stabilisasi orkestra, pencarian intensif untuk teknik orc baru dilakukan. menulis, interpretasi baru dari instrumen orkestra. Teori akustik klasik. keseimbangan, dirumuskan dalam kaitannya dengan simfoni besar. orkestra oleh NA Rimsky-Korsakov, berangkat dari fakta bahwa satu terompet (atau trombon, atau tuba) memainkan keahliannya dengan cara yang paling ekspresif. mendaftar, dalam hal kekuatan suara itu sama dengan dua tanduk, yang masing-masing, pada gilirannya, sama dengan dua roh kayu. instrumen atau serempak dari setiap subkelompok string.

PI Tchaikovsky. Simfoni 6, gerakan I. Seruling dan klarinet mengulangi kalimat yang sebelumnya dimainkan oleh divisi viola dan cello.

Pada saat yang sama, koreksi tertentu dibuat untuk perbedaan intensitas register dan untuk dinamika. nuansa yang dapat mengubah rasio dalam orc. kain. Teknik penting dari I klasik adalah pedal harmonik atau melodik (counterpunctuated), yang merupakan ciri khas musik homophonic.

Utama sesuai dengan keseimbangan akustik, I. tidak bisa universal. Dia memenuhi persyaratan proporsi yang ketat, ketenangan berpikir, tetapi kurang cocok untuk menyampaikan ekspresi yang kuat. Dalam kasus ini, metode I., osn. pada penggandaan yang kuat (tiga kali lipat, empat kali lipat) dari beberapa suara dibandingkan dengan yang lain, pada perubahan nada dan dinamika yang konstan.

Teknik-teknik semacam itu merupakan ciri khas karya sejumlah komponis akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20. (misalnya, AN Scriabin).

Seiring dengan penggunaan timbre "murni" (solo), komposer mulai mencapai efek khusus, dengan berani mencampur warna yang berbeda, menggandakan suara melalui 2, 3 atau lebih oktaf, menggunakan campuran yang kompleks.

PI Tchaikovsky. Simfoni No. 6, gerakan I. Seruan alat musik tiup setiap kali dijawab dengan serempak alat musik petik dan kayu.

Timbre murni itu sendiri, ternyata, penuh dengan tambahan. dramaturgi. peluang, mis. perbandingan register tinggi dan rendah pada instrumen kayu, penggunaan decomp bisu. tugas untuk kuningan, penggunaan posisi bass tinggi untuk senar, dll. Instrumen yang sebelumnya hanya digunakan untuk menabuh ritme atau mengisi dan mewarnai harmoni semakin banyak digunakan sebagai pembawa tematisisme.

Dalam mencari ekspansi akan mengungkapkan. dan menggambarkan. Peluang membentuk orkestra abad ke-20. – Orkestra G. Mahler dan R. Strauss, C. Debussy dan M. Ravel, IF Stravinsky dan V. Britten, SS Prokofiev dan DD Shostakovich. Dengan semua variasi arah dan kepribadian kreatif ini dan sejumlah master penulisan orkestra yang luar biasa lainnya, Desember. negara-negara di dunia mereka terkait oleh keahlian teknik beragam I., osn. pada imajinasi pendengaran yang dikembangkan, rasa sebenarnya dari sifat instrumen dan pengetahuan teknis yang sangat baik. peluang.

Cara. tempat di musik abad ke-20 ditugaskan untuk leittimbres, ketika setiap instrumen menjadi, seolah-olah, karakter instrumen yang dimainkan. pertunjukan. Dengan demikian, sistem leitmotif yang ditemukan oleh Wagner mengambil bentuk-bentuk baru. Oleh karena itu pencarian intensif untuk timbre baru. Pemain dawai semakin memainkan sul ponticello, col legno, dengan harmonik; alat musik tiup menggunakan teknik frullato; memainkan harpa diperkaya dengan kombinasi harmonik yang kompleks, memukul senar dengan telapak tangan Anda. Desain instrumen baru muncul yang memungkinkan tercapainya efek yang tidak biasa (misalnya, glissando pada pedal timpani). Instrumen yang benar-benar baru ditemukan (terutama perkusi), termasuk. dan elektronik. Akhirnya, di Sim. Orkestra semakin memperkenalkan instrumen dari komposisi lain (saksofon, instrumen nasional yang dipetik).

