Lev Nikolayevich Vlasenko |

Lev Vlasenko

Ada kota-kota dengan kelebihan khusus sebelum dunia musik, misalnya Odessa. Berapa banyak nama brilian yang disumbangkan ke panggung konser di tahun-tahun sebelum perang. Tbilisi, tempat kelahiran Rudolf Kerer, Dmitry Bashkirov, Eliso Virsalazze, Liana Isakadze dan sejumlah musisi ternama lainnya, memiliki sesuatu yang bisa dibanggakan. Lev Nikolaevich Vlasenko juga memulai jalur artistiknya di ibu kota Georgia - kota dengan tradisi seni yang panjang dan kaya.

Seperti yang sering terjadi pada calon musisi, guru pertamanya adalah ibunya, yang pernah belajar sendiri di jurusan piano di Konservatorium Tbilisi. Setelah beberapa waktu, Vlasenko pergi ke guru Georgia terkenal Anastasia Davidovna Virsaladze, lulusan, belajar di kelasnya, sekolah musik sepuluh tahun, kemudian tahun pertama konservatori. Dan, mengikuti jalan banyak talenta, dia pindah ke Moskow. Sejak 1948, dia menjadi murid Yakov Vladimirovich Flier.

Tahun-tahun ini tidak mudah baginya. Dia adalah mahasiswa dari dua institusi pendidikan tinggi sekaligus: selain konservatori, Vlasenko belajar (dan berhasil menyelesaikan studinya pada waktunya) di Institut Bahasa Asing; Pianis fasih berbahasa Inggris, Prancis, Italia. Namun pemuda itu memiliki energi dan kekuatan yang cukup untuk segalanya. Di konservatori, ia semakin sering tampil di pesta mahasiswa, namanya dikenal di kalangan musik. Namun, lebih banyak yang diharapkan darinya. Memang, pada tahun 1956 Vlasenko memenangkan hadiah pertama di Kompetisi Liszt di Budapest.

Dua tahun kemudian, ia kembali mengikuti kompetisi musisi pertunjukan. Kali ini, di rumahnya di Moskow, pada Kompetisi Tchaikovsky Internasional Pertama, pianis tersebut memenangkan hadiah kedua, hanya menyisakan Van Cliburn, yang saat itu berada di puncak bakatnya yang luar biasa.

Vlasenko berkata: “Tak lama setelah lulus dari konservatori, saya direkrut menjadi tentara Soviet. Selama sekitar satu tahun saya tidak menyentuh instrumen – saya hidup dengan pikiran, perbuatan, kekhawatiran yang sangat berbeda. Dan, tentu saja, sangat bernostalgia dengan musik. Ketika saya dibebastugaskan, saya mulai bekerja dengan energi tiga kali lipat. Rupanya, dalam akting saya saat itu ada semacam kesegaran emosional, kekuatan artistik yang tak terpakai, kehausan akan kreativitas panggung. Itu selalu membantu di atas panggung: itu membantu saya saat itu juga.

Pianis mengatakan bahwa dia pernah ditanyai pertanyaan: di tes mana - di Budapest atau Moskow - dia mengalami kesulitan? “Tentu saja, di Moskow,” jawabnya dalam kasus seperti itu, “Kompetisi Tchaikovsky, tempat saya tampil, diadakan untuk pertama kalinya di negara kami. Untuk pertama kalinya – yang mengatakan itu semua. Dia membangkitkan minat yang besar - dia mengumpulkan musisi paling terkemuka, baik Soviet maupun asing, sebagai juri, menarik penonton terluas, menjadi pusat perhatian radio, televisi, dan pers. Sangat sulit dan bertanggung jawab untuk bermain di kompetisi ini – setiap entri ke piano bernilai banyak ketegangan saraf … “

Kemenangan di kompetisi musik terkemuka - dan "emas" yang dimenangkan oleh Vlasenko di Budapest, dan "perak" yang dimenangkannya di Moskow dianggap sebagai kemenangan besar - membuka pintu ke panggung besar baginya. Ia menjadi pemain konser profesional. Penampilannya baik di rumah maupun di negara lain menarik banyak pendengar. Dia, bagaimanapun, tidak hanya diberi tanda-tanda perhatian sebagai musisi, pemilik regalia pemenang yang berharga. Sikap terhadapnya sejak awal ditentukan secara berbeda.

