Witold Lutosławski |

Witold Lutosławski

Witold Lutosławski menjalani kehidupan kreatif yang panjang dan penuh peristiwa; hingga usia lanjut, ia mempertahankan tuntutan tertinggi pada dirinya sendiri dan kemampuan untuk memperbarui dan memvariasikan gaya penulisan, tanpa mengulangi penemuannya sendiri sebelumnya. Setelah kematian komposernya, musiknya terus dibawakan dan direkam secara aktif, menegaskan reputasi Lutosławski sebagai yang utama – dengan segala hormat kepada Karol Szymanowski dan Krzysztof Penderecki – klasik nasional Polandia setelah Chopin. Meskipun tempat tinggal Lutosławski tetap di Warsawa sampai akhir hayatnya, dia bahkan lebih dari Chopin seorang kosmopolitan, seorang warga dunia.

Pada tahun 1930-an, Lutosławski belajar di Konservatorium Warsawa, di mana guru komposisinya adalah murid NA Rimsky-Korsakov, Witold Malishevsky (1873–1939). Perang Dunia Kedua menyela karir pianistik dan komposisi Lutosławski yang sukses. Selama tahun-tahun pendudukan Nazi di Polandia, musisi terpaksa membatasi aktivitas publiknya hanya dengan bermain piano di kafe-kafe Warsawa, terkadang berduet dengan komposer terkenal lainnya Andrzej Panufnik (1914-1991). Bentuk pembuatan musik ini muncul karena karya tersebut, yang telah menjadi salah satu yang paling populer tidak hanya di warisan Lutoslawsky, tetapi juga di seluruh literatur dunia untuk duet piano – Variations on a Theme of Paganini (tema untuk variasi ini - serta untuk banyak karya lain dari berbagai komposer "dengan tema Paganini" - adalah awal dari perubahan Paganini ke-24 yang terkenal untuk biola solo). Tiga setengah dekade kemudian, Lutosławski menyalin Variasi Piano dan Orkestra, sebuah versi yang juga dikenal luas.

Setelah berakhirnya Perang Dunia Kedua, Eropa Timur berada di bawah protektorat Uni Soviet Stalinis, dan bagi para komposer yang berada di belakang Tirai Besi, periode isolasi dari tren terkemuka dalam musik dunia dimulai. Referensi paling radikal untuk Lutoslawsky dan rekan-rekannya adalah arahan cerita rakyat dalam karya Bela Bartok dan neoklasikisme Prancis antarperang, perwakilan terbesarnya adalah Albert Roussel (Lutoslavsky selalu sangat menghargai komposer ini) dan Igor Stravinsky dari periode antara Septet untuk Winds dan Symphony di C mayor. Bahkan dalam kondisi kurangnya kebebasan, yang disebabkan oleh kebutuhan untuk mematuhi dogma realisme sosialis, sang komposer berhasil menciptakan banyak karya orisinal yang segar (Little Suite untuk orkestra kamar, 1950; Silesian Triptych untuk soprano dan orkestra dengan kata-kata rakyat , 1951; Bukoliki) untuk piano, 1952). Puncak gaya awal Lutosławski adalah Simfoni Pertama (1947) dan Konser untuk Orkestra (1954). Jika simfoni lebih condong ke neoklasikisme Roussel dan Stravinsky (pada tahun 1948 dikutuk sebagai "formalis", dan pertunjukannya dilarang di Polandia selama beberapa tahun), maka hubungannya dengan musik rakyat jelas diungkapkan dalam Concerto: metode bekerja dengan intonasi rakyat, yang dengan jelas mengingatkan pada gaya Bartók diterapkan dengan ahli di sini pada bahan Polandia. Kedua skor menunjukkan ciri-ciri yang dikembangkan dalam karya Lutoslawski selanjutnya: orkestrasi virtuoso, kontras yang melimpah, kurangnya struktur simetris dan teratur (panjang frasa yang tidak sama, ritme bergerigi), prinsip membangun bentuk besar menurut model naratif dengan eksposisi yang relatif netral, liku-liku yang menarik dalam membuka plot, ketegangan yang meningkat, dan kesudahan yang spektakuler.

Pencairan pada pertengahan 1950-an memberikan kesempatan bagi para komposer Eropa Timur untuk mencoba teknik Barat modern mereka. Lutoslavsky, seperti banyak rekannya, mengalami ketertarikan jangka pendek dengan dodecaphony - buah dari ketertarikannya pada ide-ide Wina Baru adalah Musik Pemakaman Bartók untuk orkestra dawai (1958). "Five Songs on Poems oleh Kazimera Illakovich" yang lebih sederhana, tetapi juga lebih orisinal untuk suara wanita dan piano (1957; setahun kemudian, penulis merevisi siklus ini untuk suara wanita dengan orkestra kamar) berasal dari periode yang sama. Musik lagu terkenal karena penggunaan akord dua belas nada secara luas, yang warnanya ditentukan oleh rasio interval yang membentuk vertikal integral. Akord semacam ini, yang digunakan bukan dalam konteks serial dodecaphonic, tetapi sebagai unit struktural independen, yang masing-masing diberkahi dengan kualitas suara orisinal yang unik, akan memainkan peran penting dalam semua karya komposer selanjutnya.

