Lev Nikolaevich Oborin |

Lev Oborin

Lev Nikolaevich Oborin adalah artis Soviet pertama yang memenangkan kemenangan pertama dalam sejarah seni pertunjukan musik Soviet di kompetisi internasional (Warsawa, 1927, Kompetisi Chopin). Saat ini, ketika barisan pemenang berbagai turnamen musik berbaris satu demi satu, ketika nama dan wajah baru terus muncul di dalamnya, dengan siapa "tidak ada angka", sulit untuk sepenuhnya menghargai apa yang dilakukan Oborin 85 tahun lalu. Itu adalah kemenangan, sensasi, prestasi. Penemu selalu dikelilingi dengan kehormatan – dalam eksplorasi ruang angkasa, dalam sains, dalam urusan publik; Oborin membuka jalan, yang diikuti oleh J. Flier, E. Gilels, J. Zak dan banyak lainnya dengan cemerlang. Memenangkan hadiah pertama dalam kompetisi kreatif yang serius selalu sulit; pada tahun 1927, dalam suasana niat buruk yang berlaku di borjuis Polandia dalam hubungannya dengan seniman Soviet, Oborin mengalami kesulitan ganda, tiga kali lipat. Dia tidak berhutang kemenangannya karena kebetulan atau sesuatu yang lain – dia berhutang secara eksklusif pada dirinya sendiri, pada bakatnya yang hebat dan sangat menawan.

• Musik piano di toko online Ozon →

Oborin lahir di Moskow, dalam keluarga seorang insinyur kereta api. Ibu anak laki-laki itu, Nina Viktorovna, suka menghabiskan waktu di piano, dan ayahnya, Nikolai Nikolaevich, adalah seorang pencinta musik yang hebat. Dari waktu ke waktu, konser dadakan diadakan di Oborins: salah satu tamu bernyanyi atau bermain, Nikolai Nikolayevich dalam kasus seperti itu dengan sukarela bertindak sebagai pengiring.

Guru pertama calon pianis adalah Elena Fabianovna Gnesina, yang terkenal di kalangan musik. Belakangan, di konservatori, Oborin belajar dengan Konstantin Nikolaevich Igumnov. “Itu adalah sifat yang dalam, kompleks, dan aneh. Dalam beberapa hal, ini unik. Saya pikir upaya untuk mengkarakterisasi individualitas artistik Igumnov dengan bantuan satu atau dua istilah atau definisi - baik itu "penulis lirik" atau sesuatu yang serupa - umumnya pasti gagal. (Dan kaum muda di Conservatory, yang mengenal Igumnov hanya dari rekaman tunggal dan dari kesaksian lisan individu, terkadang cenderung pada definisi seperti itu.)

Sejujurnya, – lanjut cerita tentang gurunya Oborin, – Igumnov tidak selalu seimbang, sebagai seorang pianis. Mungkin yang terbaik dari semuanya dia bermain di rumah, di lingkaran orang yang dicintai. Di sini, di lingkungan yang akrab dan nyaman, dia merasa nyaman dan nyaman. Dia memainkan musik pada saat-saat seperti itu dengan inspirasi, dengan antusiasme yang tulus. Selain itu, di rumah, di instrumennya, semuanya selalu "keluar" untuknya. Di konservatori, di ruang kelas, di mana terkadang banyak orang berkumpul (siswa, tamu …), dia tidak lagi "bernafas" di piano dengan bebas. Dia bermain cukup banyak di sini, meskipun, sejujurnya, dia tidak selalu dan tidak selalu berhasil dalam segala hal dengan sama baiknya. Igumnov biasa menunjukkan karya yang dipelajari dengan siswa bukan dari awal hingga akhir, tetapi sebagian, fragmen (yang sedang bekerja). Adapun pidatonya kepada masyarakat umum, tidak pernah mungkin untuk memprediksi sebelumnya akan menjadi apa pertunjukan ini.

Ada clavirabends yang luar biasa dan tak terlupakan, yang dispiritualkan dari nada pertama hingga terakhir, ditandai dengan penetrasi paling halus ke dalam jiwa musik. Dan bersama mereka ada pertunjukan yang tidak seimbang. Semuanya bergantung pada menit, suasana hati, apakah Konstantin Nikolayevich berhasil mengendalikan sarafnya, mengatasi kegembiraannya.