Ada di atas panggung, seperti dalam kehidupan, kodrat yang menikmati simpati universal - langsung, terbuka, tulus. Vlasenko sebagai seniman di antara mereka. Anda selalu percaya padanya: jika dia bersemangat menafsirkan sebuah karya, dia benar-benar bersemangat, bersemangat – sangat bersemangat; jika tidak, dia tidak bisa menyembunyikannya. Apa yang disebut seni pertunjukan bukanlah domainnya. Dia tidak bertindak dan tidak menyembunyikan; motonya bisa jadi: "Saya mengatakan apa yang saya pikirkan, saya mengungkapkan perasaan saya." Hemingway memiliki kata-kata indah yang dia gunakan untuk mencirikan salah satu pahlawannya: “Dia benar-benar cantik secara manusiawi dari dalam: senyumnya datang dari lubuk hati atau dari apa yang disebut jiwa seseorang, dan kemudian dengan riang dan terbuka datang ke permukaan , yaitu menyinari wajah ” (Hemingway E. Di luar sungai, di bawah naungan pepohonan. – M., 1961. S. 47.). Mendengarkan Vlasenko di saat-saat terbaiknya, kebetulan Anda mengingat kata-kata ini.

Dan satu hal lagi yang membuat publik terkesan saat bertemu dengan seorang pianis - panggungnya keramahan. Apakah ada sedikit dari mereka yang menutup diri di atas panggung, menarik diri dari kegembiraan? Yang lain dingin, terkendali secara alami, ini membuat dirinya terasa dalam seni mereka: mereka, menurut ekspresi umum, tidak terlalu "ramah", mereka menjaga pendengar seolah-olah menjauh dari diri mereka sendiri. Dengan Vlasenko, karena kekhasan bakatnya (apakah artistik atau manusia), mudah, seolah dengan sendirinya, untuk menjalin kontak dengan penonton. Orang-orang yang mendengarkannya untuk pertama kali terkadang mengungkapkan keterkejutannya – kesan bahwa mereka telah lama dan mengenalnya sebagai seorang seniman.

Mereka yang mengenal dekat guru Vlasenko, Profesor Yakov Vladimirovich Flier, berpendapat bahwa mereka memiliki banyak kesamaan – temperamen pop yang cerah, kemurahan hati dari curahan emosi, cara bermain yang berani dan menyapu. Itu benar-benar. Bukan kebetulan bahwa, setelah tiba di Moskow, Vlasenko menjadi murid Flier, dan salah satu murid terdekat; kemudian hubungan mereka tumbuh menjadi persahabatan. Namun, kekerabatan sifat kreatif kedua musisi tersebut terlihat bahkan dari repertoar mereka.

Orang-orang tua di ruang konser mengingat dengan baik bagaimana Flier pernah bersinar dalam program Liszt; ada pola bahwa Vlasenko juga memulai debutnya dengan karya Liszt (kompetisi tahun 1956 di Budapest).

“Saya suka penulis ini,” kata Lev Nikolaevich, “pose artistiknya yang membanggakan, kesedihan yang mulia, toga romansa yang spektakuler, gaya ekspresi pidatonya. Kebetulan dalam musik Liszt saya selalu dengan mudah menemukan diri saya … Saya ingat bahwa sejak usia muda saya memainkannya dengan senang hati.

Vlasenko, bagaimanapun, tidak hanya mulai dari Liszt menuju panggung konser besar. Dan hari ini, bertahun-tahun kemudian, karya komposer ini menjadi pusat programnya - mulai dari etudes, rhapsodies, transkripsi, potongan-potongan dari siklus "Years of Wanderings" hingga sonata dan karya lain dalam bentuk besar. Jadi, peristiwa penting dalam kehidupan philharmonic Moskow pada musim 1986/1987 adalah penampilan Vlasenko dari kedua konserto piano, "Dance of Death" dan "Fantasy on Hungarian Themes" oleh Liszt; diiringi orkestra yang dipimpin oleh M. Pletnev. (Malam ini didedikasikan untuk peringatan 175 tahun kelahiran komposer.) Kesuksesan publik benar-benar luar biasa. Dan tidak heran. Keberanian piano yang gemerlap, kegembiraan nada secara umum, "pidato" panggung yang keras, lukisan dinding, gaya permainan yang kuat - semua ini adalah elemen sejati Vlasenko. Di sini pianis tampil dari sisi yang paling menguntungkan bagi dirinya sendiri.