Tahap baru dalam evolusi Lutosławski dimulai pada pergantian tahun 1950-an dan 1960-an dengan Venetian Games untuk orkestra kamar (karya empat bagian yang relatif kecil ini ditugaskan oleh Venice Biennale 1961). Di sini Lutoslavsky pertama kali menguji metode baru dalam membangun tekstur orkestra, di mana berbagai bagian instrumen tidak sepenuhnya disinkronkan. Konduktor tidak berpartisipasi dalam penampilan beberapa bagian karya - ia hanya menunjukkan momen awal bagian, setelah itu setiap musisi memainkan perannya dalam ritme bebas hingga tanda konduktor berikutnya. Variasi ansambel aleatorik ini, yang tidak mempengaruhi bentuk komposisi secara keseluruhan, terkadang disebut "aleatoric counterpoint" (izinkan saya mengingatkan Anda bahwa aleatorics, dari bahasa Latin alea – "dadu, lot", biasanya disebut sebagai komposisi metode di mana bentuk atau tekstur pekerjaan yang dilakukan kurang lebih tidak dapat diprediksi). Di sebagian besar skor Lutosławski, dimulai dengan Pertandingan Venesia, episode dilakukan dengan ritme yang ketat (a battuta, yaitu, "di bawah tongkat [konduktor]") bergantian dengan episode dalam tandingan aleatorik (ad libitum – "sesuka hati"); pada saat yang sama, fragmen ad libitum sering dikaitkan dengan statis dan inersia, menimbulkan gambar mati rasa, kehancuran atau kekacauan, dan bagian battuta – dengan perkembangan progresif aktif.

Meskipun, menurut konsep komposisi umum, karya Lutoslawsky sangat beragam (dalam setiap skor berturut-turut ia berusaha memecahkan masalah baru), tempat utama dalam karya dewasanya ditempati oleh skema komposisi dua bagian, yang pertama kali diuji dalam String Quartet (1964): bagian fragmen pertama, volumenya lebih kecil, berfungsi sebagai pengantar terperinci untuk bagian kedua, jenuh dengan gerakan yang disengaja, yang klimaksnya dicapai sesaat sebelum akhir pekerjaan. Bagian dari String Quartet, sesuai dengan fungsi dramatisnya, disebut "Gerakan Pendahuluan" ("Bagian pengantar". - Bahasa Inggris) dan "Gerakan Utama" ("Bagian utama". - Bahasa Inggris). Dalam skala yang lebih besar, skema yang sama diimplementasikan dalam Second Symphony (1967), di mana gerakan pertama diberi judul “He'sitant” (“Hesitating” – French), dan yang kedua – “Direct” (“straight” – French ). The "Book for Orchestra" (1968; "buku" ini terdiri dari tiga "bab" kecil yang dipisahkan satu sama lain oleh selingan pendek, dan "bab" terakhir yang besar dan penting, Cello Concerto didasarkan pada versi yang dimodifikasi atau rumit dari skema yang sama. dengan orkestra (1970), Simfoni Ketiga (1983). Dalam karya terlama Lutosławski (sekitar 40 menit), Preludes dan Fugue untuk tiga belas senar solo (1972), fungsi bagian pengantar dilakukan oleh rantai delapan pendahuluan dari berbagai karakter, sedangkan fungsi gerakan utama adalah sebuah fugue yang berkembang dengan penuh semangat. Skema dua bagian, bervariasi dengan kecerdikan yang tiada habisnya, menjadi semacam matriks untuk "drama" instrumental Lutosławski yang penuh dengan berbagai liku-liku. Dalam karya-karya dewasa sang komposer, orang tidak dapat menemukan tanda-tanda yang jelas tentang "kepolosan", atau kekaguman terhadap neo-romantisisme atau "gaya-neo" lainnya; dia tidak pernah menggunakan kiasan gaya, apalagi langsung mengutip musik orang lain. Dalam arti tertentu, Lutosławski adalah sosok yang terisolasi. Mungkin inilah yang menentukan statusnya sebagai seorang klasik abad ke-XNUMX dan seorang kosmopolitan yang berprinsip: ia menciptakan dunianya sendiri yang benar-benar orisinal, bersahabat dengan pendengarnya, tetapi secara tidak langsung terkait dengan tradisi dan aliran musik baru lainnya.

