Giuseppe Verdi (Giuseppe Verdi) |

Giuseppe Verdi

Seperti bakat hebat lainnya. Verdi mencerminkan kebangsaan dan zamannya. Dia adalah bunga tanahnya. Dia adalah suara Italia modern, bukan Italia yang malas tertidur atau riang gembira dalam komik dan opera pseudo-serius Rossini dan Donizetti, bukan Italia Bellini yang lembut dan elegi, menangis Italia, tetapi Italia terbangun dalam kesadaran, Italia gelisah oleh politik badai, Italia , berani dan bersemangat sampai marah. A.Serov

Tidak ada yang bisa merasakan hidup lebih baik dari Verdi. A.Boito

Verdi adalah budaya musik klasik Italia, salah satu komposer terpenting abad ke-26. Musiknya dicirikan oleh percikan kesedihan sipil yang tinggi yang tidak pudar seiring berjalannya waktu, akurasi yang tidak diragukan lagi dalam perwujudan proses paling kompleks yang terjadi di kedalaman jiwa manusia, kemuliaan, keindahan, dan melodi yang tiada habisnya. Komposer Peru memiliki XNUMX opera, karya spiritual dan instrumental, roman. Bagian terpenting dari warisan kreatif Verdi adalah opera, banyak di antaranya (Rigoletto, La Traviata, Aida, Othello) telah terdengar dari panggung gedung opera di seluruh dunia selama lebih dari seratus tahun. Karya-karya dari genre lain, kecuali Requiem yang diilhami, secara praktis tidak diketahui, sebagian besar manuskripnya telah hilang.

Verdi, tidak seperti banyak musisi abad ke-XNUMX, tidak memproklamasikan prinsip-prinsip kreatifnya dalam program pidato di pers, tidak mengaitkan karyanya dengan persetujuan estetika dari arah artistik tertentu. Namun demikian, jalur kreatifnya yang panjang, sulit, tidak selalu terburu nafsu dan dimahkotai dengan kemenangan diarahkan pada tujuan yang sangat menderita dan disadari - pencapaian realisme musik dalam pertunjukan opera. Kehidupan dalam segala ragam konfliknya adalah tema menyeluruh dari karya sang komposer. Kisaran perwujudannya sangat luas - dari konflik sosial hingga konfrontasi perasaan dalam jiwa satu orang. Pada saat yang sama, seni Verdi membawa rasa keindahan dan harmoni yang istimewa. “Saya suka segala sesuatu dalam seni yang indah,” kata sang komposer. Musiknya sendiri juga menjadi contoh seni yang indah, tulus, dan menginspirasi.

Jelas menyadari tugas-tugas kreatifnya, Verdi tak kenal lelah mencari bentuk perwujudan idenya yang paling sempurna, sangat menuntut dirinya sendiri, pustakawan dan artis. Dia sendiri sering memilih dasar sastra untuk libretto, mendiskusikan secara rinci dengan pustakawan seluruh proses pembuatannya. Kolaborasi yang paling berhasil menghubungkan komposer dengan pustakawan seperti T. Solera, F. Piave, A. Ghislanzoni, A. Boito. Verdi menuntut kebenaran dramatis dari para penyanyi, dia tidak toleran terhadap manifestasi kepalsuan apa pun di atas panggung, keahlian yang tidak masuk akal, tidak diwarnai oleh perasaan yang dalam, tidak dibenarkan oleh aksi dramatis. “… Bakat, jiwa, dan bakat panggung yang luar biasa” – ini adalah kualitas yang paling dia hargai dari para pemain. Penampilan opera yang "bermakna, terhormat" menurutnya perlu; “…ketika opera tidak dapat dibawakan dengan utuh – seperti yang dimaksudkan oleh sang komposer – lebih baik tidak menampilkannya sama sekali.”

Verdi berumur panjang. Ia dilahirkan dalam keluarga seorang pemilik penginapan petani. Gurunya adalah organ gereja desa P. Baistrocchi, kemudian F. Provezi, yang menjalani kehidupan musik di Busseto, dan konduktor teater Milan La Scala V. Lavigna. Sudah menjadi komposer yang matang, Verdi menulis: “Saya mempelajari beberapa karya terbaik di zaman kita, bukan dengan mempelajarinya, tetapi dengan mendengarkannya di teater … Saya akan berbohong jika saya mengatakan bahwa di masa muda saya tidak melalui studi yang lama dan teliti … tangan saya cukup kuat untuk memegang nada seperti yang saya inginkan, dan cukup percaya diri untuk mendapatkan efek yang sering saya inginkan; dan jika saya menulis sesuatu yang tidak sesuai dengan aturan, itu karena aturan yang tepat tidak memberi saya apa yang saya inginkan, dan karena saya tidak menganggap semua aturan yang diadopsi hingga hari ini baik tanpa syarat.