Ada penulis lain yang tak kalah dekat dengan Vlasenko, sama seperti penulis yang sama dekat dengan gurunya, Rachmaninov. Di poster Vlasenko Anda dapat melihat konserto piano, pendahuluan, dan karya Rachmaninoff lainnya. Ketika seorang pianis "on the beat", dia sangat pandai dalam repertoar ini: dia membanjiri penonton dengan luapan perasaan, "kewalahan", seperti yang dikatakan salah satu kritikus, dengan hasrat yang tajam dan kuat. Vlasenko memiliki warna nada "cello" yang tebal dan kental, yang memainkan peran besar dalam musik piano Rachmaninov. Dia memiliki tangan yang berat dan lembut: lukisan suara dengan "minyak" lebih dekat dengan sifatnya daripada "grafik" suara yang kering; – bisa dikatakan, mengikuti analogi yang dimulai dengan melukis, bahwa kuas lebar lebih nyaman baginya daripada pensil yang diasah tajam. Tapi, mungkin, hal utama di Vlasenko, karena kita berbicara tentang interpretasinya atas lakon Rachmaninov, adalah dia mampu merangkul bentuk musik secara keseluruhan. Berpelukan dengan bebas dan alami, tanpa terganggu, mungkin, oleh beberapa hal kecil; Omong-omong, beginilah penampilan Rachmaninov dan Flier.

Terakhir, ada sang komposer, yang menurut Vlasenko, hampir menjadi yang paling dekat dengannya selama bertahun-tahun. Ini Beethoven. Memang, sonata Beethoven, terutama Pathetique, Lunar, Second, Seventeenth, Appassionata, Bagatelles, siklus variasi, Fantasia (Op. 77), menjadi dasar repertoar Vlasenko tahun tujuh puluhan dan delapan puluhan. Detail yang menarik: tidak menyebut dirinya sebagai spesialis dalam percakapan panjang tentang musik - bagi mereka yang tahu bagaimana dan suka menafsirkannya dengan kata-kata, Vlasenko, bagaimanapun, berbicara beberapa kali dengan cerita tentang Beethoven di Central Television.

“Seiring bertambahnya usia, saya menemukan komposer ini semakin menarik bagi saya,” kata pianis itu. “Untuk waktu yang lama saya memiliki satu mimpi – untuk memainkan siklus dari lima konserto pianonya.” Lev Nikolaevich memenuhi impian ini, dan dengan sangat baik, di salah satu musim terakhir.

Tentu saja, Vlasenko, sebagai pemain tamu profesional, beralih ke berbagai jenis musik. Arsenal pertunjukannya termasuk Scarlatti, Mozart, Schubert, Brahms, Debussy, Tchaikovsky, Scriabin, Prokofiev, Shostakovich… Namun, kesuksesannya dalam repertoar ini, di mana ada sesuatu yang lebih dekat dengannya, dan sesuatu yang lebih jauh, tidak sama, tidak selalu stabil dan bahkan. Namun, orang tidak perlu heran: Vlasenko memiliki gaya pertunjukan yang cukup pasti, yang dasarnya adalah keahlian luar biasa; dia bermain benar-benar seperti laki-laki – kuat, jelas dan sederhana. Di suatu tempat itu meyakinkan, dan sepenuhnya, di suatu tempat yang tidak cukup. Bukan kebetulan jika Anda melihat lebih dekat program Vlasenko, Anda akan melihat bahwa dia mendekati Chopin dengan hati-hati …

Berbicara tentang thо dilakukan oleh artis, tidak mungkin untuk tidak mencatat yang paling sukses dalam programnya beberapa tahun terakhir. Ini adalah sonata B minor Liszt dan etudes-lukisan Rachmaninov, Sonata Ketiga Scriabin dan Sonata Ginastera, Gambar Debussy dan Island of Joy miliknya, Rondo Hummel di E flat mayor dan Cordova Albeniz… Sejak 1988, poster Vlasenko adalah untuk melihat Sonata Kedua dari BA Arapov, baru-baru ini dipelajari olehnya, serta Bagatelles, Op. 126 Beethoven, Pendahuluan, Op. 11 dan 12 Scriabin (juga karya baru). Dalam interpretasi karya-karya ini dan lainnya, mungkin, ciri-ciri gaya modern Vlasenko terlihat sangat jelas: kematangan dan kedalaman pemikiran artistik, dipadukan dengan perasaan musik yang hidup dan kuat yang tidak pudar seiring waktu.

