Alexander Alexandrovich Slobodyanik |

Alexander Slobodyanik

Alexander Alexandrovich Slobodyanik sejak usia muda menjadi pusat perhatian para spesialis dan masyarakat umum. Hari ini, ketika dia memiliki pertunjukan konser selama bertahun-tahun, orang dapat mengatakan tanpa takut membuat kesalahan bahwa dia adalah dan tetap menjadi salah satu pianis paling populer di generasinya. Dia spektakuler di atas panggung, dia memiliki penampilan yang mengesankan, dalam permainan orang bisa merasakan bakat yang besar dan khas – orang bisa langsung merasakannya, dari nada pertama yang dia buat. Namun, simpati publik untuknya mungkin karena alasan yang bersifat khusus. Berbakat dan, terlebih lagi, secara lahiriah spektakuler di atas panggung konser sudah lebih dari cukup; Slobodianik menarik orang lain, tetapi lebih dari itu nanti.

• Musik piano di toko online Ozon →

Slobodyanyk memulai pelatihan regulernya di Lviv. Ayahnya, seorang dokter terkenal, menyukai musik sejak usia muda, bahkan pernah menjadi biola pertama dari orkestra simfoni. Sang ibu tidak pandai bermain piano, dan dia mengajari putranya pelajaran pertama dalam memainkan alat musik ini. Kemudian bocah itu dikirim ke sekolah musik, ke Lydia Veniaminovna Galembo. Di sana dia dengan cepat menarik perhatian pada dirinya sendiri: pada usia empat belas tahun dia bermain di aula Konserto Ketiga untuk Piano dan Orkestra Lviv Philharmonic Beethoven, dan kemudian tampil dengan band clavier solo. Dia dipindahkan ke Moskow, ke Sekolah Musik Sepuluh Tahun Pusat. Untuk beberapa waktu dia berada di kelas Sergei Leonidovich Dizhur, seorang musisi terkenal Moskow, salah satu murid sekolah Neuhaus. Kemudian dia diambil sebagai murid oleh Heinrich Gustavovich Neuhaus sendiri.

Dengan Neuhaus, kelas Slobodyanik, bisa dikatakan, tidak berhasil, meskipun dia tinggal di dekat guru terkenal itu selama sekitar enam tahun. “Itu tidak berhasil, tentu saja, semata-mata karena kesalahan saya,” kata pianis itu, “yang tidak pernah berhenti saya sesali hingga hari ini.” Slobodyannik (sejujurnya) tidak pernah menjadi milik mereka yang memiliki reputasi terorganisir, terkumpul, mampu menjaga diri mereka sendiri dalam kerangka besi disiplin diri. Dia belajar dengan tidak merata di masa mudanya, menurut suasana hatinya; kesuksesan awalnya lebih banyak berasal dari bakat alami yang kaya daripada dari pekerjaan yang sistematis dan terarah. Neuhaus tidak terkejut dengan bakatnya. Orang-orang muda yang cakap di sekitarnya selalu berlimpah. "Semakin besar bakatnya," ulangnya lebih dari sekali di lingkarannya, "semakin sah tuntutan untuk tanggung jawab dan kemandirian awal" (Neigauz GG Tentang seni bermain piano. – M., 1958. P. 195.). Dengan segenap energi dan semangatnya, dia memberontak melawan apa yang kemudian, kembali ke pikiran Slobodyanik, dia secara diplomatis menyebut "kegagalan memenuhi berbagai tugas" (Neigauz GG Refleksi, kenangan, buku harian. S. 114.).

Slobodyanik sendiri dengan jujur ​​\uXNUMXb\uXNUMXbmengakui bahwa, perlu dicatat, dia umumnya sangat lugas dan tulus dalam penilaian diri. “Saya, bagaimana mengatakannya dengan lebih halus, tidak selalu mempersiapkan pelajaran dengan Genrikh Gustavovich dengan baik. Apa yang bisa saya katakan sekarang dalam pembelaan saya? Moskow setelah Lvov memikat saya dengan banyak kesan baru dan kuat… Itu memalingkan kepala saya dengan atribut kehidupan metropolitan yang cerah dan tampaknya sangat menggoda. Saya terpesona oleh banyak hal – seringkali merugikan pekerjaan.