Persyaratan baru untuk penggunaan alat yang sudah dikenal disajikan oleh perwakilan gerakan avant-garde di zaman modern. musik. Skor mereka didominasi oleh ketukan. instrumen dengan nada tertentu (gambang, lonceng, vibrafon, kendang dengan nada berbeda, timpani, lonceng berbentuk tabung), serta celesta, fp. dan berbagai alat listrik. Bahkan instrumen membungkuk berarti. paling sedikit digunakan oleh komposer ini untuk dipetik dan perkusi. produksi suara, hingga penyadapan dengan busur di geladak instrumen. Efek seperti patah paku pada papan suara resonator harpa atau ketukan katup pada kayu juga menjadi umum. Semakin, register instrumen yang paling ekstrim dan paling intens digunakan. Selain itu, kreativitas seniman avant-garde ditandai dengan keinginan untuk menafsirkan orkestra utama. sebagai pertemuan solois; komposisi orkestra sendiri cenderung berkurang, terutama karena berkurangnya jumlah instrumen kelompok.

NA Rimsky-Korsakov. “Scheherazade”. Bagian II. Senar, memainkan non-pembagian, menggunakan nada ganda dan akord tiga dan empat bagian, menguraikan melodi-harmonik dengan penuh kepenuhan. tekstur, yang hanya sedikit didukung oleh alat musik tiup.

Meskipun pada abad ke-20 banyak karya telah ditulis. untuk komposisi khusus (varian) symph. orkestra, tidak satu pun dari mereka menjadi khas, seperti sebelum orkestra busur gesek, di mana banyak karya diciptakan yang mendapatkan popularitas luas (misalnya, "Serenade for String Orchestra" oleh PI Tchaikovsky).

pengembangan Orc. musik dengan jelas menunjukkan saling ketergantungan antara kreativitas dan basis materialnya. melihat. kemajuan dalam desain mekanika kompleks dari roh kayu. alat atau di bidang manufaktur alat tembaga terkalibrasi paling akurat, serta banyak lainnya. perbaikan-perbaikan lain dalam alat musik pada akhirnya merupakan hasil dari tuntutan mendesak seni ideologis. memesan. Pada gilirannya, peningkatan basis material seni membuka cakrawala baru bagi para komposer dan pemain, membangkitkan kreativitas mereka. fantasi dan dengan demikian menciptakan prasyarat untuk pengembangan seni musik lebih lanjut.

Jika seorang komposer bekerja pada sebuah karya orkestra, itu (atau harus) ditulis langsung untuk orkestra, jika tidak dalam semua detail, maka dalam fitur utamanya. Dalam hal ini, awalnya direkam pada beberapa baris dalam bentuk sketsa – prototipe skor masa depan. Semakin sedikit detail tekstur orkestra yang terdapat dalam sketsa, semakin dekat dengan FP dua baris yang biasa. presentasi, semakin banyak pekerjaan pada I. yang sebenarnya harus dilakukan dalam proses penulisan skor.

M.Ravel. “Bolero”. Pertumbuhan yang luar biasa dicapai melalui instrumentasi saja. Dari seruling tunggal dengan latar belakang sosok pengiring yang nyaris tak terdengar, melalui serempak tiupan kayu, lalu melalui campuran senar yang digandakan oleh angin…

Intinya, instrumentasi fp. drama – karya sendiri atau penulis lain – membutuhkan kreativitas. mendekati. Karya dalam hal ini selalu hanya prototipe karya orkestra masa depan, karena instrumentalis terus-menerus harus mengubah tekstur, dan seringkali ia juga dipaksa untuk mengubah register, menggandakan suara, menambahkan pedal, menyusun ulang figurasi, mengisi akustik . void, ubah akord ketat menjadi lebar, dll. Jaringan. transfer fp. presentasi ke orkestra (kadang-kadang ditemui dalam latihan musik) biasanya mengarah ke artistik yang tidak memuaskan. hasil - I. seperti itu ternyata buruk dalam suara dan membuat kesan yang tidak baik.