Keberhasilan pertama komposer muda dikaitkan dengan produksi opera Oberto di teater La Scala di Milan pada tahun 1839. Tiga tahun kemudian, opera Nebukadnezar (Nabucco) dipentaskan di teater yang sama, yang membuat pengarangnya terkenal luas ( 3). Opera pertama komposer muncul selama era kebangkitan revolusioner di Italia, yang disebut era Risorgimento (Italia – kebangkitan). Perjuangan untuk penyatuan dan kemerdekaan Italia melanda seluruh rakyat. Verdi tidak bisa berdiri di samping. Dia sangat merasakan kemenangan dan kekalahan gerakan revolusioner, meskipun dia tidak menganggap dirinya seorang politisi. Opera heroik-patriotik tahun 1841-an. – “Nabucco” (40), “Lombards in the First Crusade” (1841), “Battle of Legnano” (1842) – adalah semacam tanggapan terhadap peristiwa-peristiwa revolusioner. Plot alkitabiah dan sejarah dari opera-opera ini, jauh dari modern, menyanyikan kepahlawanan, kebebasan dan kemerdekaan, dan karenanya mendekati ribuan orang Italia. "Maestro Revolusi Italia" - begitulah orang-orang sezaman menyebut Verdi, yang karyanya menjadi sangat populer.

Namun, minat kreatif komposer muda tidak terbatas pada tema perjuangan heroik. Untuk mencari plot baru, komposer beralih ke sastra klasik dunia: V. Hugo (Ernani, 1844), W. Shakespeare (Macbeth, 1847), F. Schiller (Louise Miller, 1849). Perluasan tema kreativitas dibarengi dengan pencarian sarana musik baru, tumbuhnya skill komposer. Periode kematangan kreatif ditandai dengan tiga serangkai opera yang luar biasa: Rigoletto (1851), Il trovatore (1853), La Traviata (1853). Dalam karya Verdi, untuk pertama kalinya protes terhadap ketidakadilan sosial terdengar begitu terbuka. Para pahlawan opera ini, yang diberkahi dengan perasaan yang bersemangat dan mulia, berkonflik dengan norma moralitas yang diterima secara umum. Beralih ke plot seperti itu adalah langkah yang sangat berani (Verdi menulis tentang La Traviata: “Plotnya modern. Yang lain tidak akan mengambil plot ini, mungkin karena kesopanan, karena zaman, dan karena ribuan prasangka bodoh lainnya. … Saya melakukannya dengan senang hati).

Pada pertengahan 50-an. Nama Verdi dikenal luas di seluruh dunia. Komposer membuat kontrak tidak hanya dengan teater Italia. Pada tahun 1854 ia menciptakan opera "Sicilian Vesper" untuk Parisian Grand Opera, beberapa tahun kemudian opera "Simon Boccanegra" (1857) dan Un ballo in maschera (1859, untuk teater Italia San Carlo dan Appolo) ditulis. Pada tahun 1861, atas perintah direktorat Teater Mariinsky St. Petersburg, Verdi menciptakan opera The Force of Destiny. Sehubungan dengan produksinya, komposer melakukan perjalanan ke Rusia dua kali. Opera tersebut tidak sukses besar, meskipun musik Verdi populer di Rusia.

Di antara opera tahun 60-an. Yang paling populer adalah opera Don Carlos (1867) berdasarkan drama berjudul sama karya Schiller. Musik "Don Carlos", jenuh dengan psikologi yang mendalam, mengantisipasi puncak kreativitas opera Verdi - "Aida" dan "Othello". Aida ditulis pada tahun 1870 untuk pembukaan teater baru di Kairo. Pencapaian semua opera sebelumnya menyatu secara organik di dalamnya: kesempurnaan musik, pewarnaan cerah, dan ketajaman dramaturgi.

Mengikuti "Aida" diciptakan "Requiem" (1874), setelah itu terjadi keheningan yang lama (lebih dari 10 tahun) yang disebabkan oleh krisis dalam kehidupan publik dan musik. Di Italia, ada kecintaan yang luas terhadap musik R. Wagner, sementara budaya nasional terlupakan. Situasi saat ini bukan hanya perebutan selera, perbedaan posisi estetika, yang tanpanya praktik artistik tidak terpikirkan, dan perkembangan semua seni. Itu adalah masa jatuhnya prioritas tradisi seni nasional, yang sangat dialami oleh para patriot seni Italia. Verdi beralasan sebagai berikut: “Seni milik semua orang. Tidak ada yang percaya ini lebih kuat daripada saya. Tapi itu berkembang secara individual. Dan jika orang Jerman memiliki praktik artistik yang berbeda dari kita, seni mereka pada dasarnya berbeda dari kita. Kami tidak bisa mengarang seperti orang Jerman…”

Memikirkan nasib masa depan musik Italia, merasakan tanggung jawab besar untuk setiap langkah selanjutnya, Verdi mulai menerapkan konsep opera Othello (1886), yang menjadi mahakarya sejati. "Othello" adalah interpretasi yang tak tertandingi dari cerita Shakespeare dalam genre opera, contoh sempurna dari drama musikal dan psikologis, yang diciptakan oleh komposer sepanjang hidupnya.