Pada akhirnya, dia harus berpisah dengan Neuhaus. Meski demikian, kenangan akan seorang musisi hebat masih disayanginya hingga hari ini: “Ada orang yang tidak bisa dilupakan begitu saja. Mereka selalu bersama Anda, selama sisa hidup Anda. Benar dikatakan: seorang seniman hidup selama dia dikenang… Ngomong-ngomong, saya merasakan pengaruh Henry Gustavovich untuk waktu yang sangat lama, bahkan ketika saya tidak lagi di kelasnya.

Slobodyanik lulus dari konservatori, dan kemudian sekolah pascasarjana, di bawah bimbingan seorang siswa Neuhaus – Vera Vasilievna Gornostaeva. “Seorang musisi yang luar biasa,” katanya tentang guru terakhirnya, “halus, berwawasan luas… Seorang pria dengan budaya spiritual yang canggih. Dan yang sangat penting bagi saya adalah penyelenggara yang luar biasa: Saya berutang kemauan dan energinya tidak kurang dari pikirannya. Vera Vasilievna membantu saya menemukan diri saya dalam pertunjukan musik.”

Dengan bantuan Gornostaeva, Slobodyanik berhasil menyelesaikan musim kompetisi. Bahkan sebelumnya, selama studinya, ia dianugerahi hadiah dan diploma pada kompetisi di Warsawa, Brussel, dan Praha. Pada tahun 1966, dia membuat penampilan terakhirnya di Kompetisi Tchaikovsky Ketiga. Dan dia dianugerahi hadiah kehormatan keempat. Masa magangnya berakhir, kehidupan sehari-hari seorang pemain konser profesional dimulai.

… Lantas, apa saja kualitas Slobodianik yang menarik publik? Jika Anda melihat pers "nya" dari awal tahun enam puluhan hingga saat ini, banyaknya karakteristik di dalamnya seperti "kekayaan emosional", "kepenuhan perasaan", "spontanitas pengalaman artistik", dll. , tidak begitu jarang, ditemukan di banyak ulasan dan ulasan kritis musik. Pada saat yang sama, sulit untuk mengutuk penulis materi tentang Slobodyanyk. Akan sangat sulit untuk memilih yang lain, membicarakannya.

Memang, Slobodyanik di piano adalah kepenuhan dan kemurahan hati pengalaman artistik, spontanitas kemauan, pergantian nafsu yang tajam dan kuat. Dan tidak heran. Emosi yang jelas dalam transmisi musik adalah tanda pasti dari bakat pertunjukan; Slobodian, seperti yang dikatakan, adalah bakat yang luar biasa, alam menganugerahinya secara penuh, tanpa tugas.

Namun, menurut saya, ini bukan hanya tentang musikalitas bawaan. Di balik intensitas emosional yang tinggi dari penampilan Slobodyanik, darah murni dan kekayaan pengalaman panggungnya adalah kemampuan untuk memahami dunia dalam segala kekayaannya dan warna-warni warnanya yang tak terbatas. Kemampuan untuk hidup dan antusias menanggapi lingkungan, untuk membuat bermacam-macam: untuk melihat secara luas, untuk menerima segala minat, untuk bernafas, seperti yang mereka katakan, dengan dada penuh … Slobodianik umumnya adalah musisi yang sangat spontan. Tidak sedikit pun yang dicap, tidak pudar selama bertahun-tahun aktivitas panggungnya yang agak panjang. Itu sebabnya pendengar tertarik pada seninya.