Seni yang paling penting. tugas instrumentator adalah menerapkan dekomp. sesuai dengan karakteristik dan ketegangan warna nada, yang akan paling kuat mengungkapkan dramaturgi ork. musik; teknis utama Pada saat yang sama, tugasnya adalah untuk mencapai mendengarkan suara yang baik dan rasio yang benar antara pesawat pertama dan kedua (ketiga), yang memastikan kelegaan dan kedalaman orc. suara.

Dengan I., misalnya, fp. drama mungkin muncul dan sejumlah akan melengkapi. tugas, dimulai dengan pilihan kunci, yang tidak selalu cocok dengan kunci aslinya, terutama jika ada kebutuhan untuk menggunakan suara senar terbuka yang cerah atau suara instrumen kuningan tanpa katup yang cemerlang. Juga sangat penting untuk menyelesaikan masalah semua kasus transfer renungan dengan benar. frase ke dalam register lain dibandingkan dengan aslinya, dan, akhirnya, berdasarkan rencana pengembangan umum, tandai dalam berapa banyak "lapisan" satu atau bagian lain dari produksi yang diinstrumentasi harus dinyatakan.

Mungkin beberapa. I. solusi dari hampir semua produk. (tentu saja, jika tidak dipahami secara khusus sebagai orkestra dan tidak ditulis dalam bentuk sketsa skor). Masing-masing keputusan ini dapat dibenarkan secara artistik dengan caranya sendiri. Namun, ini sampai batas tertentu sudah menjadi orc yang berbeda. produk yang berbeda satu sama lain dalam warna, tegangan, dan tingkat kontras antar bagian. Hal ini menegaskan bahwa I. adalah proses kreatif yang tidak dapat dipisahkan dari esensi karya.

Klaim I. modern membutuhkan instruksi ungkapan yang tepat. Ungkapan yang bermakna tidak hanya tentang mengikuti tempo yang ditentukan dan mengikuti sebutan umum dinamis. dan agogis. urutan, tetapi juga penggunaan metode tertentu karakteristik kinerja masing-masing instrumen. Jadi, saat tampil di senar. instrumen, Anda dapat memindahkan busur ke atas dan ke bawah, di ujung atau di stok, dengan lancar atau tiba-tiba, menekan senar dengan kuat atau membiarkan busur memantul, memainkan satu nada untuk setiap busur atau beberapa nada, dll.

Pelaku semangat. alat dapat menggunakan diff. metode meniup semburan udara – dari perjuangan. "bahasa" ganda dan tiga kali lipat menjadi legato merdu yang luas, menggunakannya untuk kepentingan ungkapan ekspresif. Hal yang sama berlaku untuk instrumen modern lainnya. orkestra. Para instrumentalis harus mengetahui semua seluk-beluk ini secara menyeluruh agar dapat membawa niatnya ke perhatian para pemain dengan kelengkapan terbesar. Oleh karena itu, skor modern (berlawanan dengan skor waktu itu, ketika stok teknik pertunjukan yang diterima secara umum sangat terbatas dan banyak yang tampaknya diterima begitu saja) biasanya secara harfiah dihiasi dengan banyak indikasi yang paling tepat, yang tanpanya musik menjadi tanpa ciri dan kehilangan nafasnya yang hidup dan bergetar.

Contoh terkenal penggunaan timbre dalam dramaturgi. dan menggambarkan. tujuannya adalah: bermain seruling di pendahuluan “Sore of a Faun” oleh Debussy; permainan oboe dan kemudian bassoon di akhir adegan ke-2 opera Eugene Onegin (The Shepherd Plays); frasa terompet yang jatuh di seluruh barisan dan teriakan klarinet kecil dalam puisi R. Strauss “Til Ulenspiegel”; suara suram klarinet bass di adegan ke-5 opera The Queen of Spades (Di Kamar Countess); double bass solo sebelum adegan kematian Desdemona (Otello oleh G. Verdi); semangat frulato. instrumen yang menggambarkan kembikan domba jantan dalam simfoni. puisi "Don Quixote" oleh R. Strauss; senar sul ponticello. instrumen yang menggambarkan awal pertempuran di Danau Peipsi (Alexander Nevsky cantata oleh Prokofiev).