Karya terakhir Verdi – opera komik Falstaff (1892) – mengejutkan dengan keceriaan dan keahliannya yang sempurna; sepertinya membuka lembaran baru dalam karya sang pencipta, yang sayangnya belum dilanjutkan. Seluruh hidup Verdi diterangi oleh keyakinan mendalam akan kebenaran jalan yang dipilih: “Sejauh menyangkut seni, saya memiliki pikiran saya sendiri, keyakinan saya sendiri, sangat jelas, sangat tepat, yang darinya saya tidak dapat, dan tidak boleh, menolak." L. Escudier, salah satu komposer sezaman, dengan sangat tepat menggambarkannya: “Verdi hanya memiliki tiga gairah. Tetapi mereka mencapai kekuatan terbesar: kecintaan pada seni, perasaan nasional, dan persahabatan. Ketertarikan pada karya Verdi yang penuh gairah dan jujur ​​tidak melemah. Untuk generasi baru pecinta musik, ini selalu menjadi standar klasik yang memadukan kejernihan pikiran, inspirasi perasaan, dan kesempurnaan musik.

A.Zolotykh

• Jalur kreatif Giuseppe Verdi →
• Budaya musik Italia pada paruh kedua abad ke-XNUMX →

Opera berada di pusat minat artistik Verdi. Pada tahap awal karyanya, di Busseto, ia menulis banyak karya instrumental (manuskripnya telah hilang), tetapi ia tidak pernah kembali ke genre ini. Pengecualian adalah kuartet gesek tahun 1873, yang tidak dimaksudkan oleh komposer untuk pertunjukan publik. Di masa mudanya yang sama, berdasarkan aktivitasnya sebagai organis, Verdi menggubah musik sakral. Menjelang akhir karirnya - setelah Requiem - ia menciptakan beberapa karya semacam ini lagi (Stabat mater, Te Deum, dan lain-lain). Beberapa roman juga termasuk dalam periode kreatif awal. Dia mencurahkan seluruh energinya untuk opera selama lebih dari setengah abad, dari Oberto (1839) hingga Falstaff (1893).

Verdi menulis dua puluh enam opera, enam di antaranya dia berikan dalam versi baru yang dimodifikasi secara signifikan. (Selama beberapa dekade, karya-karya ini ditempatkan sebagai berikut: akhir 30-an - 40-an - 14 opera (+1 di edisi baru), 50-an - 7 opera (+1 di edisi baru), 60-an - 2 opera (+2 di edisi baru) edisi), 70an – 1 opera, 80an – 1 opera (+2 di edisi baru), 90an – 1 opera.) Sepanjang hidupnya yang panjang, ia tetap setia pada cita-cita estetikanya. “Saya mungkin tidak cukup kuat untuk mencapai apa yang saya inginkan, tetapi saya tahu apa yang saya perjuangkan,” tulis Verdi pada tahun 1868. Kata-kata tersebut dapat menggambarkan semua aktivitas kreatifnya. Namun selama bertahun-tahun, cita-cita artistik sang komposer menjadi lebih berbeda, dan keahliannya menjadi lebih sempurna, terasah.

Verdi berusaha mewujudkan drama "kuat, sederhana, signifikan". Pada tahun 1853, menulis La Traviata, dia menulis: "Saya memimpikan plot baru yang besar, indah, bervariasi, berani, dan sangat berani." Dalam surat lain (di tahun yang sama) kita membaca: “Beri saya plot orisinal yang indah, menarik, dengan situasi luar biasa, hasrat - di atas segalanya hasrat! ..”

Situasi dramatis yang jujur ​​\u50b\uXNUMXbdan timbul, karakter yang terdefinisi dengan tajam - yang, menurut Verdi, adalah hal utama dalam plot opera. Dan jika dalam karya-karya awal, periode romantis, perkembangan situasi tidak selalu berkontribusi pada pengungkapan karakter yang konsisten, maka pada tahun XNUMX-an komposer dengan jelas menyadari bahwa pendalaman hubungan ini berfungsi sebagai dasar untuk menciptakan kebenaran yang vital. drama musikal. Itulah sebabnya, dengan tegas mengambil jalan realisme, Verdi mengutuk opera Italia modern karena plot yang monoton dan monoton, bentuk-bentuk rutin. Karena tidak cukup luasnya menunjukkan kontradiksi kehidupan, dia juga mengutuk karya-karyanya yang ditulis sebelumnya: “Mereka memiliki adegan yang sangat menarik, tetapi tidak ada keragaman. Mereka hanya memengaruhi satu sisi – luhur, jika Anda suka – tetapi selalu sama.

Dalam pemahaman Verdi, opera tidak terpikirkan tanpa penajaman kontradiksi konflik. Situasi dramatis, kata sang komposer, harus mengungkap nafsu manusia dalam bentuk individualnya yang khas. Oleh karena itu, Verdi sangat menentang rutinitas apa pun di libretto. Pada tahun 1851, mulai mengerjakan Il trovatore, Verdi menulis: “Cammarano yang lebih bebas (pustakawan opera.— MD) akan menafsirkan formulir, semakin baik bagi saya, semakin puas saya. Setahun sebelumnya, setelah menyusun sebuah opera berdasarkan plot Shakespeare's King Lear, Verdi menunjukkan: “Lear tidak boleh dibuat menjadi drama dalam bentuk yang diterima secara umum. Penting untuk menemukan bentuk baru, yang lebih besar, bebas dari prasangka.”