Sangat mudah dan menyenangkan ditemani Slobodyanik – apakah Anda bertemu dengannya di ruang ganti setelah pertunjukan, atau Anda menontonnya di atas panggung, di depan keyboard instrumen. Beberapa bangsawan batin secara intuitif terasa dalam dirinya; “sifat kreatif yang indah,” tulis mereka tentang Slobodyanik di salah satu ulasan – dan dengan alasan yang bagus. Tampaknya: mungkinkah menangkap, mengenali, merasakan kualitas-kualitas ini (keindahan spiritual, kemuliaan) pada seseorang yang, duduk di piano konser, memainkan teks musik yang dipelajari sebelumnya? Ternyata – itu mungkin. Tidak peduli apa yang Slobodyanik masukkan ke dalam programnya, hingga yang paling spektakuler, menang, menarik secara pemandangan, dalam dirinya sebagai seorang pemain, bahkan bayangan narsisme tidak dapat diperhatikan. Bahkan pada saat-saat ketika Anda benar-benar dapat mengaguminya: ketika dia dalam kondisi terbaiknya dan semua yang dia lakukan, seperti yang mereka katakan, muncul dan keluar. Tidak ada yang picik, sombong, sia-sia dapat ditemukan dalam karya seninya. “Dengan data panggungnya yang bahagia, tidak ada sedikitpun narsisme artistik,” kagum mereka yang akrab dengan Slobodyanik. Itu benar, bukan petunjuk sedikit pun. Sebenarnya dari mana asalnya: sudah dikatakan lebih dari sekali bahwa seniman selalu “melanjutkan” seseorang, mau atau tidak, tahu atau tidak tahu.

Dia memiliki semacam gaya main-main, dia tampaknya telah menetapkan aturan untuk dirinya sendiri: apa pun yang Anda lakukan di keyboard, semuanya dilakukan dengan lambat. Repertoar Slobodyanik mencakup sejumlah karya virtuoso yang brilian (Liszt, Rachmaninoff, Prokofiev…); sulit untuk mengingat bahwa dia terburu-buru, "mengemudi" setidaknya satu dari mereka - seperti yang sering terjadi, dan sering, dengan piano bravura. Bukan kebetulan bahwa para kritikus mencela dia kadang-kadang karena kecepatannya agak lambat, tidak pernah terlalu tinggi. Ini mungkin bagaimana seharusnya seorang seniman tampil di atas panggung, saya pikir pada beberapa saat, mengawasinya: tidak kehilangan kesabaran, tidak kehilangan kesabaran, setidaknya dalam hal yang berhubungan dengan perilaku yang murni eksternal. Dalam segala keadaan, bersikaplah tenang, dengan martabat batin. Bahkan di saat-saat pertunjukan terpanas – Anda tidak pernah tahu berapa banyak dari mereka dalam musik romantis yang telah lama disukai Slobodyanik – jangan jatuh ke dalam peninggian, kegembiraan, keributan … Seperti semua penampil luar biasa, Slobodyanik memiliki karakteristik, hanya karakteristik gaya permainan; cara yang paling akurat, mungkin, adalah dengan menunjuk gaya ini dengan istilah Grave (perlahan, anggun, signifikan). Dengan cara inilah, sedikit berat dalam suara, menguraikan relief bertekstur dengan cara yang besar dan cembung, Slobodyanik memainkan sonata F minor Brahms, Konserto Kelima Beethoven, Pertama Tchaikovsky, Gambar Mussorgsky di Pameran, sonata Myaskovsky. Semua yang sekarang dipanggil adalah nomor terbaik dari repertoarnya.