Bahasa harmonik Lutoslavsky yang matang sangat individual dan didasarkan pada karya kerawang dengan kompleks 12 nada dan interval konstruktif serta konsonan yang diisolasi darinya. Dimulai dengan Cello Concerto, peran baris melodi yang diperluas dan ekspresif dalam musik Lutosławski meningkat, kemudian elemen grotesque dan humor diintensifkan di dalamnya (Novelette untuk orkestra, 1979; akhir dari Double Concerto untuk oboe, harpa dan orkestra kamar, 1980; siklus lagu Songflowers and song tales” untuk sopran dan orkestra, 1990). Tulisan harmonik dan melodi Lutosławski mengecualikan hubungan tonal klasik, tetapi memungkinkan elemen sentralisasi tonal. Beberapa karya besar Lutosławski selanjutnya dikaitkan dengan model genre musik instrumental Romantis; Jadi, dalam Simfoni Ketiga, skor orkestra komposer yang paling ambisius, penuh drama, kaya akan kontras, prinsip komposisi monotematik satu gerakan yang monumental pada awalnya diterapkan, dan Piano Concerto (1988) melanjutkan baris pianisme romantis brilian dari "gaya agung". Tiga karya dengan judul umum "Rantai" juga berasal dari periode akhir. Dalam "Chain-1" (untuk 14 instrumen, 1983) dan "Chain-3" (untuk orkestra, 1986), prinsip "menghubungkan" (overlay parsial) bagian pendek, yang berbeda dalam tekstur, timbre dan melodi-harmonik karakteristik, memainkan peran penting ( pendahuluan dari siklus "Pendahuluan dan Fugue" terkait satu sama lain dengan cara yang serupa). Yang kurang biasa dalam hal bentuk adalah Chain-2 (1985), pada dasarnya konserto biola empat gerakan (introduksi dan tiga gerakan bergantian sesuai dengan pola cepat-lambat-cepat tradisional), kasus yang jarang terjadi ketika Lutoslawsky meninggalkan dua bagian favoritnya. skema.

Garis khusus dalam karya matang komposer diwakili oleh karya vokal besar: "Tiga Puisi oleh Henri Michaud" untuk paduan suara dan orkestra yang dibawakan oleh konduktor berbeda (1963), "Weaved Words" dalam 4 bagian untuk tenor dan orkestra kamar (1965 ), "Spaces of Sleep " untuk bariton dan orkestra (1975) dan siklus sembilan bagian yang telah disebutkan "Songflowers and Song Tales". Semuanya didasarkan pada ayat-ayat surealis Prancis (penulis teks "Weaved Words" adalah Jean-Francois Chabrin, dan dua karya terakhir ditulis dengan kata-kata Robert Desnos). Lutosławski sejak masa mudanya memiliki simpati khusus untuk bahasa Prancis dan budaya Prancis, dan pandangan dunia artistiknya dekat dengan ambiguitas dan sulit dipahami dari karakteristik makna surealisme.

Musik Lutoslavsky terkenal karena kecemerlangan konsernya, dengan unsur keahlian yang diekspresikan dengan jelas di dalamnya. Tak heran jika seniman berprestasi rela berkolaborasi dengan sang komposer. Di antara penafsir pertama karyanya adalah Peter Pearce (Woven Words), Lasalle Quartet (String Quartet), Mstislav Rostropovich (Cello Concerto), Heinz dan Ursula Holliger (Double Concerto untuk oboe dan harpa dengan orkestra kamar) , Dietrich Fischer-Dieskau ( “Dream Spaces”), Georg Solti (Third Symphony), Pinchas Zuckermann (Partita untuk biola dan piano, 1984), Anne-Sophie Mutter (“Chain-2” untuk biola dan orkestra), Krystian Zimerman ( Concerto untuk piano dan orkestra) dan kurang dikenal di garis lintang kita, tetapi penyanyi Norwegia yang sangat luar biasa Solveig Kringelborn ("Songflowers and Songtales"). Lutosławski sendiri memiliki bakat sebagai konduktor yang tidak biasa; gerakannya sangat ekspresif dan fungsional, tetapi dia tidak pernah mengorbankan kesenian demi presisi. Setelah membatasi repertoar konduktornya pada komposisinya sendiri, Lutoslavsky tampil dan merekam dengan orkestra dari berbagai negara.