Kontak dengan Igumnov sangat berarti dalam kehidupan kreatif Oborin. Tapi bukan hanya mereka. Musisi muda itu umumnya, seperti yang mereka katakan, "beruntung" dengan para guru. Di antara mentor konservatorinya adalah Nikolai Yakovlevich Myaskovsky, yang darinya pemuda itu mengambil pelajaran komposisi. Oborin tidak harus menjadi komposer profesional; kehidupan selanjutnya tidak memberinya kesempatan seperti itu. Namun, studi kreatif pada saat belajar memberi banyak hal kepada pianis terkenal itu - dia menekankan hal ini lebih dari sekali. “Hidup telah berubah sedemikian rupa,” katanya, bahwa pada akhirnya saya menjadi seorang seniman dan guru, dan bukan seorang komposer. Namun, sekarang membangkitkan kembali tahun-tahun muda saya dalam ingatan saya, saya sering bertanya-tanya seberapa bermanfaat dan bermanfaatnya upaya mengarang ini bagi saya. Intinya bukan hanya dengan "bereksperimen" pada keyboard, saya memperdalam pemahaman saya tentang properti ekspresif piano, tetapi dengan membuat dan mempraktikkan sendiri berbagai kombinasi tekstur, secara umum, saya berkembang sebagai seorang pianis. Ngomong-ngomong, saya harus banyak belajar - bukan untuk mempelajari permainan saya, sama seperti Rachmaninov, misalnya, tidak mengajari mereka, saya tidak bisa …

Namun hal utama berbeda. Ketika, mengesampingkan manuskrip saya sendiri, saya mengambil musik orang lain, karya penulis lain, bentuk dan struktur karya ini, struktur internal mereka, dan pengaturan materi suara menjadi lebih jelas bagi saya. Saya perhatikan bahwa kemudian saya mulai mempelajari makna transformasi intonasi-harmonik yang kompleks, logika pengembangan ide melodi, dll. menciptakan musik memberi saya, sang pemain, layanan yang tak ternilai.

Satu kejadian aneh dalam hidup saya sering terlintas di benak saya,” Oborin mengakhiri perbincangan tentang manfaat mengarang bagi para artis. “Entah bagaimana di awal tahun tiga puluhan saya diundang untuk mengunjungi Alexei Maksimovich Gorky. Saya harus mengatakan bahwa Gorky sangat menyukai musik dan merasakannya secara halus. Secara alami, atas permintaan pemilik, saya harus duduk di depan instrumen tersebut. Saya kemudian banyak bermain dan, tampaknya, dengan sangat antusias. Aleksey Maksimovich mendengarkan dengan penuh perhatian, meletakkan dagunya di telapak tangannya dan tidak pernah mengalihkan pandangannya yang cerdas dan baik dariku. Tanpa diduga, dia bertanya: "Katakan padaku, Lev Nikolaevich, mengapa kamu tidak membuat musik sendiri?" Tidak, saya jawab, saya dulu menyukainya, tetapi sekarang saya tidak punya waktu – bepergian, konser, siswa … “Sayang sekali, sayang,” kata Gorky, “jika bakat seorang komposer sudah melekat dalam diri Anda secara alami, itu harus dilindungi – itu adalah nilai yang sangat besar. Ya, dan dalam penampilannya, mungkin, itu akan banyak membantu Anda … ”Saya ingat bahwa saya, seorang musisi muda, sangat terpukul oleh kata-kata ini. Jangan katakan apapun – dengan bijak! Dia, seorang pria yang sangat jauh dari musik, begitu cepat dan benar memahami inti masalahnya – pemain-komposer'.

Pertemuan dengan Gorky hanyalah satu dari rangkaian banyak pertemuan dan kenalan menarik yang menimpa Oborin di tahun XNUMX-an dan XNUMX-an. Saat itu dia berhubungan dekat dengan Shostakovich, Prokofiev, Shebalin, Khachaturian, Sofronitsky, Kozlovsky. Dia dekat dengan dunia teater – dengan Meyerhold, dengan “MKhAT”, dan terutama dengan Moskvin; dengan beberapa orang yang disebutkan di atas, dia memiliki persahabatan yang kuat. Selanjutnya, ketika Oborin menjadi master terkenal, kritik akan ditulis dengan kekaguman budaya internal, selalu melekat dalam permainannya, bahwa dalam dirinya Anda bisa merasakan pesona kecerdasan dalam hidup dan di atas panggung. Oborin berhutang budi pada masa mudanya yang terbentuk dengan bahagia: keluarga, guru, sesama siswa; sekali dalam sebuah percakapan, dia berkata bahwa dia memiliki "lingkungan nutrisi" yang sangat baik di masa mudanya.