Plot untuk Verdi adalah sarana untuk mengungkapkan ide sebuah karya secara efektif. Kehidupan komposer dipenuhi dengan pencarian plot semacam itu. Dimulai dengan Ernani, ia terus mencari sumber sastra untuk ide-ide operanya. Seorang penikmat sastra Italia (dan Latin) yang sangat baik, Verdi fasih dalam dramaturgi Jerman, Prancis, dan Inggris. Penulis favoritnya adalah Dante, Shakespeare, Byron, Schiller, Hugo. (Tentang Shakespeare, Verdi menulis pada tahun 1865: "Dia adalah penulis favorit saya, yang saya kenal sejak masa kanak-kanak dan terus-menerus membaca ulang." Dia menulis tiga opera di plot Shakespeare, memimpikan Hamlet dan The Tempest, dan kembali mengerjakan empat kali King Lear ”(pada tahun 1847, 1849, 1856 dan 1869); dua opera berdasarkan plot Byron (rencana Kain yang belum selesai), Schiller – empat, Hugo – dua (rencana Ruy Blas”).)

Inisiatif kreatif Verdi tidak terbatas pada pilihan plot. Dia secara aktif mengawasi pekerjaan pustakawan. “Saya tidak pernah menulis opera untuk libretto siap pakai yang dibuat oleh seseorang di samping,” kata sang komposer, “Saya hanya tidak dapat memahami bagaimana seorang penulis skenario dapat dilahirkan yang dapat menebak dengan tepat apa yang dapat saya wujudkan dalam sebuah opera.” Korespondensi ekstensif Verdi diisi dengan instruksi dan nasihat kreatif kepada kolaborator sastranya. Instruksi ini terutama berkaitan dengan rencana skenario opera. Komposer menuntut konsentrasi maksimum pengembangan plot dari sumber sastra, dan untuk ini - pengurangan garis samping intrik, kompresi teks drama.

Verdi meresepkan kepada karyawannya giliran verbal yang dia butuhkan, ritme syair, dan jumlah kata yang dibutuhkan untuk musik. Dia memberikan perhatian khusus pada frasa "kunci" dalam teks libretto, yang dirancang untuk mengungkapkan dengan jelas konten dari situasi atau karakter dramatis tertentu. “Tidak peduli apakah kata ini atau itu, diperlukan ungkapan yang akan menggairahkan, indah,” tulisnya pada tahun 1870 kepada pustakawan Aida. Memperbaiki libretto "Othello", dia menghilangkan yang tidak perlu, menurut pendapatnya, frase dan kata-kata, menuntut keragaman ritme dalam teks, mematahkan "kehalusan" syair, yang membelenggu perkembangan musik, mencapai ekspresi dan keringkasan tertinggi.

Ide-ide berani Verdi tidak selalu mendapat ungkapan yang layak dari para kolaborator sastra. Karena itu, sangat menghargai libretto "Rigoletto", komposer mencatat ayat-ayat lemah di dalamnya. Banyak yang tidak memuaskannya dalam drama Il trovatore, Vesper Sisilia, Don Carlos. Karena tidak mencapai skenario yang sepenuhnya meyakinkan dan perwujudan sastra dari ide inovatifnya dalam libretto King Lear, dia terpaksa meninggalkan penyelesaian opera.

Bekerja keras bersama para pustakawan, Verdi akhirnya mematangkan ide komposisinya. Dia biasanya memulai musik hanya setelah mengembangkan teks sastra lengkap dari keseluruhan opera.

Verdi mengatakan bahwa hal yang paling sulit baginya adalah "menulis dengan cukup cepat untuk mengekspresikan ide musik dalam integritas yang lahir di benaknya". Dia mengenang: "Ketika saya masih muda, saya sering bekerja tanpa henti dari jam empat pagi sampai jam tujuh malam." Bahkan di usia lanjut, saat membuat skor Falstaff, dia segera menginstrumentasi bagian besar yang telah selesai, karena dia "takut melupakan beberapa kombinasi orkestra dan kombinasi timbre".

Saat membuat musik, Verdi memikirkan kemungkinan perwujudan panggungnya. Terhubung hingga pertengahan 50-an dengan berbagai teater, ia sering memecahkan masalah drama musikal tertentu, tergantung pada kekuatan pertunjukan yang dimiliki kelompok tertentu. Apalagi, Verdi tidak hanya tertarik pada kualitas vokal para penyanyi. Pada tahun 1857, sebelum pemutaran perdana "Simon Boccanegra", dia menunjukkan: "Peran Paolo sangat penting, sangat penting untuk menemukan bariton yang akan menjadi aktor yang baik." Kembali pada tahun 1848, sehubungan dengan rencana produksi Macbeth di Naples, Verdi menolak penyanyi yang ditawarkan Tadolini kepadanya, karena kemampuan vokal dan panggungnya tidak sesuai dengan peran yang dimaksudkan: “Tadolini memiliki suara yang luar biasa, jernih, transparan, dan kuat, dan saya ingin suara untuk seorang wanita, tuli, kasar, suram. Tadolini memiliki sesuatu yang malaikat dalam suaranya, dan saya ingin sesuatu yang jahat dalam suara wanita itu.