Yang juga patut diperhatikan adalah viola solo dalam simfoni Berlioz “Harold in Italy” dan cello solo dalam “Don Quixote” Strauss, cadenza biola dalam simfoni. Suite Rimsky-Korsakov "Scheherazade". Ini dipersonifikasikan. Para leittimbres, untuk semua perbedaan mereka, melakukan dramaturgi program yang penting. fungsi.

Prinsip-prinsip I., dikembangkan saat membuat drama untuk simfoni. orkestra, terutama berlaku untuk banyak orc lainnya. komposisi, yang pada akhirnya dibuat dalam gambar dan rupa simfoni. dan selalu menyertakan dua atau tiga kelompok instrumen homogen. Bukan kebetulan bahwa roh. orkestra, serta Desember. nar. nat. orkestra sering melakukan transkripsi karya yang ditulis untuk simfoni. orkestra. Pengaturan semacam itu adalah salah satu jenis pengaturan. Prinsip I. untuk. - l. bekerja tanpa makhluk. perubahan ditransfer kepada mereka dari satu komposisi orkestra ke yang lain. Desember tersebar luas perpustakaan orkestra, yang memungkinkan ansambel kecil melakukan karya yang ditulis untuk orkestra besar.

Tempat khusus ditempati oleh I. penulis, pertama-tama, fi. esai. Beberapa produk ada dalam dua versi yang sama – dalam bentuk orc. skor dan dalam fp. presentasi (beberapa rapsodies oleh F. Liszt, suite dari musik hingga "Peer Gynt" oleh E. Grieg, drama terpisah oleh AK Lyadov, I. Brahms, C. Debussy, suite dari "Petrushka" oleh IF Stravinsky, suite balet "Romeo dan Juliet” oleh SS Prokofiev, dll.). Di antara skor yang dibuat berdasarkan FP terkenal. karya-karya master hebat I., Gambar Mussorgsky-Ravel di Pameran menonjol, ditampilkan sesering fp mereka. prototipe. Di antara karya-karya paling signifikan di bidang I. adalah edisi opera Boris Godunov dan Khovanshchina oleh Mussorgsky dan The Stone Guest oleh Dargomyzhsky, dilakukan oleh NA Rimsky-Korsakov, dan I baru dari opera Boris Godunov dan Khovanshchina oleh Mussorgsky, dilakukan oleh DD Shostakovich.

Ada banyak literatur tentang I. untuk orkestra simfoni, yang merangkum pengalaman musik simfoni yang kaya. Ke yayasan. Karya-karyanya termasuk "Risalah Hebat tentang Instrumentasi dan Orkestrasi Modern" Berlioz dan "Dasar-dasar Orkestrasi dengan Sampel Skor dari Komposisinya Sendiri" oleh Rimsky-Korsakov. Penulis karya-karya ini adalah komposer praktis yang luar biasa, yang berhasil secara mendalam menanggapi kebutuhan mendesak para musisi dan membuat buku-buku yang tidak kehilangan kepentingan terpentingnya. Banyak edisi membuktikan hal ini. Risalah oleh Berlioz, ditulis pada tahun 40-an. Abad ke-19, direvisi dan dilengkapi oleh R. Strauss sesuai dengan Orc. latihan awal. abad ke-20

Dalam musik uh. lembaga menjalani kursus khusus I., biasanya terdiri dari dua utama. bagian: instrumentasi dan sebenarnya I. Yang pertama (pengantar) memperkenalkan instrumen, strukturnya, propertinya, sejarah perkembangannya masing-masing. Kursus I. dikhususkan untuk aturan untuk menggabungkan instrumen, mentransfer melalui I. naik turunnya ketegangan, menulis tutti pribadi (kelompok) dan orkestra. Ketika memeriksa metode seni, seseorang pada akhirnya berangkat dari ide seni. seluruh produk yang dibuat (diatur).

Teknik I. diperoleh dalam proses praktikum. kelas, di mana siswa, di bawah bimbingan seorang guru, menyalin untuk orkestra perdana. hal. bekerja, berkenalan dengan sejarah orkestra. gaya dan analisis contoh skor terbaik; konduktor, komposer dan ahli musik, di samping itu, berlatih membaca skor, umumnya mereproduksinya di piano. Tetapi praktik terbaik untuk instrumentalis pemula adalah mendengarkan karya mereka dalam orkestra dan menerima saran dari musisi berpengalaman selama latihan.