Pada tahun 1926, Oborin dengan cemerlang lulus dari Moscow Conservatory. Namanya diukir dengan emas di Dewan Kehormatan marmer terkenal yang menghiasi serambi Aula Kecil Konservatorium. Ini terjadi pada musim semi, dan pada bulan Desember tahun yang sama, prospektus untuk Kompetisi Piano Chopin Internasional Pertama di Warsawa diterima di Moskow. Musisi dari Uni Soviet diundang. Masalahnya adalah hampir tidak ada waktu tersisa untuk mempersiapkan kompetisi. “Tiga minggu sebelum kompetisi dimulai, Igumnov menunjukkan kepada saya program kompetisi,” kenang Oborin kemudian. “Repertoar saya mencakup sekitar sepertiga dari program kompetisi wajib. Pelatihan dalam kondisi seperti itu sepertinya tidak ada gunanya.” Namun demikian, ia mulai mempersiapkan: Igumnov bersikeras dan salah satu musisi paling otoritatif saat itu, BL Yavorsky, yang pendapatnya dianggap paling tinggi oleh Oborin. "Jika kamu benar-benar ingin, maka kamu dapat berbicara," kata Yavorsky kepada Oborin. Dan dia percaya.

Di Warsawa, Oborin menunjukkan dirinya dengan sangat baik. Dia dengan suara bulat dianugerahi hadiah pertama. Pers asing, tidak menyembunyikan keterkejutannya (sudah disebutkan di atas: tahun 1927), berbicara dengan antusias tentang penampilan musisi Soviet. Komposer Polandia terkenal Karol Szymanowski, memberikan penilaian atas penampilan Oborin, mengucapkan kata-kata yang pernah dilewati surat kabar di banyak negara di dunia: “Sebuah fenomena! Bukan dosa untuk menyembahnya, karena dia menciptakan Kecantikan.

Sekembalinya dari Warsawa, Oborin memulai aktivitas konser yang aktif. Ini sedang naik daun: geografi turnya berkembang, jumlah pertunjukan meningkat (komposisi harus ditinggalkan - tidak ada cukup waktu atau energi). Karya konser Oborin berkembang sangat luas pada tahun-tahun pascaperang: selain di Uni Soviet, ia bermain di AS, Prancis, Belgia, Inggris Raya, Jepang, dan di banyak negara lain. Hanya penyakit yang mengganggu aliran tur yang tanpa henti dan cepat ini.

… Mereka yang mengingat pianis di tahun tiga puluhan dengan suara bulat berbicara tentang pesona langka dari permainannya - tanpa seni, penuh dengan kesegaran muda dan perasaan yang langsung. IS Kozlovsky, berbicara tentang Oborin muda, menulis bahwa dia terpesona dengan "lirik, pesona, kehangatan manusia, semacam pancaran". Kata "pancaran" menarik perhatian di sini: ekspresif, indah, dan figuratif, sangat membantu untuk memahami penampilan seorang musisi.

Dan satu lagi suap di dalamnya – kesederhanaan. Mungkin sekolah Igumnov memiliki efek, mungkin ciri-ciri sifat Oborin, susunan karakternya (kemungkinan besar keduanya), – hanya ada dalam dirinya, sebagai seorang seniman, kejernihan yang luar biasa, ringan, integritas, harmoni batin. Ini membuat kesan yang hampir tak tertahankan pada masyarakat umum, dan juga pada rekan pianis. Di Oborin, sang pianis, mereka merasakan sesuatu yang kembali ke tradisi seni Rusia yang jauh dan mulia - mereka sangat menentukan gaya penampilan konsernya.