Diskografi Lutosławski yang kaya dan terus berkembang masih didominasi oleh rekaman asli. Yang paling representatif dari mereka dikumpulkan dalam album ganda yang baru-baru ini dirilis oleh Philips dan EMI. Nilai yang pertama ("The Essential Lutoslawski"—Philips Duo 464 043), menurut pendapat saya, ditentukan terutama oleh Double Concerto dan "Spaces of Sleep" dengan partisipasi pasangan Holliger dan Dietrich Fischer-Dieskau, masing-masing ; interpretasi penulis tentang Simfoni Ketiga dengan Berlin Philharmonic yang muncul di sini, anehnya, tidak memenuhi harapan (rekaman penulis yang jauh lebih sukses dengan British Broadcasting Corporation Symphony Orchestra, sejauh yang saya tahu, tidak ditransfer ke CD ). Album kedua "Lutoslawski" (EMI Double Forte 573833-2) hanya berisi karya orkestra yang tepat yang dibuat sebelum pertengahan 1970-an dan kualitasnya lebih merata. Orkestra Nasional Radio Polandia yang luar biasa dari Katowice, terlibat dalam rekaman ini, kemudian, setelah kematian komposernya, mengambil bagian dalam rekaman koleksi karya orkestranya yang hampir lengkap, yang telah dirilis sejak 1995 dalam bentuk disk oleh Perusahaan Naxos (hingga Desember 2001, tujuh disk dirilis). Koleksi ini pantas mendapatkan semua pujian. Direktur artistik orkestra, Antoni Wit, memimpin dengan cara yang jelas dan dinamis, dan instrumentalis serta penyanyi (kebanyakan orang Polandia) yang menampilkan bagian solo dalam konser dan karya vokal, jika kalah dengan pendahulunya yang lebih terkemuka, sangat sedikit. Perusahaan besar lainnya, Sony, merilis dalam dua disk (SK 66280 dan SK 67189) simfoni Kedua, Ketiga dan Keempat (menurut saya, kurang berhasil), serta Piano Concerto, Spaces of Sleep, Songflowers dan Songtales “; dalam rekaman ini, Los Angeles Philharmonic Orchestra dipimpin oleh Esa-Pekka Salonen (komposernya sendiri, yang umumnya tidak rentan terhadap julukan tinggi, menyebut konduktor ini "fenomenal"1), soloisnya adalah Paul Crossley (piano), John Shirley -Quirk (bariton), Don Upshaw (sopran)

Kembali ke interpretasi penulis yang direkam pada CD perusahaan terkenal, orang tidak bisa tidak menyebutkan rekaman brilian Cello Concerto (EMI 7 49304-2), Piano Concerto (Deutsche Grammophon 431 664-2) dan biola concerto “ Chain- 2” (Deutsche Grammophon 445 576-2), dilakukan dengan partisipasi para virtuoso yang kepadanya ketiga karya ini dipersembahkan, masing-masing, Mstislav Rostropovich, Krystian Zimermann dan Anne-Sophie Mutter. Bagi penggemar yang masih asing atau kurang familiar dengan karya Lutoslawsky, saya sarankan Anda untuk beralih ke rekaman ini terlebih dahulu. Terlepas dari modernitas bahasa musik dari ketiga konserto, mereka didengarkan dengan mudah dan dengan antusiasme khusus. Lutoslavsky menafsirkan nama genre "konser" sesuai dengan arti aslinya, yaitu, sebagai semacam kompetisi antara solois dan orkestra, menunjukkan bahwa solois, menurut saya, olahraga (dalam arti yang paling mulia dari semua kemungkinan kata) keberanian. Tak perlu dikatakan, Rostropovich, Zimerman dan Mutter mendemonstrasikan tingkat kehebatan yang benar-benar juara, yang dengan sendirinya akan menyenangkan pendengar yang tidak memihak, bahkan jika musik Lutoslavsky pada awalnya tampak tidak biasa atau asing baginya. Namun, Lutoslavsky, tidak seperti banyak komposer kontemporer, selalu berusaha memastikan bahwa pendengar yang ditemani musiknya tidak akan merasa seperti orang asing. Patut dikutip kata-kata berikut dari kumpulan percakapannya yang paling menarik dengan ahli musik Moskow II Nikolskaya: “Keinginan yang kuat untuk kedekatan dengan orang lain melalui seni selalu ada dalam diri saya. Tetapi saya tidak menetapkan tujuan untuk memenangkan pendengar dan pendukung sebanyak mungkin. Saya tidak ingin menaklukkan, tetapi saya ingin menemukan pendengar saya, menemukan mereka yang merasakan hal yang sama seperti saya. Bagaimana tujuan ini dapat dicapai? Saya pikir, hanya melalui kejujuran artistik yang maksimal, ketulusan ekspresi di semua tingkatan – dari detail teknis hingga yang paling rahasia, kedalaman yang paling intim… Dengan demikian, kreativitas artistik juga dapat menjalankan fungsi “penangkap” jiwa manusia, menjadi obat bagi salah satu penyakit yang paling menyakitkan – perasaan kesepian ” .

Levon Hakopyan