Referensi: Rimsky-Korsakov N., Dasar-dasar Orkestrasi dengan Sampel Skor dari Komposisinya Sendiri, ed. M. Steinberg, (bagian) 1-2, Berlin – M. – St. Petersburg, 1913, sama, Penuh. kol. soch., Karya sastra dan korespondensi, vol. III, M., 1959; Beprik A., Interpretasi instrumen orkestra, M., 1948, 4961; sendiri. Esai tentang pertanyaan gaya orkestra, M., 1961; Chulaki M., Instrumen Orkestra Simfoni, L., 1950, direvisi. M., 1962, 1972; Vasilenko S., Instrumentasi untuk orkestra simfoni, vol. 1, M., 1952, jilid. 2, M., 1959 (diedit dan dengan tambahan oleh Yu. A. Fortunatov); Rogal-Levitsky DR, Orkestra modern, vol. 1-4, M., 1953-56; Berlioz H., Grand trait d'instrumentation et d'orchestration modernes, P., 1844, M855; nya, Instrumentationslehre, TI 1-2, Lpz., 1905, 1955; Gevaert FA, Traite general d'instrumentation, Gand-Liège, 1863, rus. per. PI Tchaikovsky, M., 1866, M. – Leipzig, 1901, juga Lengkap. kol. op. Tchaikovsky, vol. IIIB, direvisi. dan edisi tambahan dengan judul: Nouveau traite d'instrumentation, P.-Brux., 1885; Terjemahan Rusia, M., 1892, M.-Leipzig, 1913; Bagian kedua berjudul: Cours méthodique d'orchestration, P. – Brux., 2, Rus. trans., M., 1890, 1898; Rrout, E., Instrumentasi, L., 1904; Gulraud E., Traite pratique d'instrumentation, P., 1878, rus. per. G. Konyus dengan judul: Guide to the practice study of instrumentation, M., 1892 (sebelum penerbitan edisi asli bahasa Prancis), ed. dan dengan tambahan oleh D. Rogal-Levitsky, M., 1892; Widor Ch.-M., La teknik de l'orchestre moderne, P., 1934, 1904, Rus. per. dengan menambahkan. D. Rogal-Levitsky, Moskow, 1906; Carse A., Petunjuk praktis tentang orkestrasi, L., 1938; miliknya sendiri, Sejarah orkestrasi, L., 1919, rus. trans., M., 1925; nya, Orkestra di abad ke-1932, Camb., 18; nya, Orkestra dari Beethoven ke Berlioz, Camb., 1940; Wellen, E., Die neue Instrumentasi, Bd 1948-1, B., 2-1928; Nedwed W., Die Entwicklung der Instrumentation von der Wiener Klassik bis zu den Anfängen R. Wagners, W., 29 (Diss.); Merill, BW, Pengantar praktis untuk orkestrasi dan instrumentasi, Ann Arbor (Michigan), 1931; Marescotti A.-F., Les instrumen d'orchestre, leurs caractères, leurs possibilités et leur pemanfaatan dans l'orchestre moderne, P., 1937; Kennan, KW, Teknik orkestrasi, NY, 1950: Piston W., Instrumentasi, NY, 1952; Coechlin Ch., Traité de l'orchestration, v. 1952-1, P., 3-1954; Kunitz H., Die Instrumentasi. Ein Hand- und Lehrbuch, Tl. 56-1, Lpz., 13-1956; Erph H., Lehrbuch der Instrumentasi und Instrumentenkunde, Mainz, 61; McKay GF, Orkestrasi kreatif, Boston, 1959; Becker H., Geschichte der Instrumentation, Köln, 1963 (Seri “Das Musikwerk”, H. 1964); Goleminov M., Masalah pada orkestrasi, S., 24; Zlatanova R., Pengembangan orkestra dan orkestrasi, S, 1966; Pawlowsky W., Instrumentacja, Warsz., 1966.

MI Chulaki