Tempat yang luas dalam programnya ditempati oleh karya penulis Rusia. Dia dengan luar biasa memainkan The Four Seasons, Konserto Piano Pertama Dumka dan Tchaikovsky. Orang sering dapat mendengar Gambar Mussorgsky di Pameran, serta karya Rachmaninov - Konserto Piano Kedua dan Ketiga, pendahuluan, gambar etudes, Momen Musikal. Mustahil untuk tidak mengingat, menyentuh bagian repertoar Oborin ini, dan penampilannya yang mempesona dari "Little Suite" Borodin, Variasi Lyadov pada Tema oleh Glinka, Concerto untuk Piano dan Orkestra, Op. 70 A. Rubinstein. Dia adalah seorang seniman dari lipatan yang benar-benar Rusia - dalam karakter, penampilan, sikap, selera artistik, dan kasih sayang. Mustahil untuk tidak merasakan semua ini dalam karya seninya.

Dan satu penulis lagi harus disebutkan ketika berbicara tentang repertoar Oborin – Chopin. Dia memainkan musiknya dari langkah pertama di atas panggung hingga akhir hayatnya; dia pernah menulis di salah satu artikelnya: "Perasaan gembira yang dimiliki pianis Chopin tidak pernah meninggalkan saya." Sulit untuk mengingat semua yang dimainkan Oborin dalam program Chopin-nya - etudes, prelude, waltz, nocturnes, mazurka, sonata, concerto, dan banyak lagi. Sulit untuk dihitung bahwa dia bermain, bahkan lebih sulit untuk memberikan penampilan hari ini, as dia melakukannya. “Chopin-nya – sebening kristal dan cerah – memikat semua penonton tanpa terbagi,” kagum J. Flier. Bukan kebetulan, tentu saja, Oborin mengalami kemenangan kreatif pertamanya dan terbesar dalam hidupnya di sebuah kompetisi yang didedikasikan untuk mengenang komposer hebat Polandia.

… Pada tahun 1953, penampilan pertama dari duet Oborin – Oistrakh berlangsung. Beberapa tahun kemudian, lahirlah trio: Oborin – Oistrakh – Knushevitsky. Sejak itu, Oborin dikenal dunia musik tidak hanya sebagai solois, tetapi juga sebagai pemain ansambel kelas satu. Sejak usia muda dia menyukai musik kamar (bahkan sebelum bertemu dengan pasangan masa depannya, dia bermain duet dengan D. Tsyganov, tampil bersama dengan Kuartet Beethoven). Memang, beberapa ciri dari sifat artistik Oborin - melakukan fleksibilitas, kepekaan, kemampuan untuk dengan cepat menjalin kontak kreatif, keserbagunaan gaya - membuatnya menjadi anggota duet dan trio yang sangat diperlukan. Karena Oborin, Oistrakh dan Knushevitsky, ada sejumlah besar musik yang diputar ulang oleh mereka - karya klasik, romantisme, penulis modern. Jika kita berbicara tentang pencapaian puncak mereka, maka seseorang tidak dapat tidak menyebut sonata cello Rachmaninoff yang ditafsirkan oleh Oborin dan Knushevitsky, serta kesepuluh sonata Beethoven untuk biola dan piano, yang dibawakan pada satu waktu oleh Oborin dan Oistrakh. Sonata ini dibawakan, khususnya, pada tahun 1962 di Paris, di mana artis Soviet diundang oleh perusahaan rekaman terkenal Prancis. Dalam satu setengah bulan, mereka mengabadikan penampilan mereka dalam rekaman, dan juga – dalam serangkaian konser – memperkenalkannya kepada publik Prancis. Itu adalah waktu yang sulit bagi duo termasyhur itu. “Kami benar-benar bekerja keras dan keras,” DF Oistrakh kemudian berkata, “kami tidak pergi kemana-mana, kami menahan diri untuk tidak menggoda jalan-jalan di sekitar kota, menolak banyak undangan yang ramah. Kembali ke musik Beethoven, saya ingin sekali lagi memikirkan kembali rencana umum sonata (yang penting!) dan menghidupkan kembali setiap detailnya. Tetapi tidak mungkin penonton, setelah mengunjungi konser kami, mendapatkan lebih banyak kesenangan daripada kami. Kami menikmati setiap malam saat kami memainkan sonata dari atas panggung, kami sangat bahagia, mendengarkan musik dalam keheningan studio, di mana semua kondisi diciptakan untuk ini.”