Sejak 1952, Lev Nikolaevich telah mengajar. Pertama di Sekolah Paduan Suara Moskow, kemudian di Sekolah Gnessin. Sejak 1957 dia menjadi salah satu guru di Konservatorium Moskow; di kelasnya, N. Suk, K. Oganyan, B. Petrov, T. Bikis, N. Vlasenko dan pianis lainnya menerima tiket ke kehidupan panggung. M. Pletnev belajar dengan Vlasenko selama beberapa tahun – di tahun terakhirnya di konservatori dan sebagai asisten peserta pelatihan. Mungkin ini adalah halaman paling cemerlang dan paling menarik dari biografi pedagogis Lev Nikolaevich …

Mengajar berarti terus-menerus menjawab beberapa pertanyaan, memecahkan banyak masalah tak terduga yang ditimbulkan oleh kehidupan, praktik pendidikan, dan pemuda pelajar. Apa, misalnya, yang harus dipertimbangkan saat memilih repertoar pendidikan dan pedagogis? Bagaimana Anda membangun hubungan dengan siswa? bagaimana melakukan pembelajaran agar seefektif mungkin? Tapi mungkin kecemasan terbesar muncul bagi guru konservatori mana pun sehubungan dengan penampilan publik murid-muridnya. Dan para musisi muda itu sendiri terus menerus mencari jawaban dari para profesor: apa yang dibutuhkan untuk kesuksesan panggung? apakah mungkin untuk mempersiapkan, "menyediakan" itu? Pada saat yang sama, kebenaran yang jelas - seperti fakta bahwa, kata mereka, program harus dipelajari secara memadai, "selesai" secara teknis, dan bahwa "semuanya harus berhasil dan keluar" - hanya sedikit orang yang dapat dipuaskan. Vlasenko tahu bahwa dalam kasus seperti itu seseorang dapat mengatakan sesuatu yang sangat berguna dan perlu hanya berdasarkan pengalamannya sendiri. Hanya jika Anda mulai dari yang dialami dan dialami olehnya. Sebenarnya, inilah yang diharapkan oleh orang-orang yang dia ajar darinya. “Seni adalah pengalaman hidup pribadi, diceritakan dalam gambar, dalam sensasi,” tulis AN Tolstoy, “ pengalaman pribadi yang diklaim sebagai generalisasi» (Tolstykh VI Seni dan Moralitas. – M., 1973. S. 265, 266.). Seni mengajar, terlebih lagi. Oleh karena itu, Lev Nikolaevich dengan rela mengacu pada praktik pertunjukannya sendiri – baik di kelas, di antara siswa, dan dalam percakapan dan wawancara publik:

“Beberapa hal yang tidak dapat diprediksi dan tidak dapat dijelaskan terus terjadi di atas panggung. Misalnya, saya dapat tiba di aula konser dengan istirahat yang cukup, siap untuk pertunjukan, percaya diri - dan clavierabend akan berlalu tanpa banyak antusiasme. Dan sebaliknya. Saya bisa naik ke atas panggung dalam keadaan sedemikian rupa sehingga sepertinya saya tidak akan bisa mengeluarkan satu nada pun dari instrumen - dan permainan tiba-tiba akan "pergi". Dan semuanya akan menjadi mudah, menyenangkan … Ada apa disini? Tidak tahu. Dan mungkin tidak ada yang tahu.

Meskipun ada sesuatu yang harus diramalkan untuk memfasilitasi menit-menit pertama Anda berada di atas panggung – dan itu adalah yang paling sulit, gelisah, tidak dapat diandalkan … – Saya pikir itu masih mungkin. Yang penting, misalnya, adalah konstruksi program itu sendiri, tata letaknya. Setiap artis tahu betapa pentingnya hal ini – dan tepatnya sehubungan dengan masalah kesejahteraan rakyat. Pada prinsipnya, saya cenderung memulai sebuah konser dengan lagu yang membuat saya merasa setenang dan percaya diri mungkin. Saat bermain, saya mencoba mendengarkan suara piano sedekat mungkin; beradaptasi dengan akustik ruangan. Singkatnya, saya berusaha untuk masuk sepenuhnya, membenamkan diri dalam proses pertunjukan, menjadi tertarik dengan apa yang saya lakukan. Ini adalah hal yang paling penting – untuk tertarik, terbawa suasana, berkonsentrasi penuh pada permainan. Kemudian kegembiraan mulai mereda secara bertahap. Atau mungkin Anda hanya berhenti memperhatikannya. Dari sini sudah merupakan langkah menuju keadaan kreatif yang dibutuhkan.