Dalam mempelajari opera-operanya, hingga Falstaff, Verdi mengambil bagian aktif, mengintervensi pekerjaan konduktor, memberi perhatian khusus pada para penyanyi, dengan hati-hati membahas bagian-bagian itu bersama mereka. Karenanya, penyanyi Barbieri-Nini, yang memerankan Lady Macbeth pada pemutaran perdana tahun 1847, bersaksi bahwa sang komposer berlatih duet dengannya hingga 150 kali, mencapai sarana ekspresif vokal yang dia butuhkan. Dia bekerja sama menuntutnya pada usia 74 tahun dengan tenor terkenal Francesco Tamagno, yang berperan sebagai Othello.

Verdi memberikan perhatian khusus pada interpretasi panggung opera. Korespondensinya berisi banyak pernyataan berharga tentang masalah ini. “Semua kekuatan panggung memberikan ekspresi yang dramatis,” tulis Verdi, “dan bukan hanya transmisi musik cavatina, duet, final, dll.” Sehubungan dengan produksi The Force of Destiny pada tahun 1869, dia mengeluh tentang kritikus, yang hanya menulis tentang sisi vokal pemain: kata mereka…”. Memperhatikan musikalitas para pemainnya, sang komposer menekankan: “Opera — pahami saya dengan benar — yaitu, drama musikal panggung, diberikan dengan sangat biasa-biasa saja. Itu bertentangan dengan ini mengambil musik dari panggung dan Verdi memprotes: ikut dalam pembelajaran dan pementasan karyanya, ia menuntut kebenaran perasaan dan tindakan baik dalam menyanyi maupun gerak panggung. Verdi berargumen bahwa hanya dalam kondisi kesatuan dramatis dari semua sarana ekspresi panggung musik sebuah pertunjukan opera dapat diselesaikan.

Jadi, mulai dari pilihan plot dalam kerja keras dengan pustakawan, saat membuat musik, selama perwujudan panggungnya - di semua tahap pengerjaan sebuah opera, dari konsepsi hingga pementasan, keinginan angkuh sang master terwujud, yang dengan percaya diri memimpin bahasa Italia. seni asli dia ke ketinggian. realisme.

* * *

Cita-cita opera Verdi terbentuk sebagai hasil dari kerja kreatif selama bertahun-tahun, kerja praktek yang hebat, dan pencarian yang gigih. Dia tahu betul keadaan teater musikal kontemporer di Eropa. Menghabiskan banyak waktu di luar negeri, Verdi berkenalan dengan rombongan terbaik di Eropa – dari St. Petersburg hingga Paris, Wina, London, Madrid. Dia akrab dengan opera dari komposer kontemporer terhebat. (Mungkin Verdi mendengar opera Glinka di St. Petersburg. Di perpustakaan pribadi komposer Italia ada clavier dari "The Stone Guest" oleh Dargomyzhsky.). Verdi menilai mereka dengan tingkat kekritisan yang sama dengan yang dia gunakan untuk mendekati pekerjaannya sendiri. Dan seringkali dia tidak begitu banyak mengasimilasi pencapaian artistik dari budaya nasional lain, tetapi mengolahnya dengan caranya sendiri, mengatasi pengaruhnya.

Beginilah cara dia memperlakukan tradisi musik dan panggung teater Prancis: mereka sangat dikenalnya, jika hanya karena tiga karyanya ("Sisilia Vesper", "Don Carlos", edisi kedua "Macbeth") ditulis untuk panggung Paris. Hal yang sama adalah sikapnya terhadap Wagner, yang opera-operanya, sebagian besar periode pertengahan, dia tahu, dan beberapa di antaranya sangat dihargai (Lohengrin, Valkyrie), tetapi Verdi secara kreatif berdebat dengan Meyerbeer dan Wagner. Dia tidak meremehkan pentingnya mereka untuk pengembangan budaya musik Prancis atau Jerman, tetapi menolak kemungkinan peniruan mereka secara berlebihan. Verdi menulis: “Jika orang Jerman, yang berangkat dari Bach, mencapai Wagner, maka mereka bertindak seperti orang Jerman asli. Tapi kami, keturunan Palestrina, meniru Wagner, melakukan kejahatan musik, menciptakan seni yang tidak perlu dan bahkan berbahaya. "Kami merasa berbeda," tambahnya.