Bersamaan dengan yang lainnya, Oborin juga mengajar. Dari tahun 1931 hingga hari-hari terakhir hidupnya, dia mengepalai kelas yang ramai di Konservatorium Moskow - dia membesarkan lebih dari selusin siswa, di antaranya banyak nama pianis terkenal. Biasanya, Oborin aktif melakukan tur: bepergian ke berbagai kota di negara itu, menghabiskan waktu lama di luar negeri. Kebetulan pertemuannya dengan mahasiswa tidak terlalu sering, tidak selalu sistematis dan teratur. Ini, tentu saja, tidak bisa tidak meninggalkan jejak tertentu pada kelas-kelas di kelasnya. Di sini seseorang tidak harus mengandalkan perawatan pedagogis sehari-hari; untuk banyak hal, "Oborints" harus mencari tahu sendiri. Ternyata, dalam situasi pendidikan seperti itu ada plus dan minusnya. Ini tentang sesuatu yang lain sekarang. Jarang bertemu dengan guru entah kenapa apalagi sangat dihargai hewan peliharaannya – itulah yang ingin saya tekankan. Mereka dihargai, mungkin, lebih dari di kelas profesor lain (bahkan jika mereka tidak kalah menonjol dan pantas, tetapi lebih "domestik"). Pelajaran pertemuan dengan Oborin ini adalah sebuah peristiwa; disiapkan untuk mereka dengan perhatian khusus, menunggu mereka, itu terjadi, hampir seperti hari libur. Sulit untuk mengatakan apakah ada perbedaan mendasar bagi seorang siswa Lev Nikolayevich dalam pertunjukan, katakanlah, di Aula Kecil Konservatorium di salah satu malam siswa atau memainkan karya baru untuk gurunya, yang dipelajari saat dia tidak ada. Perasaan yang meningkat ini Kewajiban sebelum pertunjukan di kelas adalah semacam stimulan – kuat dan sangat spesifik – di kelas dengan Oborin. Dia banyak menentukan dalam pekerjaan psikologi dan pendidikan di lingkungannya, dalam hubungannya dengan profesor.

Tidak diragukan lagi bahwa salah satu parameter utama yang dapat dan harus digunakan untuk menilai keberhasilan mengajar terkait dengan kewenangan guru, ukuran prestise profesionalnya di mata siswa, tingkat pengaruh emosional dan kemauan pada muridnya. Otoritas Oborin di kelas sangat tinggi, dan pengaruhnya terhadap pianis muda sangat kuat; ini saja sudah cukup untuk menyebut dia sebagai tokoh pedagogis utama. Orang-orang yang berkomunikasi dekat dengannya ingat bahwa beberapa kata yang diucapkan oleh Lev Nikolaevich ternyata terkadang lebih berbobot dan penting daripada pidato paling megah dan berbunga-bunga lainnya.

Beberapa kata, harus dikatakan, umumnya lebih disukai Oborin daripada monolog pedagogis yang panjang. Agak tertutup daripada terlalu ramah, dia selalu agak singkat, pelit dengan pernyataan. Semua jenis penyimpangan sastra, analogi dan kesejajaran, perbandingan warna-warni dan metafora puitis – semua ini merupakan pengecualian dalam pelajarannya daripada aturannya. Berbicara tentang musik itu sendiri – karakter, gambar, konten ideologis dan artistiknya – dia sangat ringkas, tepat, dan tegas dalam ekspresi. Tidak pernah ada sesuatu yang berlebihan, opsional, yang mengarah ke pernyataannya. Ada jenis kefasihan khusus: hanya mengatakan apa yang relevan, dan tidak lebih; dalam hal ini, Oborin sangat fasih.

Lev Nikolaevich sangat singkat saat latihan, satu atau dua hari sebelum pertunjukan, murid yang akan datang di kelasnya. “Saya takut membingungkan siswa,” dia pernah berkata, “setidaknya dalam beberapa cara untuk menggoyahkan keyakinannya pada konsep yang sudah mapan, saya takut untuk“ menakut-nakuti ”perasaan pertunjukan yang hidup. Menurut saya, yang terbaik bagi seorang guru di masa pra-konser untuk tidak mengajar, tidak mengajar musisi muda berulang kali, tetapi hanya untuk mendukung, menghiburnya … “

Momen karakteristik lainnya. Instruksi dan ucapan pedagogis Oborin, selalu spesifik dan terarah, biasanya ditujukan pada apa yang berhubungan dengan praktis sisi dalam pianisme. Dengan kinerja seperti itu. Bagaimana, misalnya, memainkan tempat yang sulit ini atau itu, menyederhanakannya sebanyak mungkin, membuatnya lebih mudah secara teknis; fingering apa yang paling cocok di sini; posisi jari, tangan, dan tubuh apa yang paling nyaman dan tepat; sensasi sentuhan apa yang akan mengarah pada suara yang diinginkan, dll. – pertanyaan ini dan pertanyaan serupa paling sering muncul di garis depan pelajaran Oborin, menentukan konstruktif khususnya, konten "teknologis" yang kaya.