Vlasenko sangat mementingkan segala sesuatu yang dengan satu atau lain cara mendahului pidato publik. “Saya ingat suatu kali saya berbicara tentang hal ini dengan pianis Hongaria yang luar biasa, Annie Fischer. Dia memiliki rutinitas khusus pada hari konser. Dia hampir tidak makan apa-apa. Satu telur rebus tanpa garam, itu saja. Ini membantunya menemukan keadaan psiko-fisiologis yang diperlukan di atas panggung – gugup, bersemangat, gembira, bahkan mungkin sedikit ditinggikan. Kehalusan dan ketajaman perasaan yang istimewa itu muncul, yang mutlak diperlukan bagi seorang pemain konser.

Omong-omong, semua ini mudah dijelaskan. Jika seseorang sudah kenyang, biasanya cenderung jatuh ke dalam keadaan santai yang terpuaskan, bukan? Dengan sendirinya, itu mungkin menyenangkan dan "nyaman", tetapi sangat tidak cocok untuk tampil di depan penonton. Karena hanya orang yang tersetrum secara internal, yang semua senar spiritualnya bergetar dengan tegang, dapat membangkitkan respons dari penonton, mendorongnya ke empati …

Oleh karena itu, terkadang hal yang sama terjadi seperti yang sudah saya sebutkan di atas. Tampaknya semuanya kondusif untuk pertunjukan yang sukses: artis merasa baik, dia tenang secara internal, seimbang, hampir percaya diri dengan kemampuannya sendiri. Dan konsernya tidak berwarna. Tidak ada arus emosional. Dan umpan balik pendengar, tentu saja, juga …

Singkatnya, perlu untuk men-debug, memikirkan rutinitas sehari-hari menjelang pertunjukan – khususnya, diet – itu perlu.

Tapi, tentu saja, ini hanya satu sisi dari masalah ini. Agak eksternal. Berbicara pada umumnya, seluruh kehidupan seorang seniman - idealnya - harus sedemikian rupa sehingga dia selalu, setiap saat, siap untuk menanggapi dengan jiwanya yang luhur, spiritual, indah secara puitis. Mungkin, tidak perlu membuktikan bahwa seseorang yang tertarik pada seni, yang menyukai sastra, puisi, lukisan, teater, jauh lebih cenderung pada perasaan luhur daripada orang biasa, yang semua minatnya terkonsentrasi di bidang tersebut. dari yang biasa, material, sehari-hari.

Artis muda sering mendengar sebelum penampilan mereka: “Jangan pikirkan penonton! Itu mengganggu! Pikirkan di atas panggung hanya tentang apa yang Anda lakukan sendiri … “. Vlasenko berkata tentang ini: "Sangat mudah untuk memberi nasihat ...". Dia sangat menyadari kompleksitas, ambiguitas, dualitas situasi ini:

“Apakah ada penonton untuk saya secara pribadi selama pertunjukan? Apakah saya memperhatikannya? Iya dan tidak. Di satu sisi, saat Anda benar-benar masuk ke proses pertunjukan, seolah-olah Anda tidak memikirkan penonton. Anda benar-benar melupakan segalanya kecuali apa yang Anda lakukan di keyboard. Namun… Setiap musisi konser memiliki indra keenam tertentu – “rasa penonton”, menurut saya. Dan oleh karena itu, reaksi orang-orang yang berada di aula, sikap orang-orang terhadap Anda dan permainan Anda, selalu Anda rasakan.

Apakah Anda tahu apa yang paling penting bagi saya selama konser? Dan yang paling terbuka? Kesunyian. Untuk semuanya dapat diatur - baik iklan, dan hunian tempat, dan tepuk tangan, bunga, selamat, dan sebagainya, semuanya kecuali keheningan. Jika aula membeku, menahan napas, itu berarti ada sesuatu yang benar-benar terjadi di atas panggung - sesuatu yang signifikan, mengasyikkan ...

Ketika saya merasa selama pertandingan bahwa saya telah menarik perhatian penonton, itu memberi saya energi yang sangat besar. Berfungsi sebagai semacam obat bius. Saat-saat seperti itu adalah kebahagiaan yang luar biasa bagi pemainnya, impian terakhirnya. Namun, seperti kegembiraan besar lainnya, ini jarang terjadi.