Pertanyaan tentang pengaruh Wagner sangat akut di Italia sejak tahun 60-an; banyak komposer muda mengalah padanya (Pengagum Wagner yang paling bersemangat di Italia adalah murid Liszt, sang komposer J.Sgambatti, konduktor G.Martucci, A.Boito (di awal karir kreatifnya, sebelum bertemu Verdi) dan lainnya.). Verdi mencatat dengan getir: “Kita semua - komposer, kritikus, publik - telah melakukan segala yang mungkin untuk meninggalkan kebangsaan musik kita. Di sini kita berada di pelabuhan yang tenang … satu langkah lagi, dan kita akan menjadi orang Jerman dalam hal ini, seperti dalam hal lainnya. Sulit dan menyakitkan baginya untuk mendengar dari bibir anak muda dan beberapa kritikus kata-kata bahwa opera sebelumnya sudah ketinggalan zaman, tidak memenuhi persyaratan modern, dan yang sekarang, dimulai dengan Aida, mengikuti jejak Wagner. “Sungguh suatu kehormatan, setelah empat puluh tahun karir kreatif, berakhir sebagai seorang wannabe!” Seru Verdi dengan marah.

Namun dia tidak menolak nilai penaklukan artistik Wagner. Komposer Jerman membuatnya berpikir tentang banyak hal, dan terutama tentang peran orkestra dalam opera, yang diremehkan oleh komposer Italia pada paruh pertama abad ke-XNUMX (termasuk Verdi sendiri pada tahap awal karyanya), tentang meningkatkan pentingnya harmoni (dan alat ekspresi musik yang penting ini diabaikan oleh penulis opera Italia) dan, terakhir, tentang pengembangan prinsip pengembangan ujung ke ujung untuk mengatasi pemotongan bentuk struktur bilangan.

Namun, untuk semua pertanyaan ini, yang paling penting untuk drama musik opera paruh kedua abad ini, Verdi menemukan mereka solusi selain Wagner. Selain itu, dia menguraikannya bahkan sebelum dia mengenal karya komposer Jerman yang brilian. Misalnya, penggunaan "dramaturgi timbre" dalam adegan penampakan roh di "Macbeth" atau dalam penggambaran badai petir yang tidak menyenangkan di "Rigoletto", penggunaan string divisi dalam register tinggi di pengantar yang terakhir tindakan "La Traviata" atau trombon di Miserere dari "Il Trovatore" - ini berani, metode instrumentasi individual ditemukan terlepas dari Wagner. Dan jika kita berbicara tentang pengaruh siapa pun pada orkestra Verdi, maka kita sebaiknya mengingat Berlioz, yang sangat dia hargai dan bersahabat dengannya sejak awal tahun 60-an.

Verdi sama mandirinya dalam mencari perpaduan prinsip-prinsip lagu-ariose (bel canto) dan declamatory (parlante). Ia mengembangkan “cara campuran” (stilo misto) khususnya sendiri, yang menjadi dasar baginya untuk menciptakan bentuk monolog atau adegan dialogis yang bebas. Rigoletto's aria "Courtesans, fiend of vice" atau duel spiritual antara Germont dan Violetta juga ditulis sebelum berkenalan dengan opera Wagner. Tentu saja, pengenalan dengan mereka membantu Verdi dengan berani mengembangkan prinsip-prinsip dramaturgi baru, yang secara khusus memengaruhi bahasa harmonisnya, yang menjadi lebih kompleks dan fleksibel. Tetapi ada perbedaan mendasar antara prinsip kreatif Wagner dan Verdi. Mereka terlihat jelas dalam sikapnya terhadap peran elemen vokal dalam opera.

Dengan semua perhatian yang diberikan Verdi pada orkestra dalam komposisi terakhirnya, dia mengenali faktor vokal dan melodi sebagai yang utama. Jadi, mengenai opera awal Puccini, Verdi menulis pada tahun 1892: “Bagi saya, prinsip simfoni berlaku di sini. Ini sendiri tidak buruk, tetapi orang harus berhati-hati: opera adalah opera, dan simfoni adalah simfoni.

“Suara dan melodi,” kata Verdi, “akan selalu menjadi hal terpenting bagiku.” Dia dengan gigih mempertahankan posisi ini, percaya bahwa ciri khas musik nasional Italia menemukan ekspresi di dalamnya. Dalam proyeknya untuk reformasi pendidikan publik, yang dipresentasikan kepada pemerintah pada tahun 1861, Verdi menganjurkan pengorganisasian sekolah menyanyi malam gratis, untuk setiap kemungkinan stimulasi musik vokal di rumah. Sepuluh tahun kemudian, dia mengimbau para komposer muda untuk mempelajari sastra vokal Italia klasik, termasuk karya Palestrina. Dalam asimilasi kekhasan budaya menyanyi masyarakat, Verdi melihat kunci keberhasilan pengembangan tradisi seni musik nasional. Namun, konten yang dia investasikan dalam konsep "melodi" dan "merdu" berubah.

Di tahun-tahun kedewasaan kreatif, dia dengan tajam menentang mereka yang menafsirkan konsep-konsep ini secara sepihak. Pada tahun 1871, Verdi menulis: “Seseorang tidak bisa hanya menjadi seorang melodis dalam musik! Ada sesuatu yang lebih dari melodi, dari harmoni – sebenarnya – musik itu sendiri! .. “. Atau dalam surat dari tahun 1882: “Melodi, harmoni, pelafalan, nyanyian yang penuh gairah, efek orkestra dan warna hanyalah sarana. Buat musik yang bagus dengan alat-alat ini!..” Di tengah panasnya kontroversi, Verdi bahkan mengungkapkan penilaian yang terdengar paradoks di mulutnya: “Melodi tidak dibuat dari tangga nada, trill atau groupetto … Ada, misalnya, melodi di bard paduan suara (dari Bellini's Norma.— MD), doa Musa (dari opera dengan nama yang sama oleh Rossini.— MD), dll., tetapi mereka tidak ada di cavatinas The Barber of Seville, The Thieving Magpie, Semiramis, dll. — Apa itu? "Apa pun yang Anda inginkan, jangan melodi" (dari surat tahun 1875.)

Apa yang menyebabkan serangan tajam terhadap melodi opera Rossini oleh pendukung yang konsisten dan propagandis yang gigih dari tradisi musik nasional Italia, yaitu Verdi? Tugas lain yang diajukan oleh konten baru operanya. Dalam bernyanyi, dia ingin mendengar "kombinasi yang lama dengan pelafalan baru", dan dalam opera - identifikasi yang dalam dan beragam dari ciri-ciri individu dari gambaran tertentu dan situasi dramatis. Inilah yang dia perjuangkan, memperbarui struktur intonasi musik Italia.

Namun dalam pendekatan Wagner dan Verdi terhadap masalah dramaturgi opera, selain itu nasional perbedaan, lainnya gaya arah artistik. Dimulai sebagai seorang romantis, Verdi muncul sebagai ahli opera realistik terbesar, sementara Wagner tetap romantis, meskipun dalam karya-karyanya pada periode kreatif yang berbeda, ciri-ciri realisme muncul pada tingkat yang lebih besar atau lebih kecil. Ini pada akhirnya menentukan perbedaan ide yang menggairahkan mereka, tema, gambar, yang memaksa Verdi untuk menentang " Wagner "drama musikal" pengertianmu "drama panggung musikal'.

* * *

Tidak semua orang sezaman memahami kehebatan perbuatan kreatif Verdi. Namun, salah jika percaya bahwa mayoritas musisi Italia pada paruh kedua abad ke-1834 berada di bawah pengaruh Wagner. Verdi memiliki pendukung dan sekutunya dalam memperjuangkan cita-cita opera nasional. Saverio Mercadante kontemporernya yang lebih tua juga terus bekerja, sebagai pengikut Verdi, Amilcare Ponchielli (1886-1874, opera Gioconda terbaik – 1851; dia adalah guru Puccini) mencapai kesuksesan yang signifikan. Galaksi penyanyi yang brilian meningkat dengan menampilkan karya Verdi: Francesco Tamagno (1905-1856), Mattia Battistini (1928-1873), Enrico Caruso (1921-1867) dan lainnya. Konduktor terkemuka Arturo Toscanini (1957-90) dibesarkan dalam karya-karya ini. Akhirnya, pada tahun 1863-an, sejumlah komposer muda Italia tampil ke depan, menggunakan tradisi Verdi dengan caranya sendiri. Ini adalah Pietro Mascagni (1945-1890, opera Rural Honor – 1858), Ruggero Leoncavallo (1919-1892, opera Pagliacci – 1858) dan yang paling berbakat di antara mereka – Giacomo Puccini (1924-1893; kesuksesan signifikan pertama adalah opera “Manon”, 1896; karya terbaik: “La Boheme” – 1900, “Tosca” – 1904, “Cio-Cio-San” – XNUMX). (Mereka bergabung dengan Umberto Giordano, Alfredo Catalani, Francesco Cilea, dan lainnya.)

Karya para komposer ini bercirikan daya tarik tema modern, yang membedakannya dari Verdi, yang setelah La Traviata tidak memberikan perwujudan langsung dari subjek modern.

Dasar pencarian artistik musisi muda adalah gerakan sastra tahun 80-an, dipimpin oleh penulis Giovanni Varga dan disebut "verismo" (verismo berarti "kebenaran", "kejujuran", "keandalan" dalam bahasa Italia). Dalam karya-karya mereka, verists terutama menggambarkan kehidupan kaum tani yang hancur (terutama Italia selatan) dan kaum miskin kota, yaitu kelas sosial bawah yang melarat, dihancurkan oleh perkembangan kapitalisme yang progresif. Dalam kecaman tanpa ampun terhadap aspek negatif masyarakat borjuis, signifikansi progresif dari karya veris terungkap. Tetapi kecanduan plot "berdarah", transfer momen sensual yang tegas, pemaparan fisiologis, kualitas binatang seseorang mengarah pada naturalisme, hingga penggambaran realitas yang terkuras.

Sampai batas tertentu, kontradiksi ini juga menjadi ciri khas para penggubah verist. Verdi tidak bisa bersimpati dengan manifestasi naturalisme dalam opera mereka. Kembali pada tahun 1876, dia menulis: "Tidak buruk meniru kenyataan, tetapi lebih baik menciptakan kenyataan ... Dengan menyalinnya, Anda hanya dapat membuat foto, bukan gambar." Namun Verdi mau tidak mau menyambut baik keinginan para penulis muda untuk tetap setia pada ajaran sekolah opera Italia. Konten baru yang mereka tuju menuntut cara ekspresi dan prinsip dramaturgi lain - lebih dinamis, sangat dramatis, bersemangat gugup, terburu nafsu.

Namun, dalam karya terbaik para verists, kesinambungan dengan musik Verdi jelas terasa. Ini terutama terlihat dalam karya Puccini.

Jadi, pada tahap baru, dalam kondisi tema yang berbeda dan plot lain, cita-cita demokratis yang sangat humanistik dari kejeniusan Italia yang hebat menerangi jalan untuk pengembangan lebih lanjut seni opera Rusia.

M.Druskin

Komposisi:

opera – Oberto, Pangeran San Bonifacio (1833-37, dipentaskan pada tahun 1839, Teater La Scala, Milan), Raja Sejam (Un giorno di regno, kemudian disebut Imaginary Stanislaus, 1840, begitulah), Nebukadnezar (Nabucco, 1841, dipentaskan pada tahun 1842, ibid), Lombard dalam Perang Salib Pertama (1842, dipentaskan pada tahun 1843, ibid; edisi ke-2, dengan judul Jerusalem, 1847, Teater Opera Agung, Paris), Ernani (1844, teater La Fenice, Venesia), Dua Foscari (1844, teater Argentina, Roma), Jeanne d'Arc (1845, teater La Scala, Milan), Alzira (1845, teater San Carlo, Napoli) , Attila (1846, Teater La Fenice, Venesia), Macbeth (1847, Pergola Theatre, Florence; edisi ke-2, 1865, Lyric Theatre, Paris), Robbers (1847, Haymarket Theatre, London ), The Corsair (1848, Teatro Grande, Trieste), Battle of Legnano (1849, Teatro Argentina, Roma; dengan revisi libretto, berjudul The Siege of Harlem, 1861), Louise Miller (1849, Teatro San Carlo, Naples), Stiffelio (1850, Grande Theatre, Trieste; edisi ke-2, dengan judul Garol d, 1857, Tea tro Nuovo, Rimini), Rigoletto (1851, Teatro La Fenice, Venesia), Troubadour (1853, Teatro Apollo, Roma), Traviata (1853, Teatro La Fenice, Venesia), Vesper Sisilia (libretto Prancis oleh E. Scribe dan Ch. Duveyrier, 1854, dipentaskan pada tahun 1855, Grand Opera, Paris; Edisi ke-2 berjudul “Giovanna Guzman”, libretto Italia oleh E. Caimi, 1856, Milan), Simone Boccanegra (libretto oleh FM Piave, 1857, Teatro La Fenice, Venesia; edisi ke-2, libretto direvisi oleh A Boito, 1881, Teater La Scala , Milan), Un ballo in maschera (1859, Teater Apollo, Roma), The Force of Destiny (libretto oleh Piave, 1862, Teater Mariinsky, Petersburg, rombongan Italia; edisi ke-2, libretto direvisi oleh A. Ghislanzoni, 1869, Teatro alla Scala, Milan), Don Carlos (libretto Prancis oleh J. Mery dan C. du Locle, 1867, Grand Opera, Paris; edisi ke-2, libretto Italia, revisi A. Ghislanzoni, 1884, Teater La Scala, Milan), Aida (1870 , dipentaskan tahun 1871, Teater Opera, Kairo), Otello (1886, dipentaskan tahun 1887, Teater La Scala, Milan), Falstaff ( 1892, dipentaskan tahun 1893, ibid.), untuk paduan suara dan piano – Suara, terompet (kata-kata oleh G. Mameli, 1848), Anthem of the Nations (kantata, kata-kata oleh A. Boito, dilakukan pada tahun 1862, Covent Garden Theatre, London), karya rohani – Requiem (untuk 4 solois, paduan suara dan orkestra, tampil tahun 1874, Milan), Pater Noster (teks oleh Dante, untuk paduan suara 5 suara, tampil tahun 1880, Milan), Ave Maria (teks oleh Dante, untuk sopran dan orkestra dawai , dibawakan pada tahun 1880, Milan), Four Sacred Pieces (Ave Maria, untuk paduan suara 4 suara; Stabat Mater, untuk paduan suara dan orkestra 4 suara; Le laudi alla Vergine Maria, untuk paduan suara wanita 4 suara; Te Deum, untuk paduan suara dan orkestra ; 1889-97, dilakukan pada tahun 1898, Paris); untuk suara dan piano – 6 roman (1838), Pengasingan (balada untuk bass, 1839), Rayuan (balada untuk bass, 1839), Album – enam roman (1845), Stornell (1869), dan lain-lain; ansambel instrumental – kuartet gesek (e-moll, dilakukan pada tahun 1873, Naples), dll.