Sangatlah penting bagi para siswa bahwa segala sesuatu yang dibicarakan Oborin "disediakan" - sebagai semacam cadangan emas - oleh pengalaman pertunjukan profesionalnya yang luas, berdasarkan pengetahuan tentang rahasia paling intim dari "keahlian" pianistik.

Bagaimana, katakanlah, membawakan sebuah karya dengan harapan akan suaranya di masa depan di ruang konser? Bagaimana cara mengoreksi produksi suara, nuansa, pedalisasi, dll. dalam hal ini? Nasihat dan rekomendasi semacam ini datang dari sang master, berkali-kali dan, yang terpenting, sendiri yang menguji semuanya dalam praktik. Ada kasus ketika, di salah satu pelajaran yang berlangsung di rumah Oborin, salah satu muridnya memainkan Ballade Pertama Chopin. "Wah, wah, lumayan," Lev Nikolayevich menyimpulkan, setelah mendengarkan pekerjaan dari awal hingga akhir, seperti biasa. “Tapi musik ini terdengar terlalu ruangan, saya bahkan akan mengatakan “seperti ruangan”. Dan Anda akan tampil di Aula Kecil… Apakah Anda lupa tentang itu? Silakan mulai lagi dan pertimbangkan ini … “

Ngomong-ngomong, episode ini mengingatkan salah satu instruksi Oborin, yang berulang kali diulangi kepada murid-muridnya: seorang pianis yang bermain dari panggung harus memiliki "teguran" yang jelas, dapat dipahami, dan sangat artikulatif - "diksi pertunjukan yang ditempatkan dengan baik", seperti yang dikatakan Lev Nikolayevich di salah satu kelas. Dan karena itu: "Lebih timbul, lebih besar, lebih pasti," dia sering menuntut saat latihan. “Seorang pembicara yang berbicara dari podium akan berbicara secara berbeda dari berbicara secara langsung dengan lawan bicaranya. Hal yang sama berlaku untuk pianis konser yang bermain di depan umum. Seluruh aula harus mendengarnya, dan bukan hanya baris pertama dari kios.

Mungkin alat paling ampuh di gudang guru Oborin sudah lama ada Menunjukkan (ilustrasi) pada instrumen; hanya dalam beberapa tahun terakhir, karena sakit, Lev Nikolaevich mulai jarang mendekati piano. Dalam hal prioritas "bekerja", dalam hal keefektifannya, metode tampilan, bisa dikatakan, unggul dibandingkan dengan penjelasan verbal. Dan bahkan demonstrasi khusus pada keyboard dari satu atau beberapa teknik pertunjukan membantu "Oborints" dalam pekerjaan mereka pada suara, teknik, pedalisasi, dll. Pertunjukan-ilustrasi dari guru, contoh langsung dan dekat dari penampilannya - semua yang dibawa ini adalah sesuatu yang lebih substansial. Memainkan Lev Nikolaevich pada instrumen kedua terinspirasi pemuda musik, membuka cakrawala dan perspektif baru yang sebelumnya tidak dikenal dalam pianisme, memungkinkan mereka untuk menghirup aroma menggairahkan dari panggung konser besar. Game ini terkadang membangkitkan sesuatu yang mirip dengan "iri putih": lagipula, ternyata begitu as и bahwa bisa dilakukan di piano… Dulu pertunjukan satu atau beberapa karya di piano Oborinsky memberikan kejelasan pada situasi yang paling sulit bagi siswa untuk tampil, memotong “simpul Gordian” yang paling rumit. Dalam memoar Leopold Auer tentang gurunya, pemain biola Hongaria yang luar biasa J. Joachim, terdapat baris-baris: so!” disertai dengan senyum meyakinkan.” (Auer L. Sekolah bermain biola saya. – M., 1965. S. 38-39.). Adegan serupa sering terjadi di kelas Oborinsky. Beberapa episode yang secara pianistik rumit dimainkan, sebuah "standar" ditampilkan - dan kemudian ringkasan dari dua atau tiga kata ditambahkan: "Menurut pendapat saya, jadi ..."