Kebetulan Lev Nikolayevich ditanya: apakah dia percaya pada inspirasi panggung – dia, seorang seniman profesional, yang tampil di depan publik pada dasarnya adalah pekerjaan yang telah dilakukan secara teratur, dalam skala besar, selama bertahun-tahun … “Dari tentu saja, kata "inspirasi" itu sendiri » benar-benar usang, dicap, usang karena sering digunakan. Dengan semua itu, percayalah, setiap artis hampir siap untuk berdoa memohon inspirasi. Perasaan di sini adalah satu-satunya: seolah-olah Anda adalah pencipta musik yang dibawakan; seolah-olah semua yang ada di dalamnya diciptakan oleh Anda sendiri. Dan betapa banyak hal baru, tak terduga, dan benar-benar sukses lahir pada saat-saat seperti itu di atas panggung! Dan secara harfiah dalam segala hal – dalam pewarnaan suara, ungkapan, dalam nuansa ritmis, dll.

Saya akan mengatakan ini: sangat mungkin untuk memberikan konser yang bagus dan solid secara profesional bahkan tanpa inspirasi. Ada sejumlah kasus seperti itu. Tetapi jika artis datang ke inspirasi, konser bisa menjadi tak terlupakan … “

Seperti yang Anda ketahui, tidak ada cara yang dapat diandalkan untuk membangkitkan inspirasi di atas panggung. Tetapi dimungkinkan untuk menciptakan kondisi yang, dalam hal apa pun, akan menguntungkannya, akan menyiapkan landasan yang sesuai, kata Lev Nikolayevich.

“Pertama-tama, satu nuansa psikologis penting di sini. Anda perlu tahu dan percaya: apa yang dapat Anda lakukan di atas panggung, tidak akan dilakukan orang lain. Biarlah tidak di mana-mana, tetapi hanya dalam repertoar tertentu, dalam karya satu atau dua atau tiga penulis - tidak masalah, bukan itu intinya. Hal utama, saya ulangi, adalah perasaan itu sendiri: cara Anda bermain, yang lain tidak akan bermain. Dia, "yang lain" imajiner ini, mungkin memiliki teknik yang lebih kuat, repertoar yang lebih kaya, pengalaman yang lebih luas - apa saja. Tapi dia, bagaimanapun, tidak akan menyanyikan kalimat seperti yang Anda lakukan, dia tidak akan menemukan warna suara yang begitu menarik dan halus …

Perasaan yang saya bicarakan sekarang pasti sudah tidak asing lagi bagi seorang musisi konser. Itu menginspirasi, mengangkat, membantu di saat-saat sulit di atas panggung.

Saya sering memikirkan guru saya Yakov Vladimirovich Flier. Dia selalu berusaha menghibur para siswa – membuat mereka percaya diri. Di saat-saat ragu, ketika tidak semuanya berjalan baik dengan kami, entah bagaimana dia menanamkan semangat yang baik, optimisme, dan suasana kreatif yang baik. Dan ini memberi kami, siswa di kelasnya, keuntungan yang tidak diragukan lagi.

Saya pikir hampir setiap artis yang tampil di panggung konser besar yakin di lubuk hatinya bahwa dia bermain sedikit lebih baik dari yang lain. Atau, bagaimanapun, mungkin dia bisa bermain lebih baik … Dan tidak perlu menyalahkan siapa pun untuk ini – ada alasan untuk penyesuaian diri ini.

… Pada tahun 1988, festival musik internasional besar berlangsung di Santander (Spanyol). Itu menarik perhatian khusus publik - di antara para peserta adalah I. Stern, M. Caballe, V. Ashkenazy, dan artis Eropa dan luar negeri terkemuka lainnya. Konser Lev Nikolaevich Vlasenko diadakan dengan sukses sejati dalam rangka festival musik ini. Para kritikus memuji bakatnya, keterampilannya, kemampuannya yang membahagiakan untuk "terbawa suasana dan memikat ..." Pertunjukan di Spanyol, seperti tur Vlasenko lainnya di paruh kedua tahun delapan puluhan, dengan meyakinkan menegaskan bahwa minat pada seninya tidak berkurang. Dia masih berada di tempat yang menonjol dalam kehidupan konser modern, Soviet dan asing. Tetapi mempertahankan tempat ini jauh lebih sulit daripada memenangkannya.

G.Tsypin, 1990