Suatu kali, pada tahun 1966, selama Kompetisi Pers Tchaikovsky Ketiga, berbicara dengan antusias tentang interpretasinya tentang konser Rachmaninov di D minor, dia menulis: "Slobodianik benar-benar bermain dalam bahasa Rusia." "Intonasi Slavia" benar-benar terlihat jelas dalam dirinya - dalam sifat, penampilan, pandangan dunia artistik, permainannya. Biasanya tidak sulit baginya untuk terbuka, untuk mengekspresikan dirinya secara mendalam dalam karya-karya milik rekan senegaranya – terutama yang diilhami oleh gambar-gambar luas dan ruang terbuka yang tak terbatas … Suatu kali salah satu rekan Slobodyanik berkomentar: “Ada yang cerah, badai, temperamen yang meledak-ledak. Di sini temperamennya, lebih tepatnya, dari ruang lingkup dan luasnya. Pengamatannya benar. Itulah mengapa karya Tchaikovsky dan Rachmaninov sangat bagus di pianis, dan banyak di akhir Prokofiev. Itulah sebabnya (keadaan yang luar biasa!) Dia mendapat perhatian seperti itu di luar negeri. Bagi orang asing, ini menarik sebagai fenomena khas Rusia dalam pertunjukan musik, sebagai karakter nasional yang menarik dan penuh warna dalam seni. Dia mendapat tepuk tangan hangat lebih dari sekali di negara-negara Dunia Lama, dan banyak tur luar negerinya juga sukses.

Suatu kali dalam sebuah percakapan, Slobodyanik menyinggung fakta bahwa baginya, sebagai pemain, karya dalam bentuk besar lebih disukai. “Dalam genre monumental, saya merasa lebih nyaman. Mungkin lebih tenang daripada di miniatur. Mungkin di sini naluri artistik untuk mempertahankan diri terasa - ada seperti ... Jika saya tiba-tiba "tersandung" di suatu tempat, "kehilangan" sesuatu dalam proses bermain, maka karya - maksud saya sebuah karya besar yang tersebar jauh di ruang suara - namun tidak akan sepenuhnya hancur. Masih ada waktu untuk menyelamatkannya, untuk merehabilitasi dirinya sendiri karena kesalahan yang tidak disengaja, untuk melakukan hal lain dengan baik. Jika Anda merusak miniatur di satu tempat, Anda menghancurkannya seluruhnya.

Dia tahu bahwa setiap saat dia bisa "kehilangan" sesuatu di atas panggung - ini terjadi padanya lebih dari sekali, sejak usia muda. “Sebelumnya, saya bahkan lebih buruk. Sekarang latihan panggung terakumulasi selama bertahun-tahun, pengetahuan tentang bisnis seseorang membantu … ”Dan sungguh, peserta konser mana yang tidak tersesat selama pertandingan, lupa, masuk ke situasi kritis? Slobodyaniku, mungkin lebih sering dibandingkan banyak musisi di generasinya. Itu juga terjadi padanya: seolah-olah ada semacam awan yang secara tak terduga ditemukan dalam penampilannya, tiba-tiba menjadi lembam, statis, mengalami demagnetisasi secara internal … Dan hari ini, bahkan ketika seorang pianis berada di puncak kehidupan, dipersenjatai sepenuhnya dengan berbagai pengalaman, hal itu terjadi penggalan musik yang hidup dan berwarna cerah bergantian di malam hari dengan yang membosankan dan tidak ekspresif. Seolah-olah dia kehilangan minat pada apa yang terjadi untuk sementara waktu, terjun ke dalam trans yang tidak terduga dan tidak dapat dijelaskan. Dan kemudian tiba-tiba menyala lagi, terbawa suasana, dengan percaya diri memimpin penonton.

Ada episode seperti itu dalam biografi Slobodyanik. Dia bermain di Moskow komposisi yang kompleks dan jarang dilakukan oleh Reger – Variations and Fugue on a Theme oleh Bach. Pada awalnya keluar dari pianis tidak terlalu menarik. Jelas bahwa dia tidak berhasil. Frustrasi dengan kegagalan tersebut, dia mengakhiri malam itu dengan mengulang variasi encore Reger. Dan diulang (tanpa berlebihan) mewah - cerah, menginspirasi, panas. Clavirabend tampaknya telah terpecah menjadi dua bagian yang tidak terlalu mirip – ini adalah keseluruhan dari Slobodyanik.

Apakah ada kerugian sekarang? Mungkin. Siapa yang akan berdebat: seorang seniman modern, seorang profesional dalam arti kata yang tinggi, wajib mengelola inspirasinya. Harus bisa memanggilnya sesuka hati, setidaknya stabil dalam kreativitas Anda. Hanya, berbicara dengan jujur, apakah selalu mungkin bagi setiap penonton konser, bahkan yang paling dikenal luas, untuk dapat melakukan ini? Dan bukankah, terlepas dari segalanya, beberapa seniman "tidak stabil" yang sama sekali tidak dibedakan oleh keteguhan kreatifnya, seperti V. Sofronitsky atau M. Polyakin, merupakan dekorasi dan kebanggaan dunia profesional?

Ada master (di teater, di ruang konser) yang dapat bertindak dengan ketepatan perangkat otomatis yang disesuaikan tanpa cela – hormat dan pujian bagi mereka, kualitas yang pantas untuk sikap yang paling terhormat. Ada yang lain. Fluktuasi dalam kesejahteraan kreatif adalah hal yang wajar bagi mereka, seperti permainan chiaroscuro di sore musim panas, seperti pasang surut laut, seperti pernapasan organisme hidup. Penikmat dan psikolog pertunjukan musik yang luar biasa, GG Neuhaus (dia sudah memiliki sesuatu untuk dikatakan tentang keanehan kekayaan panggung - baik kesuksesan maupun kegagalan yang cemerlang) tidak melihat, misalnya, sesuatu yang tercela dalam kenyataan bahwa pemain konser tertentu tidak dapat melakukannya. untuk "untuk menghasilkan produk standar dengan akurasi pabrik - penampilan publik mereka" (Neigauz GG Refleksi, kenangan, buku harian. S. 177.).

Daftar di atas penulis yang terkait dengan sebagian besar pencapaian interpretatif Slobodyanik – Tchaikovsky, Rachmaninov, Prokofiev, Beethoven, Brahms … Anda dapat melengkapi seri ini dengan nama-nama komposer seperti Liszt (dalam repertoar Slobodyanik, B-minor Sonata, the Sixth Rhapsody, Campanella, Mephisto Waltz dan karya Liszt lainnya), Schubert (B flat major sonata), Schumann (Carnival, Symphonic Etudes), Ravel (Concerto for the left hand), Bartok (Piano Sonata, 1926), Stravinsky (“Parsley ”).

Slobodianik kurang meyakinkan di Chopin, meskipun dia sangat mencintai penulis ini, sering merujuk pada karyanya - poster pianis menampilkan pendahuluan, etudes, scherzo, balada Chopin. Biasanya, abad ke-1988 melewati mereka. Scarlatti, Haydn, Mozart – nama-nama ini cukup langka dalam program konsernya. (Benar, di musim XNUMX Slobodyanik secara terbuka memainkan konserto Mozart di jurusan B-flat, yang telah dia pelajari tidak lama sebelumnya. Tapi ini, secara umum, tidak menandai perubahan mendasar dalam strategi repertoarnya, tidak menjadikannya seorang pianis "klasik". ). Mungkin intinya di sini ada pada beberapa ciri dan sifat psikologis yang semula melekat pada sifat artistiknya. Tetapi dalam beberapa fitur karakteristik "peralatan piano" -nya juga.

Dia memiliki tangan yang kuat yang dapat menghancurkan kesulitan penampilan apa pun: teknik akor yang percaya diri dan kuat, oktaf yang spektakuler, dan sebagainya. Dengan kata lain, keahlian close-up. Apa yang disebut "peralatan kecil" Slobodyanik terlihat lebih sederhana. Dirasakan bahwa terkadang dia kekurangan kehalusan kerawang dalam menggambar, ringan dan anggun, pengejaran kaligrafi dalam detail. Ada kemungkinan bahwa alam sebagian yang harus disalahkan untuk ini - struktur tangan Slobodyanik, "konstitusi" pianistik mereka. Namun, mungkin saja dia sendiri yang harus disalahkan. Atau lebih tepatnya, apa yang disebut GG Neuhaus pada masanya sebagai kegagalan untuk memenuhi berbagai macam “tugas” pendidikan: beberapa kekurangan dan kelalaian sejak masa remaja awal. Itu tidak pernah pergi tanpa konsekuensi bagi siapa pun.

Slobodyanik telah melihat banyak hal selama bertahun-tahun di atas panggung. Dihadapkan dengan banyak masalah, pikirkan tentang mereka. Ia prihatin bahwa di kalangan masyarakat umum, menurutnya, ada penurunan minat terhadap kehidupan konser. “Bagi saya, pendengar kami mengalami kekecewaan tertentu dari malam philharmonic. Biarlah tidak semua pendengar, tetapi, bagaimanapun juga, sebagian besar. Atau mungkin hanya genre konsernya saja yang “lelah”? Saya juga tidak mengesampingkannya.

Dia tidak berhenti memikirkan apa yang bisa menarik publik ke Philharmonic Hall hari ini. Pemain kelas atas? Niscaya. Tetapi ada keadaan lain, menurut Slobodyanik, yang tidak mengganggu perhitungan. Misalnya. Dalam waktu kita yang dinamis, program jangka panjang yang panjang dirasakan dengan susah payah. Sekali waktu, 50-60 tahun yang lalu, artis konser mengadakan malam dalam tiga bagian; sekarang akan terlihat seperti anakronisme – kemungkinan besar, pendengar hanya akan keluar dari bagian ketiga … Slobodyanik yakin bahwa program konser hari ini harus lebih kompak. Tidak panjang! Di paruh kedua tahun delapan puluhan, dia memiliki clavirabends tanpa jeda, di satu bagian. “Untuk penonton hari ini, mendengarkan musik selama sepuluh hingga satu jam lima belas menit sudah lebih dari cukup. Istirahat, menurut saya, tidak selalu diperlukan. Terkadang itu hanya meredam, mengalihkan perhatian…”

Dia juga memikirkan beberapa aspek lain dari masalah ini. Ternyata sudah waktunya untuk membuat beberapa perubahan dalam bentuk, struktur, organisasi pertunjukan konser. Sangat bermanfaat, menurut Alexander Alexandrovich, untuk memperkenalkan nomor ansambel kamar ke dalam program solo tradisional - sebagai komponen. Misalnya, pianis harus bersatu dengan pemain biola, pemain cello, vokalis, dll. Pada prinsipnya, ini menghidupkan malam philharmonic, membuatnya lebih kontras dalam bentuk, konten lebih beragam, dan dengan demikian menarik bagi pendengar. Mungkin itu sebabnya pembuatan musik ansambel semakin menarik minatnya dalam beberapa tahun terakhir. (Ngomong-ngomong, sebuah fenomena yang secara umum menjadi ciri banyak performer di masa kematangan kreatifnya.) Pada tahun 1984 dan 1988, ia sering tampil bersama Liana Isakadze; mereka menampilkan karya untuk biola dan piano oleh Beethoven, Ravel, Stravinsky, Schnittke…

Setiap artis memiliki penampilan yang kurang lebih biasa, seperti yang mereka katakan, lewat, dan ada konser-acara yang ingatannya bertahan lama. Jika berbicara tentang seperti itu Pertunjukan Slobodyanik di paruh kedua tahun delapan puluhan, orang tidak bisa tidak menyebutkan penampilan gabungannya dari Mendelssohn's Concerto for Violin, Piano and String Orchestra (1986, diiringi oleh State Chamber Orchestra of USSR), Chausson's Concerto for Violin, Piano and String Kuartet (1985) dengan tahun V. Tretyakov, bersama dengan V. Tretyakov dan Kuartet Borodin), konser piano Schnittke (1986 dan 1988, diiringi oleh Orkestra Kamar Negara).

Dan saya ingin menyebutkan satu sisi lagi dari aktivitasnya. Selama bertahun-tahun, ia semakin dan rela bermain di lembaga pendidikan musik - sekolah musik, sekolah musik, konservatori. “Di sana, setidaknya Anda tahu bahwa mereka akan mendengarkan Anda dengan penuh perhatian, dengan minat, dengan pengetahuan tentang masalah tersebut. Dan mereka akan mengerti apa yang ingin Anda katakan sebagai pemain. Saya pikir ini adalah hal terpenting bagi seorang seniman: untuk dipahami. Biarkan beberapa komentar kritis datang nanti. Bahkan jika Anda tidak menyukai sesuatu. Tetapi segala sesuatu yang keluar dengan sukses, bahwa Anda berhasil, juga tidak akan luput dari perhatian.

Hal terburuk bagi seorang musisi konser adalah ketidakpedulian. Dan di lembaga pendidikan khusus, sebagai suatu peraturan, tidak ada orang yang acuh tak acuh dan acuh tak acuh.

Menurut saya, bermain di sekolah musik dan sekolah musik adalah sesuatu yang lebih sulit dan bertanggung jawab daripada bermain di banyak aula philharmonic. Dan saya pribadi menyukainya. Selain itu, seniman dihargai di sini, mereka memperlakukannya dengan hormat, mereka tidak memaksanya untuk mengalami saat-saat memalukan yang terkadang menimpa dirinya dalam hubungannya dengan administrasi masyarakat philharmonic.

Seperti setiap artis, Slobodyanik memperoleh sesuatu selama bertahun-tahun, tetapi pada saat yang sama kehilangan sesuatu yang lain. Namun, kemampuannya yang menggembirakan untuk "menyala secara spontan" selama pertunjukan masih dipertahankan. Saya ingat suatu kali kami berbicara dengannya tentang berbagai topik; kami berbicara tentang momen-momen bayangan dan perubahan-perubahan dalam kehidupan seorang artis tamu; Saya bertanya kepadanya: apakah mungkin, pada prinsipnya, untuk bermain dengan baik, jika segala sesuatu di sekitar artis mendorongnya untuk bermain, dengan buruk: baik aula (jika Anda dapat menyebut aula, kamar-kamar yang sama sekali tidak cocok untuk konser, di mana terkadang Anda memiliki untuk tampil), dan penonton (jika pertemuan acak dan sangat sedikit orang dapat dilakukan untuk penonton philharmonic yang sebenarnya), dan instrumen yang rusak, dll., Dll. "Tahukah Anda," jawab Alexander Alexandrovich, "bahkan dalam hal ini , bisa dikatakan, "kondisi tidak sehat" bermain cukup baik. Ya, ya, Anda bisa, percayalah. Tapi - andai saja dapat menikmati musik. Biarlah gairah ini tidak langsung datang, biarkan 20-30 menit dihabiskan untuk menyesuaikan diri dengan keadaan. Tapi kemudian, saat musik benar-benar memikat Anda, kapan dihidupkan, – segala sesuatu di sekitar menjadi acuh tak acuh, tidak penting. Dan kemudian Anda bisa bermain dengan sangat baik … “

Nah, ini adalah milik seniman sejati - membenamkan dirinya dalam musik sedemikian rupa sehingga dia berhenti memperhatikan segala sesuatu di sekitarnya. Dan Slobodianik, seperti yang mereka katakan, tidak kehilangan kemampuan ini.

Pastinya, di masa depan, kegembiraan dan kegembiraan baru bertemu dengan publik menunggunya - akan ada tepuk tangan, dan atribut kesuksesan lainnya yang sudah dikenalnya. Hanya saja kecil kemungkinannya ini adalah hal utama baginya hari ini. Marina Tsvetaeva pernah mengungkapkan gagasan yang sangat tepat bahwa ketika seorang seniman memasuki paruh kedua kehidupan kreatifnya, itu menjadi penting baginya. bukan sukses, tapi waktu...

G.Tsypin, 1990