… Jadi, apa yang akhirnya diajarkan Oborin? Apa "kredo" pedagogisnya? Apa fokus dari aktivitas kreatifnya?

Oborin memperkenalkan murid-muridnya pada transmisi yang jujur, realistis, dan meyakinkan secara psikologis dari konten kiasan dan puitis musik; ini adalah alfa dan omega dari ajarannya. Lev Nikolayevich dapat berbicara tentang berbagai hal dalam pelajarannya, tetapi semua ini akhirnya mengarah pada satu hal: membantu siswa memahami esensi terdalam dari niat sang komposer, untuk mewujudkannya dengan pikiran dan hati, untuk masuk ke dalam “kepenulisan bersama ” dengan pencipta musik, untuk mewujudkan idenya dengan keyakinan dan persuasif yang maksimal. “Semakin lengkap dan dalam pemain memahami penulisnya, semakin besar kemungkinan bahwa di masa depan mereka akan mempercayai pemain itu sendiri,” dia berulang kali mengungkapkan sudut pandangnya, terkadang memvariasikan kata-kata dari pemikiran ini, tetapi bukan esensinya.

Nah, untuk memahami penulisnya - dan di sini Lev Nikolayevich berbicara dalam persetujuan penuh dengan sekolah yang membesarkannya, dengan Igumnov - berarti di kelas Oborinsky untuk menguraikan teks karya itu dengan hati-hati, untuk "menghabiskannya" sepenuhnya dan untuk bagian bawah, untuk mengungkap tidak hanya hal utama dalam notasi musik, tetapi juga nuansa paling halus dari pemikiran komposer, yang terpaku di dalamnya. “Musik yang digambarkan dengan tanda di kertas musik adalah kecantikan yang sedang tidur, masih perlu dikecewakan,” ujarnya suatu kali di tengah lingkaran mahasiswa. Sejauh menyangkut akurasi tekstual, persyaratan Lev Nikolayevich untuk murid-muridnya adalah yang paling ketat, apalagi bertele-tele: tidak ada perkiraan dalam permainan, dilakukan dengan tergesa-gesa, "secara umum", tanpa ketelitian dan akurasi yang tepat, dimaafkan. “Pemain terbaik adalah orang yang menyampaikan teks dengan lebih jelas dan logis,” kata-kata ini (dikaitkan dengan L. Godovsky) dapat berfungsi sebagai prasasti yang sangat baik untuk banyak pelajaran Oborin. Segala dosa terhadap pencipta – tidak hanya terhadap roh, tetapi juga terhadap huruf-huruf karya yang ditafsirkan – dianggap di sini sebagai sesuatu yang mengejutkan, sebagai perilaku buruk seorang pemain. Dengan segala penampilannya, Lev Nikolaevich mengungkapkan ketidaksenangan yang ekstrim dalam situasi seperti itu …

Tidak ada satu pun detail bertekstur yang tampaknya tidak penting, tidak ada satu pun gema tersembunyi, nada yang tidak jelas, dll., Yang luput dari perhatiannya yang tajam secara profesional. Sorot dengan perhatian pendengaran semua и semua dalam sebuah karya yang ditafsirkan, Oborin mengajarkan, intinya adalah “mengenali”, memahami suatu karya tertentu. “Untuk seorang musisi mendengar - artinya memahami“, – dia mampir di salah satu pelajaran.

Tidak ada keraguan bahwa dia menghargai manifestasi individualitas dan kemandirian kreatif pianis muda, tetapi hanya sejauh kualitas ini berkontribusi pada identifikasi. keteraturan objektif komposisi musik.

Dengan demikian, persyaratan Lev Nikolaevich untuk permainan siswa ditentukan. Seorang musisi yang tegas, bisa dikatakan, selera murni, agak akademis pada tahun lima puluhan dan enam puluhan, dia dengan tegas menentang kesewenang-wenangan subjektivis dalam pertunjukan. Segala sesuatu yang terlalu menarik dalam interpretasi rekan-rekan mudanya, mengaku tidak biasa, mengejutkan dengan orisinalitas lahiriah, bukannya tanpa prasangka dan kewaspadaan. Jadi, begitu berbicara tentang masalah kreativitas seni, Oborin mengenang A. Kramskoy, setuju dengannya bahwa “orisinalitas dalam seni sejak langkah pertama selalu agak mencurigakan dan lebih menunjukkan kesempitan dan keterbatasan daripada bakat yang luas dan serba guna. Sifat yang dalam dan peka pada awalnya tidak bisa tidak terbawa oleh segala sesuatu yang telah dilakukan dengan baik sebelumnya; sifat seperti itu meniru…”

Dengan kata lain, apa yang dicari Oborin dari murid-muridnya, yang ingin didengar dalam permainan mereka, dapat dicirikan dari segi: sederhana, sederhana, alami, tulus, puitis. Peninggian spiritual, ekspresi yang agak dilebih-lebihkan dalam proses pembuatan musik - semua ini biasanya membuat Lev Nikolayevich tersentak. Dia sendiri, seperti yang dikatakan, baik dalam hidup maupun di atas panggung, di instrumen, terkendali, seimbang dalam perasaan; kira-kira "tingkat" emosional yang sama menarik baginya dalam penampilan pianis lain. (Entah bagaimana, setelah mendengarkan permainan yang terlalu temperamental dari salah satu artis debutan, dia teringat kata-kata Anton Rubinstein bahwa tidak boleh ada banyak perasaan, perasaan hanya bisa secukupnya; jika ada banyak, maka itu salah …) Konsistensi dan kebenaran dalam manifestasi emosional , keharmonisan batin dalam puisi, kesempurnaan eksekusi teknis, akurasi gaya, ketelitian dan kemurnian - kualitas kinerja ini dan yang serupa membangkitkan reaksi persetujuan Oborin yang selalu.

Apa yang dia kembangkan di kelasnya dapat didefinisikan sebagai pendidikan profesional musik yang elegan dan halus, menanamkan sopan santun yang sempurna kepada murid-muridnya. Pada saat yang sama, Oborin berangkat dari keyakinan bahwa “seorang guru, tidak peduli seberapa berpengetahuan dan berpengalamannya dia, tidak dapat membuat seorang siswa lebih berbakat daripada dia secara alami. Itu tidak akan berhasil, apa pun yang dilakukan di sini, apa pun trik pedagogis yang digunakan. Musisi muda memiliki bakat yang nyata – cepat atau lambat itu akan membuat dirinya dikenal, itu akan muncul; tidak, tidak ada yang membantu di sini. Hal lain adalah selalu perlu meletakkan dasar profesionalisme yang kokoh di bawah talenta muda, tidak peduli seberapa besar itu diukur; perkenalkan dia pada norma-norma perilaku yang baik dalam musik (dan mungkin tidak hanya dalam musik). Sudah ada tugas dan kewajiban langsung dari guru.

Dalam pandangan tentang hal-hal seperti itu, ada kebijaksanaan agung, kesadaran yang tenang dan sadar tentang apa yang dapat dilakukan seorang guru dan apa yang berada di luar kendalinya …

Oborin melayani selama bertahun-tahun sebagai teladan yang menginspirasi, model artistik tinggi untuk rekan-rekannya yang lebih muda. Mereka belajar dari seninya, menirunya. Mari kita ulangi, kemenangannya di Warsawa menggugah banyak orang yang kemudian mengikutinya. Kecil kemungkinan Oborin akan memainkan peran utama dan fundamental penting ini dalam pianisme Soviet, jika bukan karena pesona pribadinya, kualitasnya yang murni manusiawi.

Ini selalu dianggap sangat penting di kalangan profesional; karenanya, dalam banyak hal, sikap terhadap artis, dan resonansi publik dari aktivitasnya. “Tidak ada kontradiksi antara Oborin sang seniman dan Oborin sang lelaki,” tulis Ya. I. Zak, yang mengenalnya dari dekat. “Dia sangat harmonis. Jujur dalam seni, dia sangat jujur ​​dalam hidup… Dia selalu ramah, baik hati, jujur, dan tulus. Dia adalah kesatuan langka dari prinsip estetika dan etika, paduan seni tinggi dan kesopanan terdalam. (Zak Ya. Bakat cemerlang // LN Oborin: Artikel. Memoar. – M., 1977. P. 121.).

G.